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< Back Ir al final | go to botom Aspect Fellowship Journey by Keep it Human - Ricardo Climent (España) Keep•It•Human (KiH) is a Social Venture spin-out from University of Manchester in UK that harnesses the power of video gaming to transform society for the better. We enable charities, foundations, and NGOs to reach a new generation of donors eager to own social challenges. This presentation will include some highlights of the KiH's journey from starting-up at Aspect Accelerator Success 2020 to its Research Fellowship appointment in 2021. Ricardo Climent is Professor of Interactive Music Composition at University of Manchester (UK) and Director of the NOVARS Research Centre since 2007. He holds PhD and MA in Composition (Interactive Music) from Queens University Belfast,,and a 5-year Degree in Economic Sciences at the University of Valencia, Spain. He is founder at ‘Keep•It•Human’, a Digital Game Ecosystem for Collaborative Altruism. This social venture places sound and music at the core of the experience to connect video-game players with the ownership of social challenges. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imaginarios Sonoros. [ARGENTINA] Diego Macias Steiner (Argentina) 1 dic 2017 Este concierto recorre los imaginarios sonoros del artista en su doble faceta de intérprete y compositor. Este concierto recorre las músicas encontradas, atesoradas, recreadas y escritas. Diego Macías Steiner es pianista, compositor, docente y editor nacido en Buenos Aires, Argentina. Es Profesor Superior de Piano, Diplomado Superior en Interpretación en Piano de Música Contemporánea y en la actualidad presenta su tesina en Composición con Nuevas Tecnologías. En Buenos Aires, dicta sus cátedras de Piano y de Repertorio para Piano Contemporáneo, y en distintos conservatorios y universidades de su país ha realizado clases abiertas, talleres y clases maestras. Además de dar conciertos en distintas salas de la Argentina, también lo hizo en ciudades europeas como Madrid, Acqui Terme, París y americanas como Lima, Toronto y Nueva York. Como compositor y editor publicó sus “VII Pequeños Estudios - a partir del lenguaje de las vanguardias del siglo XX” para piano y sus “VI Pequeños Estudios Electroacústicos - Imaginarios Sonoros” para audio y piano, libro que presenta en esta oportunidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez Compositores: João Pedro Olveira (Portugal) , José Miguel Beviá (España) Dirección: Walter Boudreau. (Canadá) Percusión: Iván Manzanilla (México) 6 jun 2014 Concierto por parte del XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel EnríquezObras para orquesta y electrónica de João Pedro Oliveira y José Miguel Beviá.Orquesta Sinfónica de Michoacán. Programa: - Cassiopeia (2008-2012) - João Pedro Oliveira - Sinfonía núm. 2 Shapes of the Cities… (2010-rev. 2013) - José Miguel Beviá João Pedro Oliveira Tiene un doctorado en Música por parte de la Universidad de Nueva York en Stony Brook. Su música incluye una ópera de cámara, varias composiciones orquestales, un réquiem, 3 cuartetos de cuerda, música de cámara, música solista instrumental y música electroacústica. Ha recibido numerosos premios y distinciones incluyendo 3 premios en el Bourges Electroacoustic Music Competition, el Magisterium Prize, el premio especial de Giga-Hertz, 1er premio en Metamorphoses competition, 1er premio en Yamaha-Visiones Sonoras, 1er premio en Musica Nova Competition, entre otros. Es profesor en la Universidad Federal de Minas Gerais en Brasil y en la Universidad de Aveiro en Portugal. José Miguel Beviá Es graduado del Conservatorio de Música de Valencia donde estudió piano con José Luis de Prado, del Berklee College of Music y de la Florida State University donde obtuvo el doctorado en teoría musical y composición. Sus obras se han interpretado en España, República Checa, Holanda y Estados Unidos. Ha recibido comisiones de The Commission Project y la BMI Foundation. Fue ganador del University of West Florida Philips Jazz Piano Competition, y del Charlie Parker Composition Prize de la BMI Foundation, así como finalista en el Brussels Jazz Orchestra International Composition Contest de 2006 Orquesta Sinfónica de Michoacán Fundada en 1961. Su repertorio abarca desde el barroco hasta el contemporáneo incluyendo ballet, ópera y obras de estreno tanto de compositores michoacanos y extranjeros. Ha realizado diversas producciones discográficas y ha sido reconocida con múltiples distinciones. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes y la Sala Nezahualcóyotl, en la ciudad de México, así como en el Pritzker Pavilion de Chicago. La orquesta ha recibido a solistas como María Alejandres, Jianfeng Cheng, Olivia Gorra, Katherine Jacobson, Jean François Heisser, Alex Klein, Michael Ludwig, Fred Mils, Richard Young y a directores como Francesc Esteve, JoAnn Falleta, Enrique Pérez Meza y Juan Felipe Molano, entre otro. En 2012 el gobernador del estado, a través de la Secretaría de Cultura de Gobierno del Estado de Michoacán, convocó a un proceso de reestructuración artística mediante la selección de un nuevo director artístico: Miguel Salmón Del Real. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Luciano Rodríguez Arredondo. Luciano Rodriguez Arredondo (México) 9 may 2022 Curador: Luciano Rodriguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética, psicodelia y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en diferentes recintos físicos y virtuales alrededor del mundo Este ciclo busca exponer diferentes técnicas de creación audiovisual que van desde los medios como el filme y la síntesis audiovisual analógica hasta el video digital y la creación asistida por inteligencia artificial, dando un panorama de diversas temáticas e intereses que tienen como eje rector la experimentación con los medios. Programa Los marineras (Yair López,Abigail Vazquez) Puerto Diálogo intenso entre la materia visual y sonora que hace alusión a lo etéreo y efímero , creado con filme de 8mm y revelado de manera artesanal experimentando con los artefactos nativos de este medio, la banda sonora creada utilizando como elemento principal la voz experimenta con procesos digitales como contrapunto a su origen analógico. Fossiles possibles (Charline Dally) Fósiles posibles cuestiona el entretejido íntimo que vincula el entorno extracorpóreo con nuestras experiencias internas. Escenifica espacios ambiguos elaborados gracias a la fotogrametría y la imaginería. A la vez laberinto y océano insondable, este entorno acoge el deambular de una figura humana que deambula por él antes de fundirse en él, llevada por una narración etérea. La obra busca resaltar la porosidad de los límites que delimitan los cuerpos en su entorno Triple point (Evan Twyford) Triple Point utiliza efectos de filtrado, mezcla de colores y retroalimentación intensa en una entrada de animación monótona simple. La forma resultante parece tener propiedades sólidas, así como las de un líquido y un gas. En termodinámica, la temperatura y la presión a las que la sustancia puede coexistir en las tres fases se conoce como punto triple. La banda sonora fue creada con sintetizadores digitales y analógicos, y la captura de video digital se amplió de NTSC a 2160 Ultra 4K HD utilizando la mejora de inteligencia artificial. Storm Dystopia (Masayuki Azegami) Experimento audiovisual que traduce tempo ,dinámicas de intensidad y articulación a modulaciones visuales Estancias (Sergio Perez Bontes) Un viaje audiovisual imaginario dentro de la región de Magallanes y Antártica Chilena, creado a partir de sonidos grabados en diferentes geolocalizaciones de Magallanes. //una conexión poética y metafórica desde el tiempo presente, pasando por el tiempo en que fueron realizadas estas grabaciones hasta establecer una conexión mas profunda con el paisaje sonoro del que ellos forman parte, que es el mismo que acompañó a los pueblos originarios de la Patagonia. RawM2.epc (Emilio H. Cortés + Tonalli R. Nakamura) Este es un espacio hipotético caracterizado por propiedades iguales y consistentes; un espacio completamente homogéneo. Todo movimiento y actividad sería igual en todas las direcciones dentro de este espacio. Recurrent Morphing Radio (INTERSPECIFICS) Recurrent Morphing Radio es un proyecto de Interspecifics Collective, encargado por The HKW para "The Disappearance of Music" En los últimos años, el acceso a la música a través de las plataformas de transmisión se ha vuelto no solo prácticamente infinito sino también altamente personalizado. Detrás de cada motor de descubrimiento de sonido, hay una fórmula sofisticada de orientación comercial cuidadosamente diseñada para inducir una demanda manufacturada duradera. Algoritmos que parecen conocerte lo suficientemente bien como para decidir la sugerencia perfecta de lo que deberías escuchar a continuación. Recurrent Morphing Radio (RMR) es un sistema de producción de audio neuronal generativo alimentado por los géneros más consumidos en las plataformas de música digital. El sistema extrae y reestructura las principales características de audio que se encuentran en estos estilos y genera nuevos sonidos que luego son emitidos de forma continua. RMR es una máquina de producción musical sin fin en la que el exceso de consumo equivale a sobreentrenamiento. Metáfora viva de un proceso cultural intervenido por un mercado capitalista con efectos homogeneizadores en la estética de la música. El resultado es una obra de arte sonoro generativo, producida por un agente meta-creativo, en la que la materialidad de la muestra original se disuelve hasta tal punto que se convierte en ruido con el tiempo. Este proyecto utiliza diferentes tecnologías de código abierto como Jukebox de OpenAI, SampleRNN y Wavenet. Exuberancia emocional líquida (Fabiola Larios + Malitzin Cortés) La pieza consiste en un estudio sobre objetos de formas irregulares como las perlas; colores y texturas exuberantes que recorren desde el barroco clásico al contemporáneo y capturan el esplendor, la riqueza, el drama y el dinamismo de la materialidad de estos objetos mediante un conjunto de imágenes para entrenar un modelo de aprendizaje automático audiorreactivo que traduce estos objetos en un baile líquido en conjunto con la composición sonora que encuentra su estructura en tres de las formas instauradas en la música Barroca clásica: El contrapunto, la policoralidad y el contraste armónico. Mediante procesos algorítmicos, las secuencias sonoras se basan en patrones palíndromos y funciones simétricas con diferentes voces y tiempos generando texturas en su variabilidades creando disonancias y acentos. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Música nueva para cuarteto de percusión. [MÉXICO] SAFA Ensamble de Percusiones (México) 15 mar 2018 Concierto de presentación de las tres obras ganadoras del "Primer concurso nacional de composición para cuarteto de percusiones" que convocó SAFA Ensamble de Percusiones, el CMMAS y la Sociedad Artística Sinaloense, y para completar el programa se interpretará Teguala de Juan Felipe Waller, obra para 120 piezas de cerámica y electrónicos. Safa Ensamble de Percusiones está integrado por músicos profesionales con formación clásica. Desde 2007 Safa comparte el gusto por emprender proyectos y hacer música. En sus giras por México, este grupo de cámara asentado en Culiacán, ha visitado ciudades como Álamos, Tijuana, Mexicali, Ensenada, Tepic, Guadalajara y la Ciudad de México. El 40 Festival Internacional Cervantino seleccionó en 2012 su trabajo para hacer un concierto que resultó memorable en el Templo de la Compañía. Seis ciudades de Portugal y España comprendieron el proyecto «Gira Ibérica 2012» de Safa, que recibió el apoyo del FONCA. Como ensamble solista se ha presentado en dos ocasiones con la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes bajo la dirección de José Luis Castillo y Enrique Patrón de Rueda. Colaboró con Delfos Danza Contemporánea en el Festival Cultural Mazatlán y en el 40 Festival Internacional Cervantino. Recientemente participó en el IX Festival Internacional de Cajón Peruano 2016 en Lima y días después ofreció un concierto en el Teatro Municipal de Cusco.?Han grabado un CD: Psappha Ensamble de Percusiones, el nombre que los vio nacer como grupo y que dio origen a su denominación actual. Este material discográfico fue resultado de un apoyo concedido en 2008 por el Consejo Ciudadano de Cultura de Culiacán. La vocación formadora de Safa se ha puesto de manifiesto a lo largo de su trayectoria en Sinaloa, donde sus integrantes además de impartir la cátedra de percusiones en distintas escuelas, constantemente ofrecen conciertos didácticos. En 2010, Safa obtuvo del INBA un estímulo para la realización de 20 conciertos en escuelas primarias.? Safa Ensamble de Percusiones interpreta un rico repertorio que abarca transcripciones de música de concierto, contemporánea, escénica y popular, con el único rigor del virtuosismo, la excelencia y, por encima de todo, el placer de hacer música. Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Dispositivo electro-mecánico-óptico para movimiento de pantallas - Francisco Beltramino (Argentina) Proyecto de Innovación que aborda la articulación de diferentes dimensiones de la producción artística. Se plantea la posibilidad de propiciar las condiciones para la aparición de un nuevo tipo de producción multimedial desde la incorporación de una modificación en las condiciones de visualización clásicas. Un artefacto que modifica la posición de una pantalla de imagen lumínica que convierte en variable este aspecto que es típicamente constante. El artefacto se complementa con una interfaz de usuario (basada en la tecnología de la realidad expandida) simple en su uso e implementación pero lo suficientemente compleja como para adaptarse a diferentes situaciones expositivas (performáticas, audiovisuales, instalativas). Francisco Beltramino Francisco Beltramino es Licenciado en Artes Multimediales (UNA). Es docente investigador en la Universidad Nacional de las Artes en Argentina, en los departamentos de Artes Multimediales y Artes del Movimiento. Ha participado en diversos proyectos de investigación en las áreas de tecnología, diseño, educación y arte, llegando a ser director de proyectos durante los períodos 2018-2019 y 2020-2021. Ha realizado exposiciones artísticas, tanto de manera individual como colectiva, en el C. C. Recoleta, Museo de la Cárcova, C. C. Caras y Caretas, La Noche de los Museos, C. C.San Martín, entre otros. En el año 2015 realiza su primera exposición individual en la galería Furia, en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Realiza obras de diferentes tipologías y soportes: videoarte, instalaciones interactivas, esculturas lumínicas, webart, realidad extendida, entre otros. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: BATERÍA Y NUEVAS TECNOLOGÍAS. [MÉXICO] Adrián Oropeza (México) 27 oct 2022 Batería y nuevas tecnologías, proyecto vanguardista, en el cual la combinación de la electrónica con instrumentos acústicos, se ha vuelto una tendencia en todos los ámbitos de la creación sonora y ha abierto el panorama de posibilidades del uso del timbre y del espacio como elementos fundamentales del discurso musical. Para interpretar esta música, se combina la batería acústica con el multipad electrónico Nord drum3P, que produce una experimentación sonora original. El concierto de batería y nuevas tecnologías consiste en siete creaciones originales para batería, percusión electrónica y nuevas tecnologías, con un sonido, timbre y atmósferas innovadoras que llevarán al espectador a experimentar sensaciones y emociones únicas y singulares. La fusión de instrumentos acústicos con las nuevas tecnologías, constituye una propuesta vanguardista y forma parte de las nuevas tendencias de la música actual. Estas propuestas deben ser difundidas para transferir el conocimiento y acercar a las nuevas generaciones de músicos a la batería y el uso de las nuevas tecnologías como eje de formación en las nuevas tendencias actuales de la música, lo cual impulsará y acercará a muchas generaciones de jóvenes músicos a este género. Adrián Oropeza Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA Ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia.Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA Ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia. Fundó en 2006 su propuesta musical, con la idea de mostrar que la música mexicana tiene grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz. Ha grabado cuatro discos como solista “Texturas” 2008 “Mezcal” 2011 ambos realizados con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Amaneceres” 2015 y “Desafío” 2021. En 2019, fue beneficiado como Creador escénico del Sistema de apoyos a la creación para llevar a cabo el proyecto “La batería contemporánea y el uso de Nuevas Tecnologías con la música y la improvisación” proyecto con el cuál ha impartido clases magistrales y conciertos en festivales importantes como “Visiones sonoras” y “Expresiones contemporáneas” Ha participado en importantes festivales en México y a nivel internacional enPortugal, Indonesia, Singapur, Francia Holanda, Bolivia y Santa Lucia Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Pre-visiones. [LITUANIA] METROSCAN (Lituania) 26 ago 2016 Este proyecto audiovisual es creado por uno de los artistas lideres en música electrónica y multimedia en Europa del Este, el compositor lituano Vytautas V. Jurgutis. Este trabajo presenta IDM, electronica, glitch, beats, varios data streams actuales, estéticas post-urbano y post-internet. El título del proyecto nace de Metro, Metropolis, Metronome y significados similares inspirados en la era digital. Realmente refleja el espíritu post-urbano-digital de hoy en día, capas interminables y texturas de sonido puramente digital balanceado en el límite de lo audible, pulsos y ritmos peculiares y diversos. Este proyecto se ha presentado en festivales por todo el mundo como, Streaming Festival, Holanda | Festival “Eclectica”, Estonia | Fabric of Arts, Lituania | Frischzelle Festival en KHM, Alemania | Streetwaves Festival, Polonia | Festival “Music of Changes”, Lituania | Festival “2D2N of New Music”, Ucrania | Synchresis III en el XX Festival Punto de Encuentro, España | KonventZero, España | Madatac festival, España | Sound Reasons Festival, India | Tomorrow Festival, China | Japan tour „concep & LINE“ en Tokyo y Osaka |Subliminal Lounge #03: SONICITY, Hong Kong. Vytautas V. Jurgutis (n. 1976) es uno de los compositores líderes de Europa del Este en sonido electrónico digital y artista multimedia lituano. Un Nuevo tipo de artista multifacético que ahonda en las profundidades del sonido, un matemático, creador de sofisticadas rutinas de lenguajes de programación. Un showman, presentando su trabajo multimedia, realizando múltiples proyecciones de video en tiempo real o de proyecciones laser, o como en su mas reciente performance interdisciplinario de danza “Time Line” generando un lenguaje artístico multidimensional que involucre los movimientos del cuerpo humano, escenografía quinésica, proyecciones de las ultra-precisas y visuales digitales. V. V. Jurgutis es también compositor con solidos antecedentes académicos, empleando vasto patrimonio modernista de la escritura avanzada instrumental, sus obras han sido interpretadas por Arditti Quartet, Icebreaker, Arne Defore y otros. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Phonotube & OculO. [MÉXICO] Arcángelo Constantini (México) 11 sep 2015 Phonotube son instrumentos experimentales para acciones performáticas sonoras y visuales en vivo, construidos como instrumentos lumínicos y secuenciadores sonoros, que utilizan tubos de luz fluorescente y tiras de leds como fuentes de luz. Los tubos están cubiertos con negativos de ofsset, con patrones sonoros impresos que giran a velocidad variable, la oscilación de la luz que emiten estos patrones es transducida por la excitación lumínica a procesos sonoros mediante una variedad de circuitos electrónicos como preamplificadores de fotoceldas y foto-diodos, osciladores por control de voltaje, relevadores, circuitos de filtraje, y sistemas de 1bit. El principio esta basado en el photophone patentado por Graham Bell y experimentadores visuales como Norman Mclaren, que utilizaba el sonido óptico del cine, revirtiendo su proceso, para experimentar con el, en la historia de la invención de instrumentos electrónicos, el estudio del comportamiento como partícula u onda de la luz y su aplicación a procesos sonoros a tenido un lugar relevante y en la actualidad, y es considerada es una de las áreas de investigación científica con mayor potencial en la comunicación humana. OculO Es una acción sonora generada a partir del empleo de lámparas fluorescentes de 22 watts. Se construyó un circuito Joules thief con una camara desechable con el que es posible encender la lámpara fluorescente de 22 watts con una pila AA de 1.5 volts. Los procesos sonoros experimentales de la acción son generados por un circuito oscilador controlado por voltaje generado por una celda fotovoltaica y la inducción electromagnética propia del sistema. OculO se antepone como un portal energético atemporal de comunicación extrasensorial EVP (electronic voice phenomena) en los parámetros del fenómeno de la voz en las frecuencias y ruido de los circuitos electrónicos y su transducción sonora. El multipremiado Arcangelo Constantini, activo en la escena artística, como gestor, curador y artista, realiza una extensa investigación sobre la relación de los procesos cognitivos y la tecnología, construyendo artefactos experimentales, para plantear hipótesis sobre procesos electromagnéticos y el espectro de la percepción. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: "In the search for the truth". Participantes del PrixRussolo (Internacional) 26 oct 2017 Los trabajos seleccionados en esta edición del Prix Russolo serán presentados entre octubre y diciembre en diferentes ciudades (Berlín, Dublín, Ginebra, México, Moscú, París…) donde el público votará para seleccionar el 1er, 2do y 3er lugar del Prix Russolo 2017. El Gran Prix Russolo será seleccionado por los ganadores de ediciones anteriores. La lista de ganadores será publicada al final de diciembre 2017 durante el último concierto del Prix en Moscú y Annecy (en el mismo día). Un CD será producido con los finalistas y ganadores en los primeros meses de 2018 por Monochrome Vision. Desde su creación en 1979, el Premio Russolo ha explorado nuevos territorios sónicos abiertos por las interfaces de investigación del compositor, pintor y metafísico Luigi Russolo (1885-1947), una figura fundamental para la música en el siglo veinte. Luigi Russolo llegó a la fama en 1913 con su manifiesto "El arte del Ruido", donde desarrolla la idea de que todos los sonidos, especialmente aquellos del mundo industrial, tienen su lugar en la orquestación musical. Avanzó de teoría a la práctica al desarrollar muchos sonidos de máquinas como los famosos noisemakers Intonariumori o Russlophone, primeros sintetizadores; e inventó música de ruido, dejando entre ver la música concreta y la música electrónica. Desde el inicio Russolo buscó investigar en los más altos estados de conciencia a través de imágenes y sonidos. El Prix Russolo 2017 abre este campo de investigación, en la 31 edición, a todas las composiciones acusmáticas y electrónicas que hacen visible o audible el material en este movimiento doble de materialización del espíritu y la espiritualidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Diálogos, virtualidad y espacios para lo imaginario - Ensamble Dynamis [ITALIA] Ensamble Dynamis 12 may 2014 "Concierto “Diálogos, virtualidad y espacios para lo imaginario - Ensamble Dynamis Lugar - Sala Niños Cantores, Conservatorio de las Rosas Descripción: Un hilo de Ariadna que propone diálogos imaginarios entre obras contemporáneas que ponen en evidencia diferentes identidades a través de recorridos musicales inéditos y de matriz cultural diferente. Gira mexicana producida con el apoyo del FONCA, programa Rutas Escénicas, del Instituto Francés de México, el CMMAS de Morelia, el FINME (Coordinación Nacional de Música y Ópera, INBA) de Mexico, el GRAME, Centro Nacional para la Creación Musical en Lyon (Francia). Con la colaboración del Dynamis Ensemble de Milán (Italia). ”Este proyecto ha sido realizado con la ayuda financiera de la Unión Europea. El contenido de este proyecto es responsabilidad exclusiva del GRAME, Centro Nacional de Creación Musical de Lyon (Francia) y del Dynamis Ensemble de Milán; en modo ninguno debe considerarse que refleja la posición de la Unión Europea”. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Duplum Dúo [MÉXICO] Intérpretes: Fernando Domínguez (México), Iván Manzanilla (México) 11 jun 2015 En colaboración con el Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Dúplum dúo (Iván Manzanilla, Fernando Domínguez) presentará un concierto de música contemporánea para clarinete, percusión y electrónica. Programa Francisco Javier García Ledesma Duplum para marimba y clarinete bajo (2014)* Allegro moderato Andante assai La obra Duplum para marimba y clarinete bajo se realizó como un proyecto de extensión del Cuerpo Académico Música: Idea, Concepto y Educación del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato. Itzam Zapata Molinos del pensamiento (2013)** Graciela Agudelo Ese tiempo que gira (2014)* Mark Applebaum Composition Machine # 1 (2014)** Juan Campoverde Veils (sobre la fragilidad de las cosas) (2014)* Gonzalo Macías Bésame azul (2007) Rodrigo Sigal Obtura (2009) *Estreno mundial **Estreno en México Duplum Duo Fernando Domínguez, clarinetes Iván Manzanilla, percusiones Compositores Graciela Agudelo (México, 1945) Autora de un extenso catálogo de obras, también se ha dedicado a la pedagogía y a la difusión de la música, tanto en actividades organizativas, cuanto en radiofónicas, lectivas, académicas, editoriales y parlamentarias de carácter internacional. Su catálogo incluye piezas para instrumentos solistas, obras para voz y grupos de cámara; producciones didácticas, obras para orquesta, música coral y de otros géneros. Partituras y discos de sus obras han sido publicados por diversas editoras y grabadoras. En 2002 recibió el Premio Xochipili (Comuarte/INBA) como creadora destacada en el área de la música en México, y en 2012, el reconocimiento 25 y más… de la SACM, por su aporte enriquecedor al acervo cultural mexicano durante su trayectoria como compositora. Sus presentaciones, conferencias, ensayos, ponencias y diversas labores en torno a la composición, la difusión de la música y la protección de la diversidad musical quedan consignadas en numerosos libros, diccionarios, revistas de documentación musical, enciclopedias y sitios de internet. Ese tiempo que gira El tiempo es tan destructor como un bombardeo Patrick Modiano El título alude a la naturaleza cíclica de los aconteceres, como ese uróboros que se engulle a sí mismo por la cola en un ciclo eterno, metaforizando el tiempo, la continuidad y el renacimiento. Inspirada en el mito de Saturno, símbolo del tiempo, que va devorando a sus hijos (los días) en cuanto nacen, la obra rinde tributo al artista y al científico, que con su esfuerzo, su trabajo y su legado, afrontan y vencen (en parte) el efecto destructor del tiempo. Fue escrita en 2014 por encargo de Dúplum Dúo y bajo el auspicio del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Itzam Zapata (México, 1989) Comenzó sus estudios en guitarra en la Escuela Superior de Música bajo la tutela de Josefina Robles, y estudio composición de manera particular con Jorge Ritter. Estudió en Helsinki en la Academia Sibelius la maestría en composición con Lauri Kilpiö, y la maestría en composición en el Mozarteum en Salzburgo, bajo el tutelaje de Tristan Murail. Recientemente obtuvo el 1er premio en el Frank Robert Abell Young Composer Competition por su obra Piñatas, Glitter and Stilettos y el premio Coup de cœur du public en el Forum 2014, por su obra The Poetry of Negation. También fue acreedor del premio Sonic Landscape en el Segundo Concurso de Composición del IFCM con su obra On Desire. Ha sido acreedor a la beca de Jovenes Creadores y del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, así como el apoyo de la asociación civil finlandesa Pro Musica Säätiö, entre otras. Molinos del pensamiento Las frases del clarinete bajo se graban en vivo y se tocan en loops que son transformados gradualmente destruyendo todas las propiedades que se asemejaran al sonido original, los loops tienen vida propia y se desmarcan de la parte del clarinete, creando un diálogo interno entre ellos y al mismo tiempo creando una oposición a la estricta parte escrita del clarinete Francisco García Ledesma (México, 1966) Nació en Cuerámaro, Guanajuato. Realizó estudios musicales en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato y en el Conservatorio Nacional de Música, donde obtuvo el título de licenciado en composición bajo la asesoría de Mario Lavista y Juan Fernando Durán. Posee el diploma de estudios avanzados en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma de Madrid. Sus obras se han interpretado en salas de México, Guanajuato, León y Celaya. Asimismo, su música se ha transmitido por Radio Nacional de España y Radio Universidad de Guanajuato. Recibió la beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Guanajuato en el área de Creadores con Trayectoria. Es coordinador del Claustro de Composición y responsable del Cuerpo Académico Música: Idea, Concepto y Educación del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato donde imparte clases de armonía, análisis, contrapunto y composición. Duplum para marimba y clarinete bajo En su título se alude a la técnica musical de los organa y clausulae medievales de la escuela de Notre Dame, es decir aquella en que a una melodía preestablecida se le agrega otra parteen la voz superior o inferior, sin embargo no fue concebida en su totalidad siguiendo explícitamente tal esquema. No obstante, el término duplum coincidiendo con el nombre del grupo, fue lo que inspiró la obra. Esta composición trata de explotar la extraordinaria sonoridad tímbrica del clarinete bajo y la marimba así como la habilidad técnica de sus intérpretes, pues demanda cierto virtuosismo en su interpretación. La obra fue escrita de manera tradicional sin hacer uso de escritura de efectos ni de técnicas extendidas, más bien el lenguaje lo establecen los temas en cada movimiento. Se trata de un ejercicio de escritura de música pura, pues no persigue ningún fin programático por lo que el público que la escuche podrá darle el significado que quiera. Está dedicada a Duplum Dúo. Mark Applebaum (Estados Unidos, 1967) Es profesor asociado de composición en la Universidad de Stanford. Su música para solista, de cámara, orquestal, operática y electroacústica ha sido interpretada en todo el mundo. Muchas de sus obras se caracterizan por cuestionar los límites convencionales de la ontología musical. Por ejemplo: obras para tres directores sin ejecutantes, un concierto para florista y orquesta, piezas para instrumentos hechos de basura, especificaciones de notación que aparecen en carátulas de relojes, obras que utilizan un lenguaje de signos inventado y coreografiado con sonido, rituales dadaístas amplificados, una obra de cámara hecha de vueltas de página obsesivas y una partitura gráfica de 22 metros de largo expuesta en un museo y sin explicación alguna para su interpretación. Es pianista de jazz y constructor de esculturas sonoras electrónicas hechas con basura y es director y fundador del Stanford Improvisation Collective. Composition Machine # 1 Es una obra derivada de la síntesis de dos obras anteriores: The Metaphysics of Notation es una elaborada partitura gráfica que no incluye instrucciones sobre la interpretación de sus pictogramas. La pieza es una provocación sin fin o estímulo para ejecutantes atrevidos e intrépidos. La partitura esta definida en su parte visual pero el resultado sonoro es indeterminado, diverso y personal. El último movimiento de Straitjacket, en el cual los ejecutantes dibujan sobre superficies amplificadas con ritmos específicos, es el contrario conceptual de Methapysics of Notation, los gestos rítmicos que dibujan la partitura están estrictamente establecidos y se traducen en imágenes (se convierten en una partitura que podría ser interpretada pero jamás lo es). Composition Machine incluye ambos aspectos en una narrativa casual de repeticiones: el ejecutante dibuja su propia partitura y después la interpreta. Tradicionalmente el compositor proporciona una partitura y su método de interpretación (ya sea explícito o basado en implicaciones culturales), yo no proveo ninguna de estas. Simplemente le indico al ejecutante como dibujar una partitura y le doy la libertad de interpretarla. Juan Campoverde (Ecuador, 1964) Vive en Estados Unidos, dónde culminó sus estudios de composición en la Universidad de California, San Diego. Su música ha sido presentada en las América, Europa y Asia por orquestas y ensambles como la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, L’Ensemble Intercontemporain, New Music Concerts Ensemble, Noise Ensemble, Sonor Ensemble, el Ensamble SurPlus, Fonema Consort y el Ensamble Quito 6, así como por solistas internacionalmente reconocidos. Su música ha participado en festivales organizados por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, así como también dentro de la serie Green Umbrella de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, el Festival SoundON en la Jolla, California, el Festival Atempo, en Paris, Caracas, Quito y Cuenca, el Festival Redce/MúsicaViva, en Quito, Visiones Sonoras, en México y el Festival Cage100 en Nueva York. Veils (sobre la fragilidad de las cosas) Esta obra pretende explorar aquellas áreas expresivas que se encuentran por detrás de los gestos y de las formas de escritura musical aceptadas, intentando descubrir esas zonas inestables de tensión expresiva que se dan como el producto del choque entre las fuerzas interpretativas que se requieren (una cualidad interpretativa que trasciende los conceptos románticos de virtuosismo), y las resistencias ofrecidas por los sistemas de notación adoptados (una notación que privilegia transiciones y transformaciones constantes del sonido). Desde un punto de vista aun mas general, esta obra alude a aquellos aspectos de nuestra interioridad que nos dejan desvelar esos balances, provisorios y frágiles, entre nuestra voluntad y anhelos, y las contingencias que caracterizan nuestra vulnerable existencia. Fue escrita para Duplum Dúo y está dedicada, in memoriam, a los cuarenta y tres estudiantes de Iguala. Gonzalo Macías (México, 1958) Nació en Huamantla, Tlaxcala. Sus maestros fueron Isaías Noriega de la Vega, Jorge Suárez, Federico Ibarra, Mario Lavista, Sergio Ortega, Betsy Jolas, Gérard Grisey, Michel Zbar y Emmanuel Nunes. Su música se ha publicado en Ediciones Mexicanas de Música y se ha estrenado en Francia, Estados Unidos, Chile, Argentina, Alemania, Canadá, España, Rusia, Cuba e Irlanda. Sus piezas se han estrenado en el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, en Radar del Festival del Centro Histórico, en el VII Festival Internacional Música y Escena, en el Cuarto Festival Internacional de Música y Musicología, en Ensenada Baja California, en el Festival Internacional Cervantino, en el Forum Mundial de las Culturas, en Monterrey, en Discantus y en el VI Festival de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras. En dos periodos, ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Artes (2001-2006 y 2011-2013). En 1996 fundó la licenciatura en composición musical en la Escuela de Música de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Bésame azul El proceso que transforma un fragmento prestado de un bolero de Consuelo Velázquez (Bésame mucho), y que lleva hacia la composición de Bésame azul, consiste en un juego de la imaginación que parte de una idea simple y transparente para crear una serie de relaciones, complementos, resonancias. Cada situación sonora así generada, se vuelve elemento detonador de otras situaciones, de manera que poco a poco, el resultado se va alejando de la idea original. Fue escrita por encargo de Fernando Domínguez, a quien está dedicada. Rodrigo Sigal (México, 1971) Realizó un doctorado en composición musical con medios electroacústicos en la City University de Londres y una licenciatura en Composición Musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM) de México. Formó parte del taller de composición de Mario Lavista, además de haber estudiado con Denis Smalley, Javier Álvarez, Franco Donatoni, Judith Weir, Michael Jarrel, Alejandro Velasco y Juan Trigos, entre otros. Terminó un posdoctorado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y desde 2006 es director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Es compositor de obras de cámara, electroacústicas, para danza, cine y otros medios. Desde 2004 es miembro del consejo de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano. Ha recibido apoyos del Fonca, del Banff Centre for the Arts en Canadá, de la ORS, de la Sidney Perry Foundation en Inglaterra, del Ministerio de Cultura de España, y del Estudio Agon en Italia. En 1999 su obra Cycles obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Composición Luigi Russolo de Italia. Desde 2012 pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus obras son interpretadas regularmente en diferentes países y están disponibles en más de trece discos. Obtura Las frecuencias de la luz y del sonido existen en zonas del espectro muy lejanas. La tecnología puede generar un espacio de percepción y sonora en el que ambos mundos coexistan, aunque sea brevemente, de manera cercana. Obtura pretende vincular luz a lo que escuchamos a través del gesto de los intérpretes y el sonido a lo que vemos a través gestual de la interacción entre los timbres, el ritmo y el espacio. Compuesta por encargo de Duplum Dúo, está dedicada a Fernando Domínguez e Iván Manzanilla. Intérpretes Duplum Dúo Se presentó por primera vez durante los cursos de música contemporánea en Darmstadt, Alemania en 2004. Desde entonces, se ha presentado en los festivales Internacional Cervantino, Internacional Chihuahua, el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, El Colegio Nacional, Instrumenta Oaxaca y en Querétaro y en Morelia, en donde fue grupo residente del Conservatorio de las Rosas en 2006. En 2011 fue invitado a participar en el proyecto anual del Asian Youngs Musicians’ Connection en la Universidad de California en San Bernardino. Además del repertorio tradicional, ha experimentado con el uso de nuevas tecnologías, la improvisación así como el teatro musical. La inusual combinación del clarinete y la percusión da como resultado una amplia paleta sonora que ha sido aprovechada por algunos de los más destacados compositores del siglo XX y XXI. Desde su formación ha generado repertorio específico para su instrumentación por compositores como Ignacio Baca Lobera, Rodrigo Sigal, Verónica Tapia, Georgina Derbez, Alejandra Hernández, Carole Chargueron, José Luis Castillo, Joao Pedro Oliveira y Chong Kee Yong, entre otros. Además ha impartido cursos específicos dirigidos a jóvenes compositores e instrumentistas mexicanos. Previous Next