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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Reescuchando a Shakespeare. [MÉXICO] Compositores(as): Paulina Lasa Luis Trasto David Sánchez Teresa Claudia Martínez Martínez Raúl Antonio González Jessica Rodríguez Eligio Elias Xolocotzin (México) 1 dic 2016 Concierto de presentación de obras ganadoras de la convocatoria Re-escuchando a Shakespeare. El Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), la Secretaría de Cultura del Estado de Michoacán (SECUM), el Centro Nacional para la Cultura y las Artes (CENART) en colaboración con la Fonoteca Nacional y el Consejo Británico del Reino Unido de la Gran Bretaña e Irlanda del Norte (British Council), convocaron a artistas, creadores y/o compositores mexicanos e ingleses que radiquen en México o en el Reino Unido a participar en el Programa de Creación Sonora: “Re-escuchando Shakespeare” con motivo de los 400 años de su fallecimiento, en el marco del Año Shakespeare. Es una convocatoria para la creación de obra nueva que use el sonido de manera central y las nuevas tecnologías, con o sin medios visuales, basada en la obra de William Shakespeare. Tiene como fin propiciar un espacio de vinculación multidisciplinario, fomentar la creación musical con nuevas tecnologías y re-descubrir, re-interpretar, reflexionar y difundir la obra literaria de Shakespeare. Piezas seleccionadas 1. Paulina Lasa, Luis Trasto y David Sánchez, Carpe Diem 2. Teresa Claudia Martínez Martínez , Noise to heard 3. Raúl Antonio González, Quien tuviera una musa de fuego 4. Jessica Rodríguez / ANDAMIO, Laid by his side 5. Eligio Elias Xolocotzin, Ficisidad_Anodina *El orden del programa se ha determinado por los requisitos técnicos de cada una de las piezas. Previous Next

Ir a cmmas.org < Back PinkNoise Ensemble Viernes 13 DE OCTUBRE 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Dance Like Nobody's Watching: Student Experiences of COVID-19 in Canada In-person interdisciplinary teaching presents its own challenges and limitations, but what happens when you move courses from different faculties online and have the students collaborate virtually on a music and dance video? As it turns out, it can be a remarkably engaging and rewarding process. In the fall of 2020, during the heart of the global pandemic, students from Dr. Brenda Cantelo’s Religion and Dance course in the Faculty of Arts collaborated with students from Dr. Gordon Fitzell’s eXperimental Improv Ensemble (XIE) in the Desautels Faculty of Music at the University of Manitoba to create a dance video on the theme of living through COVID-19. Together with award-winning choreographer Stephanie Ballard, Cantelo and Fitzell first led the students through the process of brainstorming ideas in collaborative Zoom sessions and developing the work’s four-part approach to exploring the impact of the pandemic on our lives. Each dance sequence and musical track was then performed remotely by individual students. The video and music were then edited together to form a unified expression of our collective pandemic experience. Dr. Brenda Cantelo (Department of Religion, Faculty of Arts). University of Manitoba. Winnipeg, Manitoba. Canada. Brenda Cantelo joined the Department of Religion in 1998. Her scholarship centres on the religion and the arts, with specialization in Religion and Dance and the sacred art of India. Her current research projects include the production of a site-specific dance project and the documentation of sacred religious sites and rituals in Mexico. Dr. Cantelo teaches courses such as Indian Religious Art and Architecture in India, Religion and Dance and an Introduction to Eastern Religions. Dr. Gordon Fitzell (Desautels Faculty of Music). University of Manitoba. Winnipeg, Manitoba. Canada. Gordon Fitzell is a Canadian composer, improviser and sound artist. His music, described as “throbbing and trancelike” (New York Times), tends to explore peculiar points of connection between classical and popular elements of culture, freely inhabiting acoustic, electroacoustic and interdisciplinary performance environments. His music is featured on various albums, including GRAMMY-winning, Opus Award-winning, JUNO-nominated and West Coast Music Award-nominated recordings. Fitzell is an artistic co-director of the new music organization Groundswell, and a professor of composition at the University of Manitoba Desautels Faculty of Music in Winnipeg, where he leads the eXperimental Improv Ensemble. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back Ir al final | go to botom Pachakuti Pachakuti es un obra acusmática del 2021, presentada en este festival como un trabajo audiovisual realizado por el compositor. Se origina en una pieza homónima compuesta para la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos de Bolivia El material sonoro se basa exclusivamente en grabaciones de estos instrumentos, aunque la metáfora electroacústica explora esta sonoridad a través de transformaciones que constituyen un encuentro –un verse de frente– con principios y conceptos encontrados en la música (y la visión de mundo) de los pueblos originarios andinos. El título tiene que ver con una de las mediaciones dinámicas que existe en el mundo andino para equilibrar lo que se concibe como opuestos complementarios, muchas veces de carácter binario. Pacha significa tiempo/espacio/totalidad de las cosas; Kuti implica confrontación, inversión, vuelta, restitución, revolución o transformación de las cosas. Trabajar creadoramente en este ámbito se inscribe necesariamente en esta dinámica, como parte de los posibles opuestos complementarios (con las contradicciones implícitas) proyectados en una vivencia contemporánea. Los títulos de los cinco movimientos se refieren al paradigma tripartita de esta oposición complementaria: el mundo de abajo (Manqhapacha), el mundo de arriba (Alaxpacha), y el "mundo nuestro", que queda en medio, (Akapacha). Los movimiento 2 y 4 hacen referencia genérica a las revueltas indígenas históricas y actuales: Juan Karati y Juana Katari. Katari (serpiente, habitante del mundo de abajo) es, según la mitología, lo que provoca el Pachakuti (que naturalmente se manifiesta como un terremoto). Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, es catedrático de la Escuela de Música, Universidad Nacional de Costa Rica. Junto a su composición de música contemporánea acústica, ha desarrollado trabajos audiovisuales, multimediales, de diseño sonoro y composición para danza y teatro, así como obra en el ámbito de la música electroacústica y diversos géneros de música “popular”. Es el autor de 4 libros: dos en el campo téorico (lectura rítmica basada en principios rítmicos afroamericanos, y principios de la armonía tonal funcional); uno de análisis de música latinoamericana; y una autoetnografía con una reflexión en torno a la composición musical. Ha participado activamente en foros y festivales a nivel internacional. Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa. Entre sus últimos proyectos están un disco de su música para piano con Carolina Ramírez, la grabación de un disco monográfico con el Ónix Ensamble, y un encargo para la Filarmónica de Los Ángeles. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Back Sonic Visions Academy @ Mexico / New Music and Media Arts Field School 2023 Canadá | México VIERNES 4 DE AGOSTO 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Regresar Concierto | Concert Concierto de la Academia Janacek de Música y Artes Escénicas, JAMU Janacek Academy of Music and Performing Arts JAMU (República checa) Obras escritas por maestros e investigadores de la Academia Janacek de Música y Artes Escénicas JAMU, en Brno, República Checa 1. "Tinkling" by Michal Indrak 2. "Timebreak" by Jiri Suchanek 3. "Fluttering Substance" by Otto Wanke 4. "A Message" by Jan Kavan 5. "Dual 2" for alternative percussion and electronics by Omar Rojas; Percussions: Enrique Nieto 6. "La locandiera Mirandolina" a minisuite by Mario Buzzi Notas de programa: Michal Indrák - Tinkling This piece was written in July 2022 and was inspired by a small experimental musical instrument created by my 9-year-old son at a course for young composers and inventors. The instrument is made of a plastic bottle, short chain and small bells. All the sonic events of the piece were created by sampling and post-processing its possibilities as a kind of recollection stretched in time. The piece was also created as part of testing my new setup of a mobile DAW workflow. I also wanted to test and try out new workflows that would allow me to compose electroacoustic music anywhere and anytime without difficult preparations and technical limitations. Jiří Suchánek : Time.break (2013/2018, 4-channel, 9:17 ) Force applied to a mater causes the rise of internal tension. With increasing intensity and no possibility of relaxation, the situation culminates until the moment of internal integrity collapse. The structure of matter breaks down and with the release of sound energy the new fragments are created. A sound microscopic journey through a series of diverse destructions discovers new worlds emerging from the dust of old ones. The acoustic material used was mainly created during the destruction and disintegration of things, or when tensioning and compressing materials. The studio recordings were then carefully sorted, reassembled and supplemented with a synthetic sound layer. The composition Time.break is not an objective record of all kinds of destruction. It is a sonic representation of cycles of tension, climax, rupture and release. The original composition from 2013 was newly re-composed and mixed into a 4-channel version in 2018. Jan Kavan - A message Composed in July 2022 as a World-premiere for the international festival of contemporary music Visiones Sonoras 18 in Mexico. A Message is a stereo electroacoustic composition inspired by the poem The Waste Land by Thomas Stearns Eliot (1922) but transposed into a post-digital era where the topical wasteland is littered by digital fragments of the civilization. Fragments, polluted by noise and imperfection, analogically to the poem, depict loss of meanings, data, and habitable environment. While the composition reflects upon the current period of uncertainty, it also tries to look into the future with a tiny ray of hope that maybe somewhere in the omnipresent noise a new kind of harmony will be born. Poem fragments were narrated by Kateřina Prášková. Otto Wanke - Fluttering Substance My piece Fluttering Substance deals with short audio excerpts from interviews with the American writer William Burroughs, in which the author describes his Cut-up technique. The internal sonic qualities of the excerpts shape the individual electronic gestures and at the same time they form a tectonic organization that corresponds to the described Cut-up technique. In seeking parallels between the spectral properties of the excerpts and their effects on the formal construction of the piece, my intention was to further develop the technique of the spectral resynthesis. In its classical conception, individual partials of the sound model are assigned to different acoustic instruments, creating a characteristic ambiguity between harmony and timbre. In my conception, however, I used electronic processes such as granular synthesis or waveset distortion to resynthesize the original speech model. While this action results in the loss of the original plasticity of the resynthesis, it also serves as a starting point for the generation of new idiosyncratic material that reflects the original model on the basis of a more abstract spectral correspondence. Subsequently, I linked the resulting resynthesis to vertices (points in 3D space) to create an additional visual plane to these audio processes. Omar Rojas - Dual 2 Esta obra está basada en un ejercicio de instrumentación que suelo hacer con mis alumnos para concientizar acerca de las dificultades de cambio de instrumento para los percusionistas; dicho ejercicio consiste en escribir e interpretar una obra para lo que traigan en sus bolsillos. Años más tarde, el compositor británico Thomas Daish, quien fue uno de mis alumnos, escribiría una serie de piezas para instrumentos no convencionales, razón por la que decidí retomar el concepto de instrumentación aleatoria y dedicarle esta obra. Dual 2, forma parte de un ciclo de obras en el que utilizo grabaciones de campo de la Ciudad de México y de otras localidades en el extranjero, en este caso específico de Weimar (Alemania) y la CDMX; la parte de la percusión de esta versión es interpretada por Enrique Nieto (MX) y es para monedas, una bolsa de galletas, un juego de llaves, una servilleta y una cartera. Mario Buzzi - La locandiera Mirandolina - Minisuite The music for the production was created to mainly Dadaist texts, consisting of interjections, solmizing syllables and the like. The texts were created in collaboration with director Peter Gábor. Each of the main characters is typified by a certain selection of these syllables. A type of music was created, based on the Italian opera traditions and using its mannerisms; recitative technique, melody and rhythm. The singing parts were recorded by the singers of the NDB opera ensemble, and the musical arrangement was supplemented with parts of granular synthesizers, samplers and finally subjected to various transformations in the style of DJs (scratching, fx processing, etc.). The Minisuite is actually a selection from the scenic music for Mirandolina. Here is a link to the website of the National Theater Brno, which is dedicated to the production and contains other names of the production and acting team: Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto electroacústico homenaje a Javier Álvarez [MÉXICO] Mercedes Gómez (México) Ricardo gallardo (México) Iracema de Andrade (México) Ricardo gallardo (México) 14 nov 2023 La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina.​ Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. Sonoroson (2011) - Arpa y sonidos electroacústicos en soporte fijo interpretada por Mercedes Gómez Asi el acero (1988) - Steel pan tenor y sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Mambo a la braque - Acusmática Repas du serpent & Retour a la raison (2004) - Violoncello, video y sonidos electroacústicos interpretada por Iracema de Andrade Mejor morir en la selva - Acusmática Temazcal - Maracas & sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Das Roboto Conurbano: arte sonoro desde los márgenes Diego R. Campos (Argentina) Das Roboto Conurbano (DRC) es una instalación sonora que propone una reflexión sobre el sistema neoliberal atomizador, alienante y deshumanizante para las/los trabajadores. DRC surge de una indagación autoetnográfica en el marco de la Maestría en Arte Sonoro (UNQ), para investigar a través del arte los efectos de los periodos económicos neoliberales en Argentina desde fines del siglo XX, que impactaron (e impactan) sobre las clases trabajadoras. Das, el protagonista, está representado con un robot, metáfora del avance tecnológico y de los desarrollos industriales, pero a la vez del individualismo y del trabajo repetitivo. Se desplaza sobre el encordado de una guitarra eléctrica, analogía del camino que recorren las/los trabajadores a diario en busca de un progreso. Diego R. Campos. Lic. en Composición con Medios Electroacústicos Músico, Docente e investigador de la Escuela Universitaria de Artes de la Universidad Nacional de Quilmes y de la Lic. en Artes Multimediales de la Universidad Nacional de las Artes. Maestrando en Arte Sonoro de la UNQ (en etapa de tesis). Participó de los proyectos de investigación Programa de Investigación Teatro Acústico, Etapa II (UNQ) y Diseño y desarrollo de software para la enseñanza y entrenamiento de la Dirección Orquestal (UNA) y hoy del proyecto Desarrollos Tecnológicos Digitales Aplicados al Arte (UNQ). Como músico integró varias agrupaciones y hoy se desempeña en el proyecto músico-performático ElectropUNQ Ensamble que realizó el concierto de cierre de premio de composición de la Casa de las Américas (Cuba, 2019), además en la Bienal de Chaco (2018) y en Visiones Sonoras (México, 2017). Como diseñador de sonido participó de la puesta sonora y la operación de obras musicales, teatrales y performáticas de Martín Liut, Pablo Cetta, Carmelo Saitta, Norman Briski, Eva Halac, entre otros. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back Ir al final | go to botom Real Too Real. El archivo sonoro como obra de arte - Manuel Rocha Iturbide (México) Real Too Real. Ready Mades es una instalación en continuo proceso. En esta ponencia presento un análisis del archivo, así como distintas ideas de como estos contenidos abren caminos creativos interesantes a partir de una transdisciplinariedad que se encuentra entre el sonido, la música y la antropología social, desde el ámbito histórico del México de los años cincuenta a los años noventa del siglo XX. Finalmente, cito también algunas obras de otros artistas que han abordado la creación artística a partir de la apropiación de archivos sonoros antiguos, y que se desarrollaron a partir de este singular campo transdisciplinario. Finalmente propongo vías futuras a seguir para expandir el proyecto ahora local (México) a un proyecto continental (América Latina). Manuel Rocha Iturbide (MX) es un artista, compositor, investigador y curador. Estudió la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Cuarteto Arditti, ensambles Onix y Liminar, etc, y ha realizado obras artísticas en exposiciones importantes como La Bienal de Sydney 1998, ARCO 1999, Fundación PRADA Venecia 2014, entre otros. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back Ir al final | go to botom SPARC: We Invoke The Creatures Within The Wallpaper A selected showcase of creative sound practice, multi-media installation and collaborative performance currently emanating from compositional research at City, University of London. Wallpaper During isolation we have looked to the internet to replace in person communication. However, those who lack access to the internet are excluded from these virtual social spaces. Wallpaper utilises words from those isolating without access to the internet. In an online recording session, their words were read back, performed and manipulated via the imperfections of the internet until digital noise overtook all meaning. These recordings were then arranged to create Wallpaper. Wallpaper exists in two versions: the digital download and a hotline available on +44 330 818 0351. Performers: Patricia Auchterlonie, Mimi Doulton, Ella Taylor and Juliet Wallace. Supported by Sound and Music. The Creatures Within: An installation for the sound and light sculpture Hulda Hulda is an audio-visual sculpture created by Lilja María Ásmundsdóttir. During performances Hulda’s surroundings are filled with sounds, patterns, shadows and colours that constantly change. Inside the sculpture are built-in lights connected to a computer that analyses the sounds and transforms them into light. The strings of the sculpture can be adapted to different tunings. The Creatures Within shows different perspectives from an installation for the audio-visual sculpture Hulda. The sounds of Hulda merge together with electronics made from the sculpture itself, environmental sounds and voice. We Invoke The Black. To Rest A collaborative composition and performance with Enam Gbewonyo, in response to Lynette Yiadom-Boakye’s exhibit Fly In League With the Night. A co-composed work including interview and discussion with five Black British people, discussing how we rest. What rest feels like, and what a lullaby might be to us, now. As a performer in this composition, I consider my role to be one of vessel or vehicle. Rather than exploit the spotlight to centre my voice, narrative, and experience (solely), I make efforts to perform in a way to allow the stories and narratives of my co-composers to exist alongside and with equal importance Lilja María Ásmundsdóttir (Iceland) is an artist, composer and performer from Iceland. In her practice, she often explores improvisational creativity and collaborative methods, working with artists from different fields. Jonathan Higgins (UK) a composer and performer based in London whose music focuses on exploring how noise can be utilised as a transformative and generative tool. His music has been performed and prized both nationally and internationally. Liz Lassiter (USA) is a composer and vocalist writing genre-less compositions with Black Women for Black Women. Her practice is rooted in storytelling and the “viscerality” of the imaginary. Currently, she is a PhD student at City, University of London studying how ethnographic composition can best answer questions around the Black Woman immigrant/ex-pat/trans-national identity. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back Leigh Landy (Reino Unido) - Art for Life's Sake (Arte para la vida) Conferencia - Día 2 Descripción | Abstract Much innovative music has primarily reached a specialist public reflecting an ethos of ‘art for art’s sake’. In this talk, this elitist attitude will be challenged. It will be proposed that making music with real-world sounds, reflecting today’s sampling culture, offers a unique opportunity to connect with anyone’s lived experience. It is therefore proposed that art for art’s sake might be replaced by art for life’s sake. Taking this year’s theme into account, we are able to focus on current topics such as climate change and create powerful sonic experiences that are not only innovative, but also engaging and inclusive. Leigh Landy ( llandy.dmu.ac.uk ) holds a Research Chair at De Montfort University (Leicester, UK) where he directs the Music, Technology and Innovation – Institute for Sonic Creativity (MTI2). His scholarship is divided between creative and musicological work. His compositions, many of which are sample based, include several for video, dance and theatre and have been performed around the globe. His publications focus primarily on the studies of electroacoustic music. He is editor of “Organised Sound” (Cambridge) and author of eight books including “What’s the Matter with Today’s Experimental Music?”. “Understanding the Art of Sound Organization” (MIT Press) and “The Music of Sounds” (Routledge, 2012). He recently completed two books, “On the Music of Sounds and the Music of Things” with John Richards and “Experiencing Organised Sounds” which are being prepared for publication. He directs the ElectroAcoustic Resource Site (EARS) projects and is a founding director of the Electroacoustic Music Studies Network (EMS). Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rocío Yllescas Jacobo. (Virtual) [MÉXICO] Fagotista: Rocío Yllescas Jacobo (México) Compositores (México): Mario Lavista, Rodrigo Sigal, Javier Álvarez, Ramón Montes de Oca 14 may 2021 El tercer concierto del ciclo "Perspectivas Sonoras" presenta un concierto a cargo de la celebre fagotista Rocío Yllescas, reavivando nuestra Identidad con una serie de 5 videos de música contemporánea para fagot solo, fagot y percusiones y fagot con sonidos electrónicos. Rocío Yllescas actualmente Fagotista Principal Asistente en la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, Fagot Principal en la Camerata Metropolitana, Artista de la Marca de Fagotes Alemanes Moosmann, Profesora de Fagot Nivel Licenciatura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Panamericana y del Instituto Superior de Música Esperanza Azteca en Puebla. Profesora de Fagot en el Campamento anual de la Orquesta Sinfónica Infantil de México (OSIM). Fabricante de Cañas para fagot en México y Estados Unidos. Forma parte de ¨Los Fagotistas¨ grupo de profesionales de varios países de latinoamérica, que se reúnen semanalmente a conversatorios a través de las redes sociales con temas referentes al instrumento y construcción de cañas. Egresada de Carnegie Mellon University School of Music (EUA), Conservatorio de Música de Rotterdam (Holanda) y de la Escuela de Música Ollin Yoliztli (México). Actualmente realiza una Maestría en Gestión de las Artes y Políticas Culturales en la Universidad Panamericana de México. Becada actualmente por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el programa México: Encuentro de las Artes Escénicas 2020 con su proyecto de Música Contemporánea en video ̈Reavivando Nuestra Identidad¨ mismo que fue presentado en enero 2021 en el simposio anual de Meg Quigley Vivaldi Competition de manera virtual. También fue beneficiada por parte del Banco de Producciones en el proyecto ¨Palomazö donde participó en una puesta en escena con otras disciplinas para contenido virtual de la misma Institución. En 2010 y 2011, fue beneficiada por el FONCA para realizar estudios en el extranjero. Recibió beca completa del Programa Advance Music Studies en Carnegie Mellon University en 2012 y 2013. Ha sido seleccionada para participar en cursos internacionales como son el Aspen Music Festival (EUA), Curso Intensivo para Fagotistas Jóvenes y Talentosos (Alemania). Curso de Verano Instrumenta en 6 ediciones (México). Sus principales maestros han sido Nancy Goeres, Ronald Karten y Wendy Holdaway. Ganadora del segundo lugar en Concerto Competition en Carnegie Mellon School of Music (EUA, 2011) y primer lugar en el Concurso Nacional de Fagot (México, 2010). Se ha presentado como solista con diversas agrupaciones en México y el extranjero como: Camerata Metropolitana, CDMX, 2020, Orquesta Filarmónica de Acapulco, 2020, Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla, 2020, Orquesta Juvenil Eduardo Mata, 2020, Camerata Mar del Plata, Argentina, 2019, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, 2019, Orquesta del Festival COFCAM, Boca del Río, 2018, Orquesta de Cámara de la UANL. Monterrey, 2017, Carnegie Mellon Chamber Orchestra, Estados Unidos. Marzo, 2012. Soldiers and Sailors Memorial Hall,Orquesta de Cámara de la Escuela de Música Ollin Yoliztli, 2009, Banda Sinfónica del Estado de Oaxaca, México,2007. Ha tomado clases magistrales con Daniel Matsukawa, Dag Jensen, Bram van Sanders, David Tomás Realp, Whitney Crockett, Judith Farmer, Robin O’Neill, Stephan Levesque, Andrea Merenzon y Fernando Traba, entre otros. Ha participado con varias orquestas entre las que destacan: Pittsburgh Philharmonic Orchestra, Pittsburgh Savoyards Orchestra, Carnegie Mellon Philharmonic Orchestra en EUA, Rotterdam Young Ensemble, Codarts Symphony Orchestra en Holanda, WCIT World Orchestra en Armenia, además de Orquesta Sinfónica de Minería, Orquesta Sinfónica del Estado de México, Orquesta del Teatro de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Sinaloa de las Artes, Orquesta Filarmónica de Jalisco y Orquesta Sinfónica Carlos Chávez en México. Teniendo como recintos importantes Carnegie Hall en la ciudad de Nueva York, Kennedy Center en Washington D.C., De Doelen en Rotterdam, Teatro Manoel en Malta, Republic Square de Ereván en Armenia y Palacio de Bellas Artes, Sala Nezahualcóyotl en México. Ha participado en festivales nacionales como: Festival Internacional Cervantino, Festival Internacional de Música de Morelia, Festival del Centro Histórico e internacionales como World Congress On Information Technology Ha impartido Clases Magistrales en la Casa de Música del ITC, Escuela Superior de Música de UANL, COFCAM en Boca del Río, Universidad Nacional de Música en Perú, Orquesta Escuela de la Ciudad de Dolores y en Mar del Plata en Argentina. Su interés por la niñez y la juventud mexicana la han llevado a tomar parte en diferentes proyectos musico-sociales y campamentos a lo largo de todo el territorio nacional. Activa recitalista de música latinoamericana escrita y adaptada para fagot, así como fagot y sonido electrónicos, además de recitales para público infantil. Previous Next