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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y Encuentros [MÉXICO] Intérprete (sax): Jorge Hoyo (México) 26 jun 2015 El repertorio seleccionado para este concierto representa la propuesta estética de cuatro compositores internacionales dedicados a la creación contemporánea. Aprovechando las posibilidades técnicas del saxofón, estos cuatro compositores proponen un lenguaje musical para el siglo XXI que combina el saxofón y la electroacústica. Jorge Hoyo, saxofonista Originario de la Ciudad de México, obtuvo el Bachelors of Music en 2001 en el Conservatorio de Boston, Estados Unidos en la cátedra de Ken Radnofsky. Al año siguiente ganó una beca del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para continuar sus estudios en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en París bajo la dirección de Jean-Michel Goury. Después de conseguir el Premier Prix de saxofón, obtuvo el grado de Perfeccionamiento, profundizando en el repertorio contemporáneo y en Pedagogía. En 2011 obtuvo la maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada en España. Como saxofonista, ha sido invitado a participar en varias ediciones del Encuentro Universitario Internacional de Saxofón que organiza la UNAM, en el XV Congreso Mundial de Saxofón en Bangkok, Tailandia, así como en la North American Saxophone Alliance Conference en Columbia, Estados Unidos en 2008. En México se ha presentado en foros como la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y la sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario. Su interés por la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con diversos compositores y ha estrenado obras de Dana Brayton, Howard Frazin y John McDonald (Estados Unidos); José Luis García y Joan Riera (España); Alejandro Morales y David Hernández (México); Geoffrey François (Francia), Shih-Hui Chen (China) y Halim El-Dahb (Egipto). En su actividad docente, ha sido profesor de saxofón en el Conservatorio de Nantes y en escuelas municipales de la región de Bretaña en Francia. Ha impartido cursos y clases magistrales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Conservatorio Superior de Málaga en España y la Universidad de Costa Rica. Programa To and fro (male courtship song) (2003) - Sergio Luque (México/España) Couleur sans bout (2005) - Geoffrey François (Francia/Bélgica) Memoria (2015) - Otto Castro (Costa Rica) Rupture (2015) - Pedro Rivadeneira (Argentina/Estados Unidos) Previous Next

< Back Javier Lara (Mex) - Clase Magistral Sintesis Modular Previous Next

< Back Oscar Pablo Di Liscia (Arg) - Clase Técnicas y tecnologías para la espacialización de sonido Previous Next

Regresar Estreno de obra encargo del CMMAS manifiest(ia)s Marianne Teixido (México) “Esta obra es parte del programa de encargos a jóvenes compositoras mexicanas del CMMAS 20022 “Creación y perspectiva” manifiest(ia)s es una composición sonora cuadrafónica generativa y colaborativa que permite la interacción entre une intérprete vocal y la computadora como agencia. Para su ejecución se instala un sistema de retroalimentación entre la computadora y le intérprete en dos niveles; texto/imagen y oralidad/audio. El sistema programado imprime, en tiempo real, frases reconstruídas a partir de una base de datos de manifiestas feministas creada para la pieza. Estos fragmentos de texto se visualizan en el sistema de proyección y fungen como guía para la improvisación oral para el intérprete vocal. Le intérprete improvisará sobre versiones sugeridas de los textos por medio de vocalizaciones que a su vez la computadora intervendrá como sonido. El audio procesado por la computadora, tomado de la entrada del micrófono, modificará la interpretación vocal, creando así retroalimentación. Ambas agencias se hacen manifiestas. Stephanie Marianne Teixido Guzmán ztp.txdo@gmail.com Mi labor profesional así como mi formación académica se ha tejido a partir de una serie de relaciones inter y transdisciplinarias. La transdisciplina me ha permitido crear por medio de la vinculación entre sonido, síntesis, código, lenguaje natural, textualidades y composición algorítmica. En el contenido de mi obra sonora, el texto como código, funge como partitura de ejecución que muchas veces desdibuja los límites entre la interpretación y la composición. En las líneas de programación busco escribir reflexiones de crítica social, feminista, situada e interseccional para cuestionar las condiciones sociales, políticas, económicas y culturales del contexto que habito y en el cual se adscribe mi obra. Mi trabajo es desarrollado principalmente con software libre y open source ya que gran parte de lo que hago no sería posible sin la cooperación y generosidad de la comunidad que mantiene un compromiso técnico con la libertad y apertura de las herramientas para la creación sonora así como del conocimiento que de ahí deriva. En mis exploraciones, tanto personales como colectivas he experimentado con la música electroacústica, sistemas multicanal, interacción con intérpretes, feedback entre la máquina y la ejecución en la improvisación al vuelo, música concreta, electrónica, géneros otrxs y actualmente estoy realizando una investigación artística sobre machine learning, memoria oral y organización sonora hackfeminista desde el proyecto RAM [Redes Autónomas de Memoria] que busca tejer voces de resistencia frente a la violencia machista mediante procesos de apropiación tecnológica. Por medio de la escritura, reescritura y hackeo de algoritmos de inteligencia artificial para la creación sonora, RAM entendido como espacio nodo, propiciará la creación de memoria oral para enunciar discursos disruptivos para el cuidado colectivo. Partitura: Descripción para reproducción: descripcion .pdf Descargar PDF • 251KB Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

< Back Ir al final | go to botom Batería y nuevas tecnologías - Adrián Oropeza (México) La propuesta consiste en explicar y resaltar el proceso de realización de las tres obras para batería y nuevas tecnologías, composiciones originales de los compositores Rodrigo Sigal, Francisco Villegas y Josué Collado. La fusión de instrumentos acústicos con las nuevas tecnologías, constituye una propuesta vanguardista y forma parte de las nuevas tendencias de la música actual que deben ser fomentadas y difundidas en los festivales para transferir el conocimiento y acercar a las nuevas generaciones de músicos a la batería y el uso de las nuevas tecnologías como eje de formación en las nuevas tendencias actuales de la música, lo cual impulsará y acercará a muchas generaciones de jóvenes músicos a este género. Adrián Oropeza Como músico ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia. Es Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música, incursionó en la música de la mano de importantes bateristas como Álvaro López, Hernán Hecht y Antonio Sánchez, así como con Joe Porcaro y Ralph Humpries en Los Angeles Music Academy (LAMA), quienes le aportaron el estilo y la técnica en ese instrumento, no solo en el jazz, sino en otros géneros musicales Luego de participar en algunas agrupaciones que fusionaban música tradicional de Bolivia y otros países latinoamericanos, Adrián Oropeza fundó en 2006 su propia propuesta, en formato de trío, con la idea de mostrar que la música mexicana tiene grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz. En 2008 grabó su primer álbum “Texturas” y en 2011 presentó su segundo disco “Mezcal”, ambos realizados con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, al obtener la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales. En 2015 grabó de manera independiente su tercer disco “Amaneceres”. Adrián Oropeza como líder de su trío, viajó en 2012 a Manila, Filipinas como representante de México en el Festival Internacional de Jazz (P.I. Jazz Festival) y posteriormente a Bolivia en el 25 Festijazz de La Paz. En 2014 participó en el Java Jazz Festival de Yakarta, Indonesia e hizo algunas presentaciones en Singapur, acompañado por su trío. Además tuvo la oportunidad de ser el primer mexicano y latinoamericana en ser invitado al Guimaraes Jazz Festival de Portugal, también en 2014. En 2016 viajó a Francia para integrar la programación del FIMU, Festival Internacional de Música Universitaria, en la ciudad de Belford. En 2017 viajó a Holanda para participar en los festivales Jazz in de Gratch en La Haya y en Delft Jazz Fest en la ciudad de Delft. En 2018 fue invitado al Festival Internacional de Jazz de Santa Lucía, isla del Caribe. En México ha participado en importantes festivales de jazz en Querétaro, Aguascalientes, Tabasco, Hidalgo, Michoacán, Colima, Yucatán, Zacatecas, San Luis Potosí, Nuevo León y la Ciudad de México. Entre 2012 y 2018 participó en otros proyectos musicales como H3A al lado del reconocido flautista Horacio Franco y en Sattva Jazz Project, agrupación con la que muestra otras vertientes en su trayectoria como baterista, con la que presentó a finales de 2017 el disco de jazz electroacústico “0101”; actualmente integra el proyecto de la cantante Atenea Ochoa con los músicos Alex Mercado y Aarón Cruz. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Overview. [FRANCIA] Anabelle Playe (Francia) 31 ene 2019 OVERVIEW, performance audiovisual: música electrónica y video generativo (3D). Annabelle Playe interpreta música en vivo desde un instrumento electrónico. La música oscila entre electrónica, electroacústica, drone y ruido. Las masas de sonido, caóticas o pulsadas, los timbres envolventes están conectados a una superficie de audio 3D reactiva, creada por Hugo Arcier, y animada de acuerdo con los parámetros musicales. Algunos sonidos distorsionan la superficie, otros generan colores que se difunden en ella. OVERVIEW: una odisea, una energía casi nuclear que perturba nuestra percepción del espacio, cuestiona nuestra postura en el mundo, electrifica el tejido que conecta la esencia, la existencia y el universo. La música y las imágenes están en sinergia para desarrollar una fuerza a veces hipnótica, a veces caótica que nos lleva a cruzar una pared de sonido, un deslumbramiento, para finalmente ir al otro lado. Annabelle Playe es una artista multidisciplinaria. A ella le gusta explorar la voz, el sonido, el video y la escritura. Ella toca música electrónica y experimental en Francia y en el extranjero. Su música en vivo está basada en un dispositivo hecho de sintetizadores analógicos. El sonido se agita entre la música electrónica y la electroacústica, algunos de ellos hechos de diferentes fuentes (voces, sonidos concretos) se procesan, se ponen en espacios y se mezclan con lo analógico. Su primer álbum «Matrice» (DAC records) y «Vaisseaux» (DAC records) recibió una muy buena respuesta de los medios internacionales y «Matrice» se convirtió en una presentación audiovisual con el videoartista Philippe Fontes. "Geyser" será lanzado en 2018. Crea actuaciones audiovisuales: «ANA» y «Vessels» con el músico Marc Siffert y el cineasta Gregoy Robin. En 2017, creó OVERVIEW, una presentación audiovisual con Hugo Arcier (video generativo) que se ha reproducido en Cube, un centro de creación digital cerca de París (FR). Annabelle Playe diseña el video como composición musical: repetición de patrones, desarrollos, rupturas y sombras. La edición dinámica de imágenes interactúa con la música de forma contraria. A veces, las imágenes se desvanecen para dar paso a la música. "With the support of SACEM, society of authors, composers and music publishers in France" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Doctor Zoppa. [ARGENTINA/MÉXICO/ESTADOS UNIDOS] Doctor Zoppa (México/Argentina), David Blink (EUA) 29 nov 2016 Doctor Zoppa propone un espectáculo contundente y ecléctico. En sus presentaciones la música y la imagen juegan el mismo papel de importancia. Formado en 2012 como un dúo integrado por Juan Sebastián Lach (México) y Francisco Colasanto (Argentina). Actualmente esta conformado por Francisco Colasanto (composición, arreglos, voz,) y Sebastián Torrella (cuerdas y visuales). Juan Sebastián Lach participa en varias ocasiones como artista invitado. Los instrumentos que utilizan en vivo son un Eigenharp TAU y acordeón (Colasanto), bajo y guitarra (Torrella), con proyección de videos en vivo de la autoría y/o curaduría de Sebastián Torrella, quien además de ser un destacado multi-instrumentista ha trabajado por 20 años como productor de piezas audiovisuales y colaborado con productoras importantes como las de Tony Scott y Spike Lee. La música propuesta por Doctor Zoppa mezcla diversos estilos: rock, pop, electrónica, electroacústica, avant-garde, etc. Principalmente interpreta música compuesta y arreglada por Francisco Colasanto, aunque también realiza homenajes a diferentes compositores interpretando versiones personales de piezas de músicos tan dispares como Luis Alberto Spinetta, King Crimson, Igor Stravinsky, Morton Feldman, entre otros. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Evelin Ramón. (Virtual) [CUBA / CANADÁ] Evelin Ramón (Cuba/Canadá) 13 ago 2021 El treceavo concierto del ciclo "Perspectivas Sonoras" presenta un concierto audiovisual a cargo de Evelin Ramón, este concierto cuenta con obras en las cuales se realiza una combinación y mezcla entre a música popular (cubana, afrocubana, jazz, pop) y la electrónica. La utilización de la voz acompañada por instrumentos virtuales, sintetizadores y controladores será también uno de los aspectos mas presentes en este concierto. Evelin Ramón Evelin Ramón es una cantante, compositora y productora de música. Esta terminando sus estudio de doctorado en composición y creación sonora, en la Universidad de Montreal. Su trabajo musical ha sido apoyado por el Consejo de las Artes y de Letras de Quebec ( CALQ), el Consejo de las Artes de Canadá ( CAC) la Universidad de Montreal y por la Ville de Terrebonne. Actualmente su trabajo se concentra en la creación, producción et interpretación de obras musicales, donde combina la música popular conjuntamente con la electrónica. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Neil Rolnick + Jacobo Cerda [ESTADOS UNIDOS / MÉXICO] Compositor: Neil Rolnick (EUA) Pianista: Jacobo Cerda (México) 11 mar 2016 El compositor Neil Rolnick y el pianista Jacobo Cerda presentarán un concierto conformado por dos de las obras más sobresalientes para piano y computador de Rolnick. Digits, escrita en 2005, es una pieza que combina procesamiento digital y video, el New York Times la describió como "una pieza estimulante e interactiva.” Faith, escrita en 2009, ha sido descrita como “un gran trabajo, nuevo, que desafía la categorización, una mezcla de la lírica canción de Tin Pan Alley, abstracción de tardío sigo 20th, riffs del boogie-woogie, improvisaciones de jazz, cortar y pegar mezclar, el virtuoso romanticismo de Chopin y Liszt, procesamiento digital en tiempo real, va y viene entre una reflexión y gestos dramáticos. El concierto también incluirá la pieza más representativa de Rolnick una pieza para laptop. Neil Rolnick, pionero en el uso de las computadoras en perfomance, comenzó a finales de los años 70. Su música ha sido presentada en todo el mundo, y aparece en 18 grabaciones comerciales. Aunque su trabajo conecta directamente con la música y la tecnología, y por lo tanto se le considera “experimental”, la música de Rolnick siempre ha sido sumamente melódica y accesible. Ya sea que trabaje con sonidos electrónicos. ensambles acústicos o una combinación de ambas, su música siempre se ha reconocida por los críticos como “sofisticada,” “tarareable y atractiva,” y que posee un “buen sentido de la teatralidad y humor” Jacobo Cerda Como compositor, su trabajo es tanto acústico como electro acústico, abarcando varios lenguajes y confrontándolos para aumentar la riqueza narrativa de sus obras. Sus obras se han presentado en Guanajuato, San Luis Potosí, Monterrey, Chihuahua, Querétaro y Iowa (EUA). En 2007 participó en la composición e interpretación musical de la obra “Chucho el Roto” dirigida por Gabriel Retes. En 2011 debutó como compositor en el patio de la Alhóndiga de Granaditas, presentando su primer cuarteto de cuerdas «Jacaranda» diseñado para audio cuadrafónico. Así mismo, presentó durante el Festival Internacional Cervantino (2013 y 2015) recitales de cámara, haciendo estrenos de obras de su autoría y ha participado en el programa creadores escénicos (2014) por FONCA/CONACULTA y ha sido ganador de la beca Jóvenes Creadores 2015-2016 FONCA/CONACULTA. Actualmente estudia la Licenciatura en Composición Musical en la Universidad de Guanajuato, bajo la tutela del Dr. Roberto Morales Manzanares y pertenece al cuerpo docente de la Universidad. Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Interconectividad multimediática entre MIDI, DMX y Jitter - Eduardo Mariné (México) Se delimitarán las bases para construir puentes de comunicación entre distintas aplicaciones para un propósito de ejecución en vivo, y crear así un vocabulario más completo de las posibilidades inter-mediáticas de expresividad y dominio tecnológico. Se explorarán los siguientes recursos y temas: Max MSP, Ableton Live, interfaces Enttec DMX USB Pro, DMX y VSynth Eduardo Mariné nació en la Ciudad de México en el año de 1990, y su interés por el arte musical se consolidó tan pronto como a sus 4 años siendo Fantasía de Walt Disney su película favorita (y, que a la fecha, sigue siendo). Incursionó en estudios particulares de piano académico a la edad de 13 años con la Mtra. Marcia Freyre de Andrade, con quien estudió por más de 20 años. Formó parte del programa de Berklee Latino en los años de 2014 y 2015 donde estudió bajo la tutela de Nando Michelín y Mark Walker, quienes profundizaron sus intereses en la música contemporánea, el jazz, la composición y la improvisación; y poco después concluyó sus estudios en Producción Musical en el Tecnológico de Monterrey, bajo la tutela de maestros como el Dr. Hugo Solís y el Dr. Kenji Calderón con reconocimientos por rendimiento académico sobresaliente. Al poco tiempo de su graduación, fue aceptado para estudiar un Master's Degree en Music Technology, Production & Innovation en Berklee College of Music, Campus Valencia del cual se gradúo con el máximo reconocimiento Summa Cum Laude y lo llevó a desarrollar un profundo interés por una carrera en el mundo académico de la música, siendo invitado por el Dr. David Rodríguez de la Peña en el año de 2019 a formar parte del cuerpo docente del Conservatorio Nacional de Música y por la Mtra. Diana Urquiza a formar parte del cuerpo docente del Tecnológico de Monterrey. Durante todos estos años formativos, ha trabajado en más de 300 producciones que cubren un amplio espectro estilístico con artistas de talla internacional y así mismo ha desarrollado un profundo interés por la tecnología musical, detallando trabajo audiovisual utilizando diversos lenguajes de programación, interconectividad entre protocolos y nuevos discursos bajo el abanico del arte digital. Eduardo ha presentado tanto obra propia musical como obra audiovisual en diversos espacios nacionales e internacionales, como la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia, España, El Colegio Nacional en la Ciudad de México o el Museo de Arte Moderno en Toluca, Estado de México. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: CEMLA. (Virtual) [CHILE] Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos (Chile) Coorinador: Andrés Rivera Fernández (Chile) 15 jun 2022 El CEMLA es un espacio de estudio de la música latinoamericana, tanto desde las vertientes tradicionales y populares, y de las académicas y experimentales, poniendo un especial énfasis en las nuevas expresiones que surgen del cruce entre estas. Participan artistas, investigadorxs, intérpretes y docentes de Chile y Latinoamérica. La re-incorporación de las tradiciones orales, los instrumentos nativos/populares, las prácticas colectivas y el uso de tecnologías son pilares fundamentales de esta propuesta. Sus ejes principales de trabajo son la Formación Académica, el Fomento a la Creación y la Difusión de las Nuevas Músicas Latinoamericanas. Andrés Rivera Fernández es Mgtr. en Creación Musical UNTREF. Se desarrolla en el campo de la música experimental con raíz latinoamericana, la innovación en didáctica musical y la reflexión filosófica sobre la música como un fenómeno identitario y geoculturalmente situado. Docente de la Cátedra de Etnografía de la Música (Universidad de Valparaíso) y Director del CEMLA Este proyecto de Ciencia, Arte y Tecnología es una colaboración entre el Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos y la Escuela de Ingeniería Eléctrica de la PUCV para la creación de obras mediales interdisciplinarias a partir de sensores de presión hechos de tela y fáciles de construir. El sensor está basado en telas conductoras que al contacto transforman la presión en una señal que puede ser enviada de manera inalámbrica, en tiempo real, para ser procesadas según las necesidades del artista. Esto crea una forma de controlar de manera única cualquier señal producida por la interacción sensor/artista. Sobre esta base, lxs artistas vinculadxs al CEMLA buscan explorar y expandir las posibilidades técnicas y de captura de datos del sensor con fines estéticos y expresivos. Blando, vestible, móvil, presionable y virtualmente inalámbrico, el sensor puede potenciar el movimiento, cuerpo y la interacción entre instrumentistas, generando procesamiento en tiempo real e interactivo del sonido y la imagen de maneras novedosas e innovadoras. Las obras del CEMLA ocurren en el área de cruce entre elementos de experimentación y nuevas tecnologías, con tradiciones populares y cultura local, con un fuerte énfasis en la creación colectiva. En este proyecto en particular se piensan relaciones, confluencias y divergencias entre el paradigma de la ciencia y el paradigma del arte, ambos con distintas miradas respecto de lo que es el conocimiento y la producción de este. Las obras creadas fueron registradas y producidas audiovisualmente por Grieta Cine. Previous Next

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