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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: El encuentro de la memoria fragmentada. [CUBA] Yanier Hechavarria Mayas (Cuba) 19 ago 2015 El encuentro de la memoria fragmentada” es un proyecto multidisciplinario que se inspira de las obras pictóricas de la última etapa del pintor cubano Servando Cabrera Moreno. Estas piezas, en su mayoría, representan fragmentos de cuerpos humanos, dorsos, piernas que se mezclan creando nuevas formas abstractas, sensuales y eróticas. Estas nos muestran al ser humano desde la intimidad, el anonimato, su estado primario e irracional. Libre y despojado de su cabeza, el cuerpo se torna salvaje, vibra, se transforma, se mezcla con otros cuerpos y construye su propio camino. Es el protagonista y el único testigo de nuestras experiencias carnales; es el objeto tangible sobre el que se inscribe toda nuestra memoria, nuestra existencia, nuestra historia individual y la de otros que han participado de ella. Es el cuerpo una materia viva, transparente a través de la cuál podemos vernos, reconocernos y reconocer a los otros. Compositor y saxofonista, Yanier Hechavarría Mayas (Habana, Cuba, 1984) es un músico con una formación bastante amplia. Su música abarca estilos diversos que van desde la música contemporánea, el jazz, música popular cubana y latinoamericana. Interesado en las artes plásticas, el cine y la danza, concibe el arte como un sistema de disciplinas heterogéneas, pero combinables y capaces de generar nuevas formas del discurso estético. Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Composición para navegador web - Erick Fernando Martínez Viruette (México) Si bien no es un enfoque reciente, a raíz de la pandemia y la necesidad de realizar casi todas las actividades a distancia, en línea y desde algún dispositivo (como la computadora o el móvil), es que se presenta una oportunidad o pretexto creativo, con las consideraciones necesarias de la diversidad de tecnologías que convergen en internet, cada una implicando diferentes capacidades, restricciones y límites, dependiendo por supuesto más en la creatividad que en las múltiples posibilidades tecnológicas de los dispositivos que tenemos a nuestro alcance, teniendo como foro natural al navegador de internet. Erick Fernando Martínez Viruette estudió Informática en la Facultad de Estudios Superiores Cuautitlan, y Composición en la Facultad de Música -con los maestros Salvador Rodríguez, Lucía Álvarez, Leonardo Coral y Areli Ricalde-, siendo su primer alma mater la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió previamente en la Escuela de Bellas Artes de Tultepec -con el compositor Jesús Martínez-, y en la Escuela Cristiana de Música. Tiempo después de colaborar con Dulce Huet como productor de programas en la Discoteca de Radio UNAM, inició su Maestría en Arte en la División de Arquitectura, Arte y Diseño -bajo la tutela de Roberto Morales, Hugo Barreiro y Javier Hernández-, de la Universidad de Guanajuato (PNPC Conacyt), elaborando una investigación al respecto de la aplicación de los recursos y métodologías de la informática y desarrollo de sistemas en la creación artística con especial atención al sonido y la multimedia. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Regresar Jorge Gregorio García Moncada (Colombia) 29.06.2022 BLAST - SPECTRA V1, el acordeón y sus nuevos repertorios en Colombia Compositor, intérprete y docente – PhD, Universidad de Birmingham, Reino Unido (2013), Master in Music de la Texas Christian University, Fort Worth, Texas, EEUU (2003), y Músico compositor, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia (2000) – Profesor asociado del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes, enfocado actividades de investigación / creación y docencia en los campos de la composición por medios electroacústicos, mixtos e instrumentales y la teoría musical. Es fundador y director de BLAST – Teatro de Sonido de Bogotá, Universidad de los Andes –, un sistema sonoro inmersivo multicanal de alta definición para la realización de conciertos a gran escala de obras musicales con formatos mixtos y electroacústicos. Es director del Festival Internacional de Música Electroacústica SPECTRA. Asimismo, junto al compositor Santiago Lozano, es integrante del dueto de música experimental Efímero, que explora el campo de la síntesis análoga modular y procesamientos digitales con la espacialización, dentro de formatos abiertos a la improvisación en tiempo real. Descripción del concierto: Esta colección representa una pequeña muestra del amplio espectro técnico y estético de la composición musical contemporánea colombiana, en este caso plateado bajo un común denominador: la problemática de la escritura para un instrumento tan emblemático y paradójicamente ausente en el repertorio de la música académica contemporánea nacional, como lo es el acordeón, y los medios electroacústicos en un formato mixto. Son obras inéditas, todas previamente presentadas en concierto público en la primera versión del Festival SPECTRA en Bogotá en 2016. Notas a las obras por los compositores Jorge Gregorio García Moncada (n.1975) Un amor, puro e incondicional (2016) para acordeón y soporte fijo de audio a 8 canales (versión estéreo). Dur: 13:42 De las pocas memorias que tengo de mi temprana niñez hay una particularmente especial: la de escuchar a lo lejos a mamá tocando valses en su acordeón mientras que yo jugaba en algún rincón de la casa. ¡¿Cómo escuchar el sonido de un acordeón sin pensar en ella?!... Y no hay que retener la imagen específica de cualquiera de los innumerables abrazos entre ella y sus padres para ser testigo del inmenso amor que los unía. Hay otros hilos que tejen esos retazos de memoria... Me acuerdo de mamá y papá hablando acerca de la violencia. Recuerdo con una fascinación particular oír hablar a mis papás acerca del 9 de abril… acerca del Bogotazo. ¡Qué contrastes!… historias de un amor tan puro, entrelazadas con otras propias de una sociedad sofocada en un conflicto que parecería eterno. Sergio Vásquez Carrillo (n.1981) Variaciones sobre un tema Yukpa o el baile del niño (2017) para acordeón y electrónica en vivo. Dur: 07:41 Entre varios rituales de los Yukpa del Cesar, existe el baile del niño (mashukapah iwapok) en el cuál bailan en torno a un niño o a una niña para preparale para la vida y darle un carácter fuerte. Los Yukpa cantan para acompañar la fermentación de la chicha. El canto, del Resguardo Sokorpa, Comunidad Sokorpa, es muy conocido y contiene una melodía sencilla, que se repite continuamente como un mantra. Ella es el material que origina esta obra. Variaciones rítmicas, (Digestibilidad rítmica) melódicas, junto con técnicas extendidas sobre el acordeón, generan una nueva música, donde la melodía original se desvanece. Los gestos rítmicos del acordeón (golpes, rasgueos, caricias) son reproducidos por la electrónica, que los comenta, repite o amplifica, extendiendo de cinco maneras el universo sonoro del instrumento. Ana María Romano Gómez (n. 1971) posdomingo 02.10.2016 (2016), para acordeón y soporte fijo a 8 canales (Versión estéreo). Dur: 7:36 posdomingo 02.10.2016 fue compuesta especialmente para la acordeonista alemana Eva Zöllner como parte del concierto inaugural del Festival SPECTRA V1, Bogotá, realizado en noviembre de ese año. Como sugiere el título, la obra se compuso justo después del domingo 2 de octubre de 2016, día en el que la aprobación del Acuerdo de Paz entre el gobierno colombiano y las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia) se llevó a las urnas para su aprobación y legitimación popular y el 50,4% de los votantes optaron por el No, mientras que el 49,7% lo hicieron por el Sí. Afectada emocionalmente como una gran parte de la población colombiana que esperaba la aprobación del Acuerdo, reaccioné creando esta pieza a partir de grabaciones muy diversas, desde paisajes sonoros, fragmentos de las marchas posteriores a favor del Acuerdo, entrevistas a líderes asesinados como Bernardo Jaramillo, Carlos Pizarro y Luis Carlos Galán. También incluí cantos evangelistas, uno de los grupos religiosos que más se opuso al Acuerdo. Desde hace unos años me ha rondado la pregunta ¿qué es ser compositora en el siglo XXI? Y uno de los recursos que aparece con frecuencia ante este interrogante es la posibilidad de crear en colaboración. En esta obra Eva y yo trabajamos conjuntamente en dos rutas: de un lado, proponiendo los paisajes sonoros y grabaciones de interés desde nuestros archivos personales, y por otro lado, la parte del acordeón es improvisada, sin pautas de parte mía, este hecho no solo favorece una conversación fluida entre los dos mundo (el acordeón de Eva y mis sonidos electroacústicos) sino que da la posibilidad de que mute cuanto sea necesario en cada nueva presentación. Carolina Noguera Palau (n. 1978). Canto del ave negra (2017), para acordeón solo. Dur: 6:31 Dentro de las tendencias contemporáneas de escritura para el acordeón se suelen ubicar dos caminos. Uno que se aparta del uso convencional del repertorio del instrumento (que comúnmente se asocia como enmarcado dentro de las músicas populares) y que, aprovechando los recursos del instrumento, se concentra en explorar lenguajes cromáticos, en ocasiones recurriendo a las técnicas extendidas del instrumento. Y otro que vuelve sobre la tradición y se instala en la resignificación de sonoridades y gestos de músicas populares, en combinación con todas las posibilidades que ofrecen las nuevas adecuaciones del instrumento. Mi pieza se sitúa en esta segunda aproximación, haciendo parte de las obras que he compuesto como Formas de recuerdo sin territorio, en donde construyo texturas oscuras y densas entre las que se enredan imágenes de músicas tradicionales, conocidas, que parecieran propias, pero que aparecen envueltas en la extrañeza con la que en realidad me relaciono con ellas. Carlos Andrés Rico (n. 1986). Nacido en el Valle, el Río y la Montaña (2015) para acordeón y soporte fijo de audio. Dur: 9:56 Esta pieza se ocupa de la relación entre naturaleza y Vallenato. Como lo da entender el título de ésta obra, se trata de una expedición a través de los diferentes paisajes que vieron nacer a uno de los géneros musicales más populares en Colombia. Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Back Concierto: Bismvth. Ensamble audiovisual. [México] Viernes 21 de junio 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Música electroacústica del sur. (Virtual) [URUGUAY / CHILE] Guillermo Eisner (Uruguay/Chile) 26 oct 2022 Guillermo Eisner Sagüés (Montevideo, 1980) Profesor Asistente (D) del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Doctor en Música, campo de Composición Musical, por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. Ha publicado los CDs "Música para guitarra" (Chile Clásico, 2021); "Música de barrio" (Cero Records, México, 2019); y "Habitar el tiempo" (2012). En el año 2015 publicó el libro y CD guitarrerías. 10 monotemas para guitarra (Microtono Ediciones Musicales). Y ha compuesto y estrenado las óperas de cámara Titus (2017) en el Teatro Helénico, Ciudad de México; y La isla de los peces (2015) en el Centro Cultural GAM, Santiago. Junto con esto, ha desarrollado su trabajo creativo en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza y video danza. Programa Curador, Guillermo Eisner Uy - Cl O en su defecto (2020) Lucía Chamorro, Uy 6:08 Di minuto (2021) Pablo Fredes, Cl 9:52 Las palabras (2005) Cecilia García-Gracia, Cl 10:17 Todos te fajan, todos, che (2008) Vladimir Guicheff Bogacz, Uy 4:29 Vuelo Nocturno (2017) Federico Schumacher, Cl 9:00 Virtualidad real (2020) Sofía Scheps, Uy 8:57 Esculturas Temporales (2022) Guillermo Eisner, Uy-Cl 7:53 Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Adrián Oropeza Batería y Nuevas Tecnologías La propuesta consiste en presentar tres obras para batería y nuevas tecnologías, composiciones originales de los compositores Rodrigo Sigal, Francisco Villegas y Josué Collado. La fusión de instrumentos acústicos con las nuevas tecnologías, constituye una propuesta vanguardista y forma parte de las nuevas tendencias de la música actual que deben ser fomentadas y difundidas en los festivales para transferir el conocimiento y acercar a las nuevas generaciones de músicos a la batería y el uso de las nuevas tecnologías como eje de formación en las nuevas tendencias actuales de la música, lo cual impulsará y acercará a muchas generaciones de jóvenes músicos a este género. PROGRAMA. Batería y percusión electrónica Adrián Oropeza 1. Geometría Mental Composición Rodrigo Sigal 2. Tuinky Little Star Composición Josué Collado 3. Trance Fusion Composición Francisco Villegas Geometría Mental. Pieza para batería y nuevas tecnologías del compositor Rodrigo Sigal. Es una pieza estructurada en tres secciones A, B y C que permitirán al baterista decidir de manera independiente el paso entre una y otra. La pieza estará creada inicialmente con patches improvisatorios en una plataforma digital multicanal con sonidos creados especialmente. Tuinki Little stars Pieza para dos baterías y electrónica del compositor Josué Collado que utiliza síntesis FM y modulation sobre samples de batería. Trance Fusión Pieza para batería y electrónica del compositor Francisco Villegas que forma parte del proyecto original. “Trance-Fusión” (para Batería de Jazz y Electrónica): Biológicamente las raíces de un árbol se alimentan entre sí y se desarrolla cuando sus células se dividen para crear nuevas ramificaciones interconectadas siempre unas de otras, provocando este crecimiento, así paradójicamente, las raíces culturales de cada país ayudan con el paso del tiempo a desarrollarse, dividirse y crear nuevas formas de manifestaciones culturales, políticas, sociales… Trance-Fusión es en esta similitud ideológica una oportunidad de manifestar el complejo desarrollo y crecimiento de nuevas ramificaciones interconectadas unas con otras de manera armónica mediante el jazz, la electrónica y la música contemporánea; algunas veces mostrando la raíz madre de la que brotan otras raíces y ramificaciones. Con una duración aproximada de 6 minutos, esta pieza de dotación suigeneris es elaborada en una compleja reestructuración de la forma antigua de “passacaglia” teniendo como base serial una progresión propia del jazz que será manipulada como una serie que permita transformaciones y mutaciones, tanto rítmicas como interválicas, para crear el complejo sonoro de la obra. La electrónica será diseñada con un sistema de interacción en tiempo real sobre la plataforma de Ableton Live, un par de sensores y BopPad de Keith McMillen Instruments. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back 8.- Curador: Antonio Isaac 04.07.2022 Concierto: Miradas del mundo Curador: Antonio Isaac Artista transdisciplinario, compositor, cineasta, diseñador de tecnología y entusiasta de las ciencias; cuenta con estudios de piano, composición, multimedia, geometría cuántica, cinematografía, filosofía analítica y neuroestética. Su trabajo se enfoca en la relación entre arte, ciencia y observación de la naturaleza a través de medios emergentes y nuevas tecnologías; su obra se ha presentado en múltiples recintos de Asia, Europa y América. Ha sido profesor del Centro Nacional de las Artes, catedrático de la Universidad del Claustro de Sor Juana, profesor de cinematografía en Cinefilias y docente en varios centros de las artes. En el 2010 filmó en 3d “México, mejor ciudad mejor vida” obra basada en los Pueblos Mágicos de México. En el 2012 dirige y realiza “Oscilaciones de la Naturaleza” suite interdisciplinaria cuya banda sonora fue grabada por invitación en Europa. En el 2013 es nombrado Embajador del Conocimiento y recibió el homenaje como Mente Brillante Quo+Discovery Channel; es distinguido con el Reconocimiento Nacional a la Conservación de la Naturaleza 2014. Desde el 2018 su obra Oraculum se encuentra en exhibición en el Museo Nacional de las Culturas del Mundo, México. En el 2019 es seleccionado por IMCINE para el desarrollo de su propuesta cinematográfica transmedia. En el 2021 y 2022 es invitado a presentar su obra en Apulia, Roma y Florencia, Italia, donde lleva a cabo screenings cinematográficos, actos de live cinema y exhibiciones de realidad virtual. Algunas de las instituciones que respaldan su trayectoria son CENART, CONABIO, CMMAS, Centro Multimedia, CONANP, SEMARNAT, Secretaría de Cultura de Tlaxcala y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA. Descripción del concierto: Miradas del mundo es un recorrido atravesando tiempo y el espacio que nos asoma a umbrales generados alrededor del planeta por un selecto grupo de artistas para dejarnos ver distintos órdenes de magnitud que resuenan sonora y visualmente en nosotros desde un punto virtual de encuentro común en Morelia Michoacán, México. Acacias / Yin (15min.) Julián Gómez | Argentina Acerca de la obra: Acacias / Yin Es una pieza de 4 partes interconectadas que habla sobre la dualidad y explora diferentes formas de ver como transitamos el paso del tiempo. Habla del ahora, de la pandemia, del encierro, del salir, de la muerte y de como resistimos. Desde lo sonoro se utilizaron grabaciones de campo procesadas, samplers y sintetizadores. Lo visual, como en todos mis trabajos va, desde el comienzo de cada obra, en paralelo, avanza al lado de lo sonoro y comparten protagonismo. Acerca del artista: Julian Gomez (AR. 1973) Compositor, músico experimental y artista audiovisual. Con un gran interes en la relación entre el sonido ambiente, el paso del tiempo y como lo percibimos en relación al entorno, crea un sonido enmarcado en las sonoridades del ambient, el drone, el ruido, la música espectral, el minimalísmo y la música electrónica experimental. Sus primeros instrumentos fueron 3 grabadores, 2 microfonos y un pequeño y rudimentario sistema para cortar y pegar cintas heredado de su padre, quién trabajaba en radios como editor y musicalizador. Utiliza sintetizadores analógicos, digitales, samplers y software de edición de audio, procesa instrumentos acústicos y hace uso extenso de grabaciones de campo. Su producción artística incluye composiciones de música electrónica, electroacustica y performance audiovisuales. Actualmente se presenta en formato A/V con material que recorre sus tres discos, ep ́s y música no editada aún, en modalidad 2.0 y 5.1. Dicta talleres sobre arte sonoro, field recordings y composición electrónica. Seresitos II (8') Estreno Dia Ordaz | México Acerca de la obra: Tendí mis sentidos y estaban ahí, me detuve a contemplar y estaban ahí, abrí mis ojos y estaban ahí, desperté y estaban ahí, presté atención y estaban ahí... Seresitos es una pieza basada en grabaciones de baja frecuencia (vinculadas con la actividad neuronal) que indagan en la idea poética de estimular el funcionamiento equilibrado de la glándula pineal, cuyas principales células, los pinealocitos, producen melatonina, hormona fundamental para la regulación del ritmo circadiano. Estas vibraciones sonoras están acompañadas con postales y ecos de pequeños seres no humanos, habitantes de la Reserva de la Biosfera Barranca de Metztitlán en Hidalgo, México, donde se realizaron las grabaciones y filmaciones, seres profundamente relacionados con los ritmos del planeta. Entre los ritmos del planeta, los de los pequeños seres y los del ser humano, si SERESITOS II tiene un propósito tal vez es, reconectar con ritmos a veces soterrados por el raro estilo moderno de la vida humana. Acerca de la artista: Amante de las piedras y las montañas, de fotografiar y filmar, de grabar y componer cosas con sonidos... Vive entre la Ciudad de México, una urbe super poblada y la Barranca de Metztitlán / Hidalgo México, una reserva de la biosfera semidesértica entre cerros, plantas, ríos, seresitos... va y viene buscando encuentros entre esos dos mundos. Es Doctoranda en Artes con una investigación sobre el fenómeno neural en el arte, además de contar con estudios en Literatura Dramática y Teatro, Educación, Cinematografía y Neuroestética. Entre otras actividades dirige Hábitat Neural, plataforma para la investigación neuroestética (PADID 2019) y Hábitat, serie de piezas audiovisuales sobre seres vivos no humanos, con obras como Eryngium proteiflorum, Habitar el Caos, Pinealocitos, La Ventana de Acalome, entre otras. Estuaries 4 (8'41'') Brett Batey | UK Acerca de la obra: Estuaries 4 es el último de mi serie audiovisual "Estuaries", que se puede ver como un conjunto de obras independientes o, en última instancia, como una gran obra demúltiples movimientos. Estuaries 4 explora contrastes entre texturas intensas y frenéticas y una poética más suave (expresada esta última en parte a través de la visualización de la función matemática de Rosenbrock). La serie "Estuaries" consiste en visualizar la optimización de Nelder-Mead, un proceso utilizado por los matemáticos para encontrar soluciones a problemas complejos de múltiples variables que no pueden abordarse mediante la resolución de ecuaciones. Vemos los resultados de muchas de estas rutinas que buscan los puntos más brillantes en una imagen de origen. La música se creó con mi software Nodewebba, que interconecta generadores de patrones para crear comportamientos emergentes complejos. Creé el material visual con un complemento personalizado para el software de efectos de video Motion 5 de Apple, trabajando en resolución 4k. La conexión entre el sonido y la imagen se creó casi en su totalidad de forma manual; la relación no es algorítmica. Acerca del artista: Bret Battey (b. 1967) creates electronic, acoustic, and multimedia concert works and installations, synthesizing diverse experience in music composition, computer programming and graphic design. A major focus in his work has been the crafting of integrated sound and image compositions. He pursues research in areas related to generative techniques, digital signal processing, image and sound relationship, Indian classical music, haptics and expressive synthesis — laced with a overarching fascination with feedback processes and emergent behavior. He often frames his artistic work as away of evoking experiential analogs to distinctive ways, philosophically, of being in the world. He has been a Fulbright Fellow to India and a MacDowell Colony Fellow and has received recognitions and prizes from Austria's Prix Ars Electronica, France's Bourges Concours International de Musique Electroacoustique, Spain's Punto y Raya Festival, MADATAC and MuVi4, Abstracta Cinema of Rome, Amsterdam Film eXperience, the Fresh Minds Festival and the Red Stick International Animation Festival for his sound and image compositions. Battey completed his masters and doctoral studies in Music Composition at the University of Washington and his Bachelors of Music in Electronic and Computer Music at Oberlin Conservatory. His primary composition teachers have been Richard Karpen, Diane Thome, Conrad Cummings and Gary Nelson. He also served as a Research Associate for the University of Washington's Center for Digital Arts and Experimental Media. He is a Professor of Audiovisual Composition with the MTI Institute for Sonic Creativity at De Montfort University, Leicester, UK. Cine Eye Sound (20') Marcello Fraioli (Spectre) | Italy Acerca de la obra: 'Cine Eye Sound' es una pieza extrapolada de la interpretación en directo de la banda sonora del clásico mudo 'El hombre de la cámara' de Dziga Vertov, recientemente puesta en escena por Spectre en el escenario del Nuovo Cinema Aquila de Roma. Acerca del artista: Frontman of the esoteric music band Ain Soph, Marcello Fraioli (aka Spectre) has been dedicating himself to some solo experiments for some time. Spectre has released two CDs ('Mantra Volutatis' and '10 Easy Pieces') that highlight his love for electric rock, trance and minimalism. Recently he has also dedicated himself to the soundtracks of silent films, which allow him to explore his tendency towards improvisation. Sintomático (5'26'') Mika Martini Escenas de microscopio por Polwor Chile Acerca de la obra: “Sintomático” es una breve pieza audiovisual creada en época de pandemia, por encargo del Festival Santo Noise (Argentina) en su versión del año 2020, que retrata el ánimo de muchos seres humanos, incluyendo al autor, afectados por el estado actual de las cosas, a todo nivel. Irremediablemente, al parecer, toda nuestra ilusión de normalidad se va deshaciendo, como las masas de hielo en los polos, como la esperanza de muchos seres humanos. El audio fue creado con registros de campo más sintetizadores, las imágenes fueron grabadas usando elementos cotidianos presentes en la mayoría de los hogares, un trozo de plumavit (poliestireno expandido), un cubo de hielo, un cámara de teléfono móvil o celular. El desafío de esta pieza fue hacer que lo que se ve se escuche y lo que se escucha se vea. El descubrimiento de los micro-sonidos que se producen cuando se fracturan cubos de hielo al caer en un vaso con agua, fue el detonante para construir un paisaje sonoro-visual que funcionara como un lente macro, un universo que recreara con registros de campo más sintetizadores, aquella micro realidad, enfatizada por la edición del video, el uso del alto contraste y del time-lapse, para mejorar la experiencia sinestésica. Acerca del artista: Mika Martini es el alias del músico electrónico Hugo Espinosa Chellew (Chile, 1967), co-fundador de Pueblo Nuevo Netlabel (www.pueblonuevo.cl). Su trabajo musical parte a principios del 2004, rescatando y mezclando sonidos provenientes del bagaje étnico y folklórico latinoamericano con elementos abstractos. También está ligado a la electrónica de carácter experimental y a la improvisación libre. Además, forma parte de la Comunidad Electroacustica de Chile (CECh). Mantiene los proyectos paralelos: Frank Benkho, C/VVV (junto a Pablo Flores y Francisco Pinto) y Laboratorio Dasein (junto a Iñaki Muñoz y Felipe Visor). Al 2021, ha editado 22 discos entre proyectos personales y colaborativos. Ommatidia (18'30'') Laura Netz & Claude Heiland-Allen | UK Acerca de la obra: El algoritmo de visión de moscas se basa obviamente en los ojos de las moscas: un ojo compuesto es un órgano visual que se encuentra en artrópodos como insectos y crustáceos. Puede consistir en miles de omatidios, que son pequeñas unidades de fotorrecepción independientes que constan de una córnea, un cristalino y células fotorreceptoras que distinguen el brillo y el color. La imagen percibida por el artrópodo es una combinación de entradas de los numerosos omatidios, que están orientados para apuntar en direcciones ligeramente diferentes. En comparación con los ojos de una sola apertura, los ojos compuestos tienen una resolución de imagen deficiente; sin embargo, poseen un ángulo de visión muy amplio y la capacidad de detectar movimientos rápidos. El código de visualización toma una imagen de una cámara web de una sola lente y la procesa para emular los omatidios. Dispuestos en una cuadrícula hexagonal, que es un empaque óptimo alcanzado por la evolución, cada celda tiene un ángulo amplio, con bordes superpuestos que repiten partes de la imagen y realzan el dramatismo de los objetos en movimiento. El color de las celdas se modifica de acuerdo con los niveles de volumen de tres bandas de frecuencia de audio (graves, medios, agudos). Con el tiempo el tamaño de las celdas se modula, acercándose desconcertantemente. Acerca del artista: Laura Netz is a curator, artist and researcher established in London since 2009. Has collaborated with various institutions such as Fonoteca Nacional de Mexico, Museum of Contemporary Art Barcelona, Museum of Transitory Art, or International Symposium on Electronic Arts. Claude Heiland-Allen is an artist from London interested in the complex emergent behaviour of simple systems, unusual geometries, and mathematical aesthetics. From 2005 through 2011 He was a member of the GOTO10 collective, whose mission was to promote Free/Libre Open Source Software in Art. Todo cambió / Rocas de Santo Domingo (3'34'') Alisú Videoclip por Pepe Rovano, Totoral Films Chile Acerca de la obra: "Todo cambió" pertenece al disco "Rocas de Santo Domingo", este álbum obedece a la necesidad desgarradora de narrar musicalmente la historia de un lugar hermoso, que fue destruido de la peor forma, y cuyas ruinas se encuentran en disputa actualmente. De esos que duele conocer por la violenta historia que los rodea, lo que convierte a esta experiencia musical, creada por Alisú, en un ejercicio de sanación como forma de responder a ese dolor que perdura en el tiempo. Las cabañas de Santo Domingo fueron creadas en el gobierno socialista de Salvador Allende en los años 70 en Chile, para que la gente trabajadora vacacionara con su familia gratis y después del golpe de estado del Gral. Pinochet, fue convertido en la Escuela de Torturas y Centro de Exterminio de la policía secreta de la dictadura, desde donde fueron torturados y hechos desaparecer cientos de opositores al régimen. Acerca de la artista: Alisú es el proyecto de Jessica Campos de la Paz, productora y diseñadora gráfica, nació en la ciudad de Viña del Mar, Chile. Con más de 20 años de carrera, con residencia en Valparaíso, ha venido trabajando por armar escena desde la V Región con distintos proyectos entre ellos Manziping junto a Rodrigo Rivera y Antonio Díaz. Actualmente está a cargo del sello Modismo. Su espectáculo en vivo consta de 100% hardware y material exclusivo que siempre va cambiando en cada presentación que realiza. Sus composiciones contienen ambientes orgánicos con bases rítmicas bailables y una fina selección de sonidos que incluyen su voz procesada por efectos que nos invitan a viajar por distintos paisajes sonoros donde ella se mueve constantemente. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: "In the search for the truth". Participantes del PrixRussolo (Internacional) 26 oct 2017 Los trabajos seleccionados en esta edición del Prix Russolo serán presentados entre octubre y diciembre en diferentes ciudades (Berlín, Dublín, Ginebra, México, Moscú, París…) donde el público votará para seleccionar el 1er, 2do y 3er lugar del Prix Russolo 2017. El Gran Prix Russolo será seleccionado por los ganadores de ediciones anteriores. La lista de ganadores será publicada al final de diciembre 2017 durante el último concierto del Prix en Moscú y Annecy (en el mismo día). Un CD será producido con los finalistas y ganadores en los primeros meses de 2018 por Monochrome Vision. Desde su creación en 1979, el Premio Russolo ha explorado nuevos territorios sónicos abiertos por las interfaces de investigación del compositor, pintor y metafísico Luigi Russolo (1885-1947), una figura fundamental para la música en el siglo veinte. Luigi Russolo llegó a la fama en 1913 con su manifiesto "El arte del Ruido", donde desarrolla la idea de que todos los sonidos, especialmente aquellos del mundo industrial, tienen su lugar en la orquestación musical. Avanzó de teoría a la práctica al desarrollar muchos sonidos de máquinas como los famosos noisemakers Intonariumori o Russlophone, primeros sintetizadores; e inventó música de ruido, dejando entre ver la música concreta y la música electrónica. Desde el inicio Russolo buscó investigar en los más altos estados de conciencia a través de imágenes y sonidos. El Prix Russolo 2017 abre este campo de investigación, en la 31 edición, a todas las composiciones acusmáticas y electrónicas que hacen visible o audible el material en este movimiento doble de materialización del espíritu y la espiritualidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: FIRST. [ESPAÑA] Isandro Ojeda-García (España) 6 dic 2019 Morelia, Mich. 4 de diciembre de 2019. El Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), cierra este viernes su temporada de conciertos gratuitos 2019, con la presentación del compositor español Isandro Ojeda-García, que ofrecerá el concierto FIRST, una propuesta multimedia que evoca sensaciones, formas, colores y sonidos. La cita es en punto de las 20:00 horas en el auditorio del Centro, ubicado en la planta alta de la casa de la Cultura de Morelia. La entrada es gratuita. Isandro está en México con el apoyo del Festival español Mixtur, con el que el CMMAS mantiene una colaboración y la firma Léxico. Compositor, improvisador y artista multimedia, Isandro Ojeda-García -Sevilla, 1989- se interesa por la música escrita o improvisada, la poesía experimental, la video-instalación y la construcción de objetos sonoros. Una voz singular, siempre en búsqueda de nuevas fuentes de material artístico capaces de generar estética. Obras que nacen de la puesta al límite de sistemas y dispositivos numéricos con potencial para configurar un imaginario híbrido y de gran potencia emocional. Viviendo y trabajando entre Suiza y Francia desde 2012, se formó en la Haute Ecole de Musique y en la Haute Ecole d'Art et Design de Ginebra con los compositores Daniel Zea, Michael Jarrell y Pascal Dusapin y en la Hochschule der Künste de Berna con los compositores Stefan Prins, Simon Steen-Andersen y Cathy van Eck. Paralelamente perfecciona su propuesta con personalidades tales como Franck Bedrossian, Fred Frith, Pierre Jodlowski, Rebecca Saunders, Alexander Schubert o Jorge Sánchez-Chio Su música ha sido recientemente seleccionada, programada y presentada en muestras como el Forum Wallis 2014, el XII Festival de Música Española de Cádiz, el Festival Mixtur 2015 y 2018, el Mónaco Electroacoustique 2015, el Festival Futura 2015, el XXXVII Foro Internacional de Música Nueva de México D.F., el Festival Archipel 2016 o el XVIII World Saxophone Congres en 2018 e interpretada por ensembles como Taller Sonoro, Proyecto Ocnos, Ensemble du Bout du Monde o Nadar Ensemble. Es becario de la Fondation Victor & Héléne Barbour y comparte con el compositor Santiago Díez-Fischer, la dirección artística del ensemble CONTAINER_#GVA y trabaja como asistente en el Studio 216 en la Haute École de Musique de Lausana. Todas las obras que se seleccionan están diseñadas especialmente para el equipo multicanal del CMMAS, por lo que la experiencia del sonido y su movimiento en el espacio son superiores a cualquier otro espacio o auditorio. En todos los casos la entrada a los conciertos es gratuita. La cartelera puede consultarse en www.cmmas.org/eventos. El Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras opera gracias al apoyo de la Secretaría de Cultura del Estado de Michoacán, el Centro Nacional de las Artes y la Escuela Nacional de Estudios Superiores de la UNAM, unidad Morelia. FIRST - Primero, orden, relieve, número, parte, superficie, relieve, deep, jubal, planeta, forma geométrica, blanco, mi cara, cuarto, río, el sufrimiento del regalo rechazado. ISANDRO OJEDA-GARCÍA El compositor, improvisador y artista multimedia Isandro Ojeda-García -Sevilla, 1989- se interesa por la música escrita o improvisada, la poesía experimental, la video-instalación y la construcción de objetos sonoros. Una voz singular, siempre en búsqueda de nuevas fuentes de material artístico capaces de generar estética. Obras que nacen de la puesta al límite de sistemas y dispositivos numéricos con potencial para configurar un imaginario híbrido y de gran potencia emocional. Viviendo y trabajando entre Suiza y Francia desde 2012, se forma en la Haute Ecole de Musique y en la Haute Ecole d'Art et Design de Ginebra con los compositores Daniel Zea, Michael Jarrell y Pascal Dusapin y en la Hochschule der Künste de Berna con los compositores Stefan Prins, Simon Steen-Andersen y Cathy van Eck. Perfeccionándose paralelamente con personalidades tales como, entre otros, Franck Bedrossian, Fred Frith, Pierre Jodlowski, Rebecca Saunders, Alexander Schubert o Jorge Sánchez-Chiong. Su música ha sido recientemente seleccionada, programada y presentada en muestras como el Forum Wallis 2014, el XII Festival de Música Española de Cádiz, el Festival Mixtur 2015 y 2018, el Mónaco Electroacoustique 2015, el Festival Futura 2015, el XXXVII Foro Internacional de Música Nueva de México D.F., el Festival Archipel 2016 o el XVIII World Saxophone Congres en 2018 e interpretada por ensembles como Taller Sonoro, Proyecto Ocnos, Ensemble du Bout du Monde o Nadar Ensemble. Becario de la Fondation Victor & Héléne Barbour, comparte con el compositor Santiago Díez-Fischer, la dirección artística del ensemble CONTAINER_#GVA y trabaja como asistente en el Studio 216 en la Haute École de Musique de Lausana. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensemble d’Arts. [ESPAÑA] Ensemble d'Arts (España) 9 dic 2016 El ensamble presenta una interesante propuesta que toma como punto de partida tres obras para saxofón, violín y electrónica, escritas para el grupo. Ensemble d’Arts tiene como finalidad la promoción y divulgación de la música de nueva creación, especialmente la que utiliza las nuevas tecnologías. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: MMAT_ Minga Multimedia de Arte y Tecnología 2023 [CHILE - ECUADOR - COLOMBIA - COSTA RICA] "Chile Victoria Coñomán Aguilera Antonio Espinosa Seron Isidora Garrido Asenjo Johan Rothen Quezada Nicolás Aguayo Castillo Alex Fuentealba Ledezma Franciso Monjes Emilio Ramos Berríos Demian Salas Sandoval Alejandro Albornoz asimtria.org (Perú) Ecuador Evelyn Morán Monserratt Vela Paúl Velasco Félix Castro Fredy Vallejos Colombia Diego, Santiago, Paola, Daniel, Felipe, Milena, Andrea. Juan Guillermo Ossa Jiménez Héctor Tascón Nancy Emir Cambindo Mancilla Jhan Karlo Valencia Juan Alejandro arboleda Valencia Costa rica Ave Asán Joaquín Barquero Rodríguez Otto Castro Solano Joel Diaz Suero Eve Helena Chaves Cordero José Duarte Pinzón Yessua González M. Jeremy López Rodríguez Alonso Torres Luís Valerín G. Jonathan Vargas Corrales Gustavo Wattson Puerto Rico Vaga, Vanjo, Zuania CT y Roy F Guzmán. Eduardo Antonio Mariné Martínez (México) " 25 ago 2023 1. Minga Valdiviana. Universidad Austral de Chile (Valdivia, Chile) Pieza colaborativa. Sonidos, gestos y micropiezas por estudiantes de las asignaturas: Taller de creación V, acusmática aplicada. 2. Siraq Takiy 3. Asimtria (Cusco, Perú) Entre los años 2021 y 2023, una serie de talleres en diferentes territorios andinos y amazónicos, han apuntado a las posibilidades del registro de las propias tecnologías y culturas, sobretodo en espacios donde estos saberes se transmiten. Esta es la tercera obra compuesta en base a estas experiencias. Tingo María, 2021; Yanque, 2022; Acopía, 2023 Montaje, mezcla y masterización: asimtria.org 3. MÁQUINA EXTRAÑA. Universidad de las Artes (Guayaquil, Ecuador) Máquina Extraña es una reflexión acerca de la cotidianidad, que se transforma en monotonía desestructurante y del paso del tiempo. Grabada íntegramente con los teléfonos celulares de sus autores, esta obra colectiva reviste un carácter testimonial y casi documental, desde la perspectiva del dispositivo tecnológico que se ha convertido en testigo y acompañante de la mayoría de las vidas humanas en el mundo de hoy. En la composición se combinan paisajes sonoros, unas veces fidedignos, otras, intervenidos con edición y efectos, para lograr una relación sinérgica con la voz y el texto. Es allí donde la obra articula su sentido y su poética. Maquina Extraña es una invitación a escuchar y pensar. Composición, mezcla y masterización: Evelyn Morán, Monserratt Vela, Paúl Velasco, Félix Castro Asistencia: profesor Fredy Vallejos 4. Retazos de Ipiales. Banco de la República (Ipiales, Colombia) Asistencia en montaje, mezcla y masterización: profesora Cintli Ramos (CMMAS) 5. Ruido blanco – Catarsis. Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali, Colombia) 6. La minga. Escuela de Artes Musicales – Universidad de Costa Rica (San José, Costa Rica) Nota: Los sonidos fueron donados por el estudiantado del curso: AM-1017 “Introducción al paisaje sonoro”, de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica. Asistencia: profesor Otto Castro 7. RVZV. Instituto de música por computadora. (San Juan, Puerto Rico) RVZV es una pieza colaborativa por les puertorriqueñes Vaga, Vanjo, Zuania CT y Roy F Guzmán. La entrada explora la puertorriqueñidad a través de la perspectiva de los elementos de cada aportación, logrando una textura cultural en su integración. 8. Semper Mutans Structus. CMMAS (Morelia, México) Obra compuesta durante residencia en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Creador: Eduardo Antonio Mariné Martínez Estreno mundial Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tributo a Latinoamérica [MÉXICO / ARGENTINA] Compositores: Daniel Quaranta, Rodrigo Sigal, Hirám Zagoya Flautista: Eduardo Muñoz (México) 21 may 2015 PROGRAMA - Conspirando - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica - MATE - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica -Preferiria não Fazé-lo - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica Quando Ar (2015) - Daniel Quaranta (Argentina) Flauta sola Oxionensis IV (2011) - Hirám Zagoya (México) Flauta y Electrónica fija Wing of wind (2009) - Rodrigo Sigal (México) Flauta y Electrónica fija Eduardo Muñoz Sánchez (Flautista) Inició sus estudios musicales en el Conservatorio de Música de la Ciudad de Puebla. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, teniendo como maestros de flauta transversa a María Diez-Canedo, Horacio Puchet y Alejandro Escuer. Ha tomado cursos y clases magistrales con, Robert Dick, Vincent Touzet, Patrice Boquillon, el Trio d´Argent e Ian Pace. Así como cursos especiales para compositores con Arditti String Quarttet, José Luis castillo, Joan la Barbara, Julio Estrada, Manuel Rocha, Magnus Anderson y Stefano Scodanibbio. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla, del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Puebla, del Instituto Mexicano de la Juventud y del FONCA en diversas ocasiones. Se ha presentado en el Festival Internacional de la Ciudad de Puebla, las Jornadas Alarconianas en Taxco - Guerrero, el VI Festival Internacional de Música Contemporánea en la ciudad de Morelia, en diversas ediciones del Foro Internacional de Música Nueva ¨Manuel Enríquez¨ y del Festival de Música Contemporánea "Discantus" de la ciudad de Puebla. Daniel Quaranta Es graduado en Licenciatura en Composición en la Universidad Federal del Estado de Río de Janeiro (2004), Licenciado en Musicoterapia - Universidad del Salvador (1991), Master of Music Master de la Universidad Federal de Río de Janeiro (2002) y Doctor en Música de la UNIRIO. Actualmente trabaja en la enseñanza UFJF Composición, Teoría y Creación. Participa en dos programas de posgrado como profesor permanente: UFJF - PPG Arte, cultura y el idioma y el PPGM la Universidad Federal de Paraná. En 2009 creó la Eimas - Encuentro Internacional de Música y Arte Sonoro en UFJF. Tiene experiencia en el área de las Artes, con un énfasis en la música, que actúa sobre los siguientes temas: análisis de la música, composición, teoría de la música y multimedia. Previous Next