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Ir a cmmas.org < Regresar Juliana Moreno y Patricia García - [ARGENTINA] Interpretes: Juliana Moreno, Patricia Garcia Compositores: Juan Carlos Tolosa, Rodrigo Sigal, Edgar Guzmán, Marcos Franciosi, Mario Mary, Marcelo Toledo, Francisco Colasanto 24 ago 2012 MEI – música para flautas está integrado por las flautistas Patricia García y Juliana Moreno. Comenzó su actividad en el año 2002 con el propósito de recopilar, explorar, estrenar y difundir la música contemporánea para flautas con especial hincapié en la difusión y producción de la obra de compositores argentinos y latinoamericanos. El campo de desarrollo del proyecto abarca la performance en vivo y el área pedagógica. El repertorio está constituido por composiciones representativas de diferentes estéticas musicales de segunda mitad del siglo XX y XXI y obras compuestas especialmente para el dúo, producto del trabajo en colaboración que “MEI – música para flautas” establece en forma permanente con compositores. En el área pedagógica “MEI – música para flautas” dicta seminarios y talleres intensivos orientados a estudiantes y compositores, con el objeto de transmitir y estimular la investigación del lenguaje contemporáneo aplicado a la literatura para flautas traversas. Los conciertos del dúo están concebidos como un espacio visual donde transcurre la acción sonora; cada obra habita un contexto visual construido con diversos recursos: imágenes proyectadas, puesta de luces y procesos de ambientación escénica que intervienen el espacio. “MEI – música para flautas” ha realizado conciertos y clases magistrales en Buenos Aires, participó en el “IV Encuentro de Música Contemporánea” (Quito, Ecuador, 2004), en “8° Festival Internacional Música Clásica Contemporánea de Lima” (Perú 2010), en la Universidad de la República (Montevideo, Uruguay 2011), ha sido invitado a realizar actividades en México durante agosto del corriente año (UNAM Distrito Federal, CMMAS de Morelia) y en Setiembre en el “III World Flute Festival” (Mendoza, Argentina). Como parte de siu residencia el Duo MEI – música para flautas presenta este concierto con el siguiente programa: 1) Pentimento - dos flautas - Juan Carlos Tolosa 2) Wing of wind - flauta y sonidos electroacústicos - Rodrigo Sigal 3) Untitled - flauta baja - flauta en do con amplificación y reverb - Edgar Guzmán 4) Entrópica - dos flautas en do y dos flautas bajas - Marcos Franciosi 5) Les imaginations pareilles - flauta y sonidos electroacústicos - Mario Mary 6) Polifonía concreta - flauta baja amplificada - Marcelo Toledo 7) título? - dos flautistas - Francisco Colasanto Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: José Manuel Berenguer + Oliver Rappoport. [ESPAÑA] José Manuel Berenguer (España), Oliver Rappoport (España) 18 ago 2016 Concierto presentación del Festival Mixtur con una selección de obras de la convocatoria 2016, además de obras propuestas por la dirección artística del Festival Mixtur que incluyen electroacústica y videocreación. José Manuel Berenguer Director la Orquestra del Caos, Director del Festival Música13, organizado por Nau Coclea, Camallera. Profesor y coordinador académico del Máster de Arte Sonoro de la Universitat de Barcelona, Consultor de Sonido en sistemas multimedia en el GMMD-Universitat Oberta de Cataluña y profesor de Sonido Digital en ESDI-Universitat Ramon Llull, también ha colaborado con otras universidades e instituciones de investigación artística como Metrònom, MECAD, IUA-Universidad Pompeu Fabra, Universidad Politécnica de Cataluña, Universidad Autónoma de Barcelona y Elisava. Artista inter-media, fundador de Côclea con Clara Garí, y también de la Orquestra del Caos, colaborador del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges, fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de sonido y música del CIEJ de la Fundació la Caixa de Pensions, así como profesor de Música Electroacústica en el Conservatorio de Bourges. Ex-Presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España, actualmente es Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, miembro de la Académie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges, de la Academia del Consejo Nacional de la Música del CIM/UNESCO, del Patronato de la Fundación Phonos, así como del Patronato de la Fundació AAVC. Oliver Rappoport Bianchi Nace en Málaga, España posteriormente, se traslada a Barcelona donde se titula en la Escola Superior de Música de Catalunya, además de participar en el intercambio Sócrates/Erasmus, durante un año en el Conservatoire National Superieur de Musique de Paris. Amplía sus estudios en el Technische Universität Berlín y en Kings College of London. Estudia con los Compositores: Helmut Lachenmann, Agustín Charles, Luís Naón, Gabriel Brncic, Emmanuel Nunes, Jonathan Harvey, Georges Aperghis, José Manuel López López, Mauricio Sotelo y Magnus Lindberg. Ha recibido diversas becas y premios: Residencia Artística Iberoamericana del FONCA, Festival Illes Balears, Premio Franz Liszt-stipendiat de Weimar, Compositor Residente del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, Premio de Composición otorgado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música y el Colegio de España de París, Compositor residente del Taller de Música Contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España, 1er Premio del Concurso Internacional para Jóvenes Compositores de la SGAE-Fundación Autor, Compositor Residente del Jóvenes Intérpretes de Catalunya, Seleccionado por Société Internationale pour la Musique Contemporaine de Francia, para el 5to Forum de Jóvenes Compositores, entre otros. Además es Director Artístico de SONARTEnsemble y Co-fundador del Festival Mixtur. Con la colaboración de AC/E, Centro Cultural de España en México, Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Embajada de España en México. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: México Electroacústico. [MÉXICO] Ensamble A Tempo (México) Integrantes: Arantxa Carré - FLAUTA, Alejandro Alcázar - OBOE, Jalil Ramírez -CLARINETE, Cristian Cruz - FAGOT, Luis Flores - TROMPETA, Ulises Hernández - PIANO, Rafael Melgar - VIOLÍN, Roberto Torres - VIOLA, Martha Lara - VIOLONCELLO, José Nicasio - CONTRABAJO, Josué Alcántar - VISUALES, Enrique Eskeda – DIRECTOR 13 sep 2019 La música, apreciada desde una perspectiva audiovisual, “entra” al organismo por medio de los sentidos de una forma novedosa. El diseño de los visuales que acompañan la propuesta musical consiste en elementos construidos con el único fin de soportar audiovisualmente el acontecer sonoro concebido por el compositor. La propuesta contemporánea, de esta forma accede de mejor manera a la audiencia, que ahora no sólo se concentra en “ver” al artista ejecutar la música, sino que queda inmerso en los visuales mientras que, casi sin darse cuenta, el arte ingresa por sus oídos. El Ensamble A Tempo ejecutará un repertorio de música nueva de compositores mexicanos. Las obras son acústicas y electroacústicas, siempre con una propuesta visual que soporta el discurso musical. El Ensamble A Tempo es una agrupación de música contemporánea integrado por profesionales del arte radicados en el estado de Guanajuato. El ensamble tiene como objetivo difundir música contemporánea nueva de compositores mexicanos. Debido a las capacidades musicales de sus integrantes, el ensamble cuenta con una versatilidad única, siempre siguiendo la premisa de promover las nuevas propuestas artísticas que se generan día con día en el país, interpretando audiovisualmente obras tanto acústicas como electroacústicas. Mediante una convocatoria de composición siempre abierta, se busca incentivar la creación artística, formando su repertorio a partir de obras compuestas específicamente para el ensamble por creadores de diversas partes del país. Se han presentado en foros como Festival Internacional Cervantino, Encuentro de las Artes Escénicas (CDMX), Territorios del Arte/Mercado Escénico (SLP), FIACmx, Festival ExNihilo, Feria Nacional del Libro de León (FeNaL), etc. Alejandro Carrillo 1993, Ciudad de México. Es licenciado en Composición por University of North Texas, donde pertenece al programa de posgrado en Composición Interdisciplinaria en el Center for Experimental Music and Intermedia. Estudió con Panayiotis Kokoras, Joseph Klein y David Stout. Otros cursos incluyen a Mark André, Zygmunt Krauze, y Johannes Kreidler. Su interés en la interdisciplina se refleja en colaboraciónes con bailarines, fotógrafos, cineastas, actores, escultores, instrumentalistas y en su trabajo como solista. Su obra ha sido programada en México, Estados Unidos y Polonia. Ha colaborado con ensambles e intérpretes como Nuno Aroso (Portugal), A Tempo (México), E-MEX (Alemania), Roomful of Teeth, Lydian String Quartet y UNT Concert Orchestra (E.U.). Carlos Arturo Hernández González – Charles M. Champi – (Monterrey, Nuevo León, México, 1988) Compositor, Violinista, Maestro de Violín, Investigador. Cursó estudios de Licenciatura en Música e Instrumentista con especialidad en Violín en la Facultad de Música de la U.A.N.L., con Lilia Naydenova, de 2006 a 2013. Inició su formación como compositor en 2004 estudiando con Miguel Almaguer, y más tarde con Eduardo Caballero y Roberto Carlos Flores. Ha tomado cursos de composición y análisis con José Luis Capana, José Luis Castillo, Emanuel Nunes, Luca Belcastro, Rodrigo Sigal, Julio Estrada, Victor Rasgado, Ana Lara, Ignacio Baca-Lobera, Joao Pedro Oliveira, Carola Bauckholt, Peter Ablinger, Clara Iannotta, Hanna Hartmann, Javier Torres Maldonado, y Fabian Panisello, entre otros. Fue becario del Centro de Compositores de Nuevo León en 2013, y del programa “Prácticas de Vuelo” del CMMAS en 2014 y 2017. En abril de 2016 participó en los cursos y programas de lectura del Festival Mixtur 2016 (Barcelona, España), y en 2017 formó parte del festival Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik (Austria) como compositor activo y ponente. Su música se ha ejecutado en México, España, y Corea del Sur, por diferentes ensambles como el Cuarteto de Cuerdas Cromano, la O.S.U.A.N.L., CEPROMUSIC. Arturo Morfín Nació en la Ciudad de México en 1989. Estudió composición musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música. Ahí obtuvo la Licenciatura en Teoría Musical y el Diploma de Fellowship en composición certificado por el London College of Music. Participó en los programa Prácticas de Vuelo 2013 y 2017 del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Ha cursado talleres de composición impartidos por Ignacio Baca Lobera, Enrique Mendoza, Javier Torres Maldonado, Georgina Derbez, José Julio Díaz Infante, Víctor Rasgado, Enrico Chapela y Jos Zwaanenburg. Su música ha sido interpretada en México, en Canadá, en Francia y en España. Ha formado parte de la programación en el Festival Internacional Cervantino y en el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez. En 2016 Urtext Digital Classics publicó FLUX, disco compacto que incluye un obra de Arturo Morfín para flauta bajo y electrónica, interpretada por Alejandro Escuer. Alejandro Reyes Nació el 2 de diciembre de 1971, en Puebla, Pue. En 2006 se tituló como Licenciado en Música en la BUAP, cursando guitarra clásica con el Lic. Martín Báez Jiménez y composición con el Dr. Gonzalo Macías Andere y con el Mtro. Jorge Andrade. Ha tomado clases magistrales de composición con los siguientes maestros: Mtro. Luca Belcastro, Dr. Ignacio Baca Lobera, Mtro. Jorge Diego Vázquez, Dr. José Luis Hurtado, Dr. Roberto Morales Manzanares, Dr. Jean Luc Hervé, Dr. Juan Cristobal Cerrillo, Dr. Michael Pisaro Dr. Juan Sebastian Lach, Dr. Jean-Marc Chouvel, Dr. Luca Chiantore y Mtro. Danilo Grimoldi. Ha estrenado piezas desde el año 2002 siendo sus presentaciones más importantes en 4 diferentes emisiones del Festival Discantus que se organiza en la Ciudad de Puebla. Se ha presentado en diversas ciudades de la República Mexicana tales como Guadalajara, Mérida, Tlaxcala, Guanajuato y Distrito Federal. Se presentó en el año 2013 en Festival Internacional Cervantino siendo el estado invitado Puebla. Ha estrenado obras instrumentales para solistas, música de cámara, sinfónicas, música electrónica, mixta, multimedia y multidisciplina, con uso de nuevas tecnologías. Del año 2008 al 2013 perteneció a el colectivo “Proyecto Convolución” de compositores de la Ciudad de Puebla. Ganador del apoyo PEDCA 2011 con el proyecto “Músicos Cazando Mariposas”. En el 2013 inicia su colaboración en el ensamble “Dúo/Pamina” donde se interpreta música para guitarra contemporánea, improvisación libre y multimedia. En el año 2013 también colabora en el “Colectivo Arte a 360 grados” y con la compañía de teatro “Quirón”. Gabriel Salcedo Sansón (Ciudad de México, 1985) Su trabajo transita distintas formas de creación sonora, desde composición acústica hasta proyectos multimedia. Sus piezas e investigación exploran la interactividad entre el ser humano y la tecnología en entornos creativos. Además, ha incursionado en el diseño sonoro, música para coreografía e improvisación libre. Ricardo Duran Barney. México, Ciudad de México 2 de julio de 1981. Estudió la Licenciatura en Composición en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato en el periodo 2004 al 2006, y la Maestría en Artes en la misma institución del 2010 al 2011. Curso el Diplomado de composición de música acústica y electroacústica, coordinado por el Dr. Enrique Eskeda Compositor, director, violinista y pianista, titulado de la Licenciatura en Composición del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato. Su música académica se ha interpretado en distintos foros del país, Estados Unidos y Canadá, donde fue becado para realizar una estancia de composición con el Dr. Alain Perron y de dirección con el Dr. John Wiebe. Con las agrupaciones leonesas de rock sinfónico Gnosys y de rock neoclásico Doomsday, ha grabado varios discos y se ha presentado a lo largo y ancho del país. Es fundador y director artístico del Ensamble Aeternum de música vocal y del Ensamble A Tempo, agrupación de música contemporánea con la que ha presentado la mayoría de sus obras. Como pianista y violinista ha dado numerosos conciertos como solista, acompañante, en dúo y en ensamble. También es fundador y actual director de la Orquesta Filarmónica de León, primera orquesta profesional en esa ciudad en varias décadas. Fue cantante del Ensamble Vocal del Centro de las Artes de Guanajuato y del Coro de Ópera del Teatro del Bicentenario, agrupaciones con las que presentó varias óperas y obras corales en distintos escenarios del país, incluidos el Festival Internacional Cervantino, el Centro de las Artes de Guanajuato, el Centro de las Artes de San Luis Potosí, el Teatro del Bicentenario, etc. Ha tomado diversos talleres y cursos de perfeccionamiento musical con grandes autoridades musicales. Fue becado para realizar un proyecto de investigación en materia de música para cine en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), bajo la dirección del Dr. Rodrigo Sigal. También ha recibido varios reconocimientos, becas académicas y apoyos para realizar estancias de investigación en el CMMAS, en el Programa de Investigación en Artes de la Universidad Veracruzana y en la Universidad de Guanajuato. Es exbecario del programa Jóvenes Creadores 2013-2014 del FONCA, actual becario del PECDA (Creadores con Trayectoria), docente del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato y de la Universidad Iberoamericana León. También es coordinador de Música del FAC (Festival de Arte Contemporáneo) de los pueblos del Rincón de Guanajuato. Recientemente concluyó la Maestría en Dirección Orquestal en Truman State University (EUA), bajo la tutela del Dr. Sam McClure y composición con el Dr. Charles Gran. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: The 70th Week (La 70ª Semana) Una Opera Audiovisual - João Pedro Oliveira [PORTUGAL - USA] João Pedro Oliveira (Portugal) 26 may 2023 "The 70th Week - (La 70ª Semana) - Una Opera Audiovisual El Libro de Daniel es probablemente uno de los libros más misteriosos de la Biblia. La descripción de los hechos y las profecías incluyen asesinatos, traiciones, orgías y torturas. Pero también tiene varias profecías muy interesantes y enigmáticas que pueden interpretarse de muchas maneras para estar relacionadas con los tiempos actuales. La inestabilidad social, la guerra global, el exterminio masivo y muchos otros eventos posiblemente puedan interpretarse en los escritos proféticos de este joven. Esta ópera de música visual incluye varios eventos en la vida de este profeta y sus compañeros, así como las tres principales profecías que aún pueden no haberse cumplido. La semana 70 descrita en el libro es una de estas profecías, y se relaciona con un estado de guerra constante, sacrilegio y destrucción, que finalmente conducirá a una milagrosa transformación del mundo en un nuevo espacio de paz y justicia. Esta profecía luego se reafirma en el Libro de Apocalipsis, en la Biblia. Como sugiere la descripción de la pieza (una ópera audiovisual), la acción operística se reinterpreta en una pantalla, utilizando varias imágenes y sonidos generados por computadora, así como líneas vocales y movimientos de baile pregrabados. Algunas de las 8 escenas que constituyen esta pieza son representaciones imaginadas de los eventos descritos en el libro y algunas otras escenas son simbólicas. Los textos utilizados son transcripciones directas de los textos originales del libro, cantados en latín, hebreo y arameo. La Semana 70 fue el resultado de un encargo del Ministerio de Cultura de Portugal. También recibió el apoyo de Manitou Fund (EE.UU.), mpmp - Património Musical Vivo (Portugal), Universidad de Aveiro (Portugal) y Universidad de California – Santa Bárbara (EE.UU.). Fue compuesta entre marzo de 2021 y septiembre de 2022." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Joan Bagés y Mario García. [ESPAÑA/MÉXICO] Artistas: Joan Bagés (España) y Mario García (México). 31 ago 2013 " El artista sonoro Joan Bagés (España) y el guitarrista Mario García (México) trabajarán en los últimos detalles para su presentación del 30 de agosto en el Auditorio del CMMAS. Joan Bagés i Rubi. Artista sonoro de Flix nacido en Lleida el 1977 - (Cataluña) Su trabajo sonoro abarca tanto la música instrumental, como la música electroacústica, la música acusmatica y las instalaciones sonoras. Después de obtener el Titulo de Profesor de Piano por el Conservatorio de Música del Liceo de Barcelona en el 2002 realizó el Master de Artes Digitales – Música en la U.P.F. de Barcelona. Estudió composición musical, composición electroacústica y sistemas musicales interactivos con Eduard Resina, Gabriel Brncic, Sergi Jordà, José Manuel Berenguer y José Lozano (2003). Posteriormente se trasladó en Paris para realizar el DEA en “Esthetiques, Sciences et Technologies des Arts – Specialité Musique” en la Universidad de Paris 8 (2005) bajo la tutela de Horacio Vaggione. Esto le permitió estudiar composición musical con José Manuel López López y sistemas musicales interactivos con Anne Sedes. Obtuvo el DEM de Composición Electroacústica en el Conservatorio de Pantin (Francia) con Christine Groult (2007) y el DEM de Composición Musical en el Conservatorio de “Aulnay- sous-Bois” (Francia) con José Luís Campana y Mario Mary (2008). Posteriormente obtuvo el Ciclo de Perfeccionamiento en Composición Musical en el CRR de Reims (Francia) con Daniel d'Adamo y Tom Mays (2011). Obtuvo el Doctorado en “Esthétiques, Sciences et Technologies des Arts – Spécialité Musique” con Anne Sedes en la misma Universidad de Paris 8 (2012). De forma paralela he tomado clases y los consejos de compositores como Gilles Racot (2007/2008), Philippe Leroux (2007/2009), Denis Dufour en el CRR de Paris (2007/2010), François Bayle en Paris (Noviembre del 2010), Rebecca Saunders en Berlin (2010/2011), Pierluigi Billone en Palermo (Diciembre 2012). Ha recibido becas de formación y creación de la Generalitat de Cataluña, la Fundación Phonos, la Fundación Duran Marti y Denistés93. Sus obras han sido interpretadas en distintos países y han sido recompensadas en distintos concursos internacionales (España, Andorra, Francia, Bélgica, Argentina). En el pasado ha participado de forma activa en proyectos musicales como la Revista Sonograma de Barcelona, el Ensamble BPM75 de Paris, el Ensamble Música Clandestina de Paris, el Colectivo de Artistas Traffic de Paris, la Asociación de Música Electroacústica de España y del Colectivo Mixtur de Barcelona. Actualmente forma parte de la Asociación Catalana de Compositores, del Colectivo Territorios Creativos del Campo de Tarragona y de la Asociación de Músicos de Flix. Es director artístico del Morphosis Ensemble en Cataluña y co-director artístico, junto el compositor Santiago Diez Fischer, de No Input Ensemble en Paris (Francia)." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Flo Menezes. [BRASIL] Flo Menezes (Brasil) 6 ago 2015 Este concierto presenta dos obras de dos fases distintas de Flo Menezes, con un intervalo de 15 años entre las dos. La primera, una de sus mas complejas realizaciones, parte de sonidos de esferas las mas diversas, mientras que en la última son utilizados exclusivamente sonidos del violín. PROGRAMA - Harmonia das Esferas 2000 Electroacoustic sounds (acousmatic piece; 8 channels). Acousmatic version of Pulsares. Realization: Studio PANaroma (Unesp). 34'26" - MetaScriptio 2015 Electroacoustic sounds (acousmatic piece; 24 channels). Realization: Studio PANaroma (Unesp). 12'35" Flo Menezes Nascido em São Paulo em 1962, Menezes estudou Composição na Universidade de São Paulo (USP) com Willy Corrêa de Oliveira. Entre 1986 e 1990, com bolsa alemã do DAAD e da FAPESP, especializa-se com Hans Ulrich Humpert em Música Eletrônica junto ao Studio für elektronische Musik de Colônia (obtendo o mais alto diploma alemão – Künstlerische Reifeprüfung – em 1989). Em 1991, atua como compositor convidado junto ao Centro di Sonologia Computazionale (CSC) da Universidade de Pádua, Itália, onde se especializa em música computacional. Em 1988, é aluno de Pierre Boulez (no Centre Acanthes em Villeneuve les Avignon, França); em 1989, de Luciano Berio (no Mozarteum de Salzburg, Áustria); em 1995, de Brian Ferneyhough como compositor selecionado pela Fondation Royaumont (Paris), onde recebera encomenda musical vinculada à interpretação pelo Ensemble Recherches de Freiburg; e em 1998, de Karlheinz Stockhausen (Stockhausen-Kurse de Kürten, Alemanha). Doutorou-se em 1992, com bolsa do CNPq, pela Universidade de Liège (Bélgica), sob orientação de Henri Pousseur, com tese sobre as origens da música eletroacústica, a obra do compositor italiano Luciano Berio e suas relações com a fonologia estrutural (segundo a ótica de Roman Jakobson), a qual recebeu em 1990, em votação unânime, o Primeiro Prêmio em Musicologia Contemporânea do “I Concurso Internacional de Musicologia” (Premio Latina di Studi Musicali), Itália. Em seguida, realizou Pós-Doutorado em 1992 junto à Fundação Paul Sacher, Basiléia (Suíça), a convite do próprio Paul Sacher e após indicação pessoal de Berio, organizando os manuscritos do mestre italiano naquela instituição. Em 1997, já no Brasil, realiza sua Livre-Docência, tornando-se um dos mais jovens Livre-Docentes da história da Unesp (Universidade Estadual Paulista), e o primeiro na área da Composição Eletroacústica no país, com tese sobre a Atualidade Estética da Música Eletroacústica, publicada pela Editora da Unesp como obra selecionada pela editora para publicação de trabalhos de docentes daquela Universidade. Como compositor, Flo Menezes obteve os principais prêmios internacionais de Composição Eletroacústica: UNESCO (Paris, 1991) com Contextures I (Hommage à Berio); TRIMALCA (Argentina, 1993) com Profils Écartelés; o prestigioso Ars Electronica de Linz (Áustria, 1995) com sua obra Parcours de l’Entité, que lhe valeu ampla reputação internacional; ou ainda o Primeiro Prêmio do Concorso Luigi Russolo de Varese (Itália, 1996) com A Viagem sobre os Grãos; além de ter sido compositor selecionado em inúmeras ocasiões por organismos internacionais, como por exemplo em 1999, quando sua obra ATLAS FOLISIPELIS foi, dentre 508 obras inscritas, uma das 5 finalistas do 17ème Concours International de Musique Électroacoustique de Bourges, na França, fato que ocasionou a seleção de seu nome como um dos mais notórios representantes da música eletroacústica internacional no ano seguinte (2000) naquele importante festival. Em novembro de 2002, sua obra Colores (Phila: In Praesentia) é agraciada, em meio a 441 obras inscritas de todas as categorias artísticas, com o mais importante prêmio de arte tecnológica do Brasil: o Prêmio Cultural Sergio Motta. Em 2003, recebe a Bolsa Vitae de Artes para a composição do Oratório Eletroacústico labORAtorio, de uma hora de duração, para soprano, coro a 5 vozes, grande orquestra, sons eletroacústicos e eletrônica em tempo real, obra estreada com enorme sucesso de público e crítica em 2004 no concerto de 450 anos de São Paulo no Theatro Municipal. Em 2007, recebe o principal prêmio internacional de composição eletroacústica europeu, o Giga-Hertz-Preis, dentre mais de 180 compositores inscritos de todo o mundo, por sua obra La Novità del Suono para orquestra de câmera e eletrônica em tempo real, com Pierre Boulez, Wolfgang Rihm, Horacio Vaggione e outros no júri. Como teórico da música nova, é autor de vários livros e artigos, publicados no Brasil, Europa e EUA. Seu primeiro livro, publicado em 1987, Apoteose de Schoenberg  Tratado sobre as Entidades Harmônicas, já sem sua segunda edição (Ateliê Editorial, 2002), é até hoje o único livro a ter sido publicado pela Editora da USP (Edusp) de autoria de um ainda aluno daquela Universidade, tendo sido escrito por Flo Menezes aos 22/23 anos de idade e tendo se tornado livro de referência no Brasil sobre a questão harmônica. É autor, no mais, dos primeiros três livros sobre a Música Eletroacústica em português (Música Eletroacústica – História e Estéticas, Edusp 1996; Atualidade estética da Música Eletroacústica, Editora Unesp 1999; e A Acústica Musical em Palavras e Sons, Ateliê Editorial, 2004), e recentemente organizou e prefaciou a publicação do tratado de Harmonia de Schoenberg em português. Além dos livros, Flo Menezes é autor de inúmeros textos publicados dentro e fora do Brasil (L’Harmattan em Paris, Mitteilungen der Paul Sacher Stiftung na Suíça, Organised Sound na Inglaterra, Leonardo Music Journal e Computer Music Journal nos EUA, Komposition und Musikwissenschaft im Dialog e Musik-Konzepte na Alemanha, Revue Circuit – Musiques Contemporaines no Canadá, etc.). Foi compositor selecionado e convidado pelo GRM (Groupe de Recherches Musicales) e pelo IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) em Paris em 1997, sendo que no IRCAM foi selecionado entre os 10 compositores convidados dentre 397 candidaturas de todo o mundo. Obteve encomendas de diversas instituições de dentro e fora do Brasil, dentre as quais: Bienal Internacional de São Paulo (1989), Fondation Royaumont de Paris (1995), Instituto Cultural Itaú de São Paulo (1998), Fundação Nestlé da Suíça (2001), Fundação Vitae (2003), GRM de Paris e Universidade de Colônia (Alemanha) (2004), Kunsthochschule für Medien de Colônia, Alemanha, do Experimentalstudio für akustische Kunst da SWR de Freiburg, etc. Sua obra tem sido executada nos principais festivais e teatros do mundo: Weill Recital Hall do Carnegie Hall em Nova York (1996); Salle Olivier Messiaen da Radio France em Paris (1997, em concerto realizado conjuntamente a Luciano Berio); Maison de la Radio de la Suisse Romande em Genebra (Suíça); Aula da Musikhochschule de Colônia (Alemanha); REDCAT do Walt Disney Hall Complex de Los Angeles (em seu mês inaugural, com a estréia mundial de sua obra Pulsares para orquestra e sons eletroacústicos); Sala Cecília Meireles (RJ); Sala São Paulo; Theatro Municipal de São Paulo, etc. Diversos são os grupos de renome que interpretam suas obras: Ensemble Recherche (Freiburg), Ictus (Bruxelas), New Century Players (Los Angeles), Ensemble Orchestral Contemporain (Lyon), SWR Vokalensemble Stuttgart, Arditti String Quartett, Contrechamps (Suíça), Contemporary Music Players (Stony Brook, NY), etc. Em 1999 e 2001, Menezes integra o corpo docente dos Stockhausen-Kurse em Kürten, Alemanha, a convite do próprio Karlheinz Stockhausen em reconhecimento de suas atividades no Brasil, ministrando curso de análise sobre a obra do mestre alemão para mais de 50 compositores e musicólogos de todo o mundo. A partir de 2004, torna-se Professor Visitante da Universidade de Colônia, Alemanha. No Brasil, Flo Menezes funda em julho de 1994 o Studio PANaroma, constituindo significativa escola de composição eletroacústica no país. As atividades aí desenvolvidas, tais como a edição dos CDs da série “Música Maximalista”, a série de concertos Terceiro Milênio, a BIMESP (Bienal Internacional de Música Eletroacústica de São Paulo) e o CIMESP (Concurso Internacional de Música Eletroacústica de São Paulo), ganham notoriedade nacional e internacional, e algumas delas  tais como a BIMESP e o CIMESP  passam a fazer parte do calendário obrigatório de grande parte da comunidade internacional da música eletroacústica. O Studio PANaroma, tanto por seus eventos quanto por sua produção musical, passa a ser visto então como o principal centro de produção e pesquisa do Brasil na área, recebendo em inúmeras ocasiões especial atenção fora do Brasil, como por exemplo na recente emissão de mais de 1 hora na rádio de Colônia, Alemanha, dedicada integralmente ao estúdio brasileiro, em janeiro de 2002. Muitos compositores de renome já passaram em visita pelo Studio PANaroma, dentre os quais, por exemplo, Pierre Boulez, em outubro de 1996. Em 2002, Flo Menezes apresenta elaborado projeto de pesquisa em espacialidade sonora para a fundação do PUTS: PANaroma Unesp  Teatro Sonoro, um teatro móvel de alta qualidade tecnológica destinado à difusão eletroacústica, recebendo significativo apoio da FAPESP e fundando, assim, a primeira “orquestra de alto-falantes” do Brasil. Considerado pela crítica dentro e fora do Brasil como um dos principais compositores de sua geração, Flo Menezes é Professor de Composição e Música Eletroacústica da Unesp e Diretor do Studio PANaroma da Unesp. Previous Next

Acceder a la tienda / online shop Presentación de la revista Ideas Sónicas 27 por el Editor invitado: Dr. Marco Alunno © Copyright CMMAS 2006 - 2022. Todos los derechos reservados.

Conferencia - Día 1 < Back Rob Mackay (Reino Unido) - Following the Flight of the Monarchs Conferencia - Día 1 Descripción | Abstract ‘Following the Flight of the Monarchs’, is an interdisciplinary acoustic ecology project bringing together artists and scientists, connecting with ecosystems and communities along the migration routes of monarch butterflies as they travel the 3,000 mile journey between Mexico and Canada each year. Streamboxes are being installed along the monarch butterfly migration routes between Canada and Mexico. These livestream the soundscapes of these different ecosystems 24/7 via the Locus Sonus Soundmap ( http://locusonus.org/soundmap/051/ ). The first of the boxes was successfully installed in the Cerro Pelón UNESCO monarch butterfly reserve in Mexico in 2018, and a subsequent one installed at Point Pelee National Park in Canada in 2019. The streams are being used for ecosystem monitoring as well as integrating into artworks which are raising awareness of the issues the monarchs face, whose numbers have declined by nearly 90% over the past two decades. Rob Mackay is an award-winning composer, sound artist and performer. Recent projects have moved towards a cross-disciplinary approach, including geology, soundscape ecology, theatre, audiovisual installation work, and human-computer interaction. His work has been performed in 18 countries (including several performances on BBC Radio 3, BBC Radio 1 and Radio France), and a number of his pieces have received international awards (Bourges (1997 and 2001), EAR (1999), La Muse en Circuit (2007)). He has held composer residencies at Slovak Radio (Bratislava), La Muse en Circuit (Paris), the Tyrone Guthrie Arts Centre (Ireland), Habitación del Ruido (Mexico City), and CMMAS (Morelia). Rob is currently a Senior Lecturer in Composition at Newcastle University. Previously, he was a Reader in Music at the University of Hull where he directed HEARO (Hull Electroacoustic Resonance Orchestra). He is also the Chair of UKISC (UK and Ireland Soundscape Community), an affiliate of the WFAE (World Forum for Acoustic Ecology). Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Sombras Invisibles Jasna Veliçkoviç [PAÍSES BAJOS] Interprete: Jasna Veliçkoviç- [PAÍSES BAJOS] 2 ago 2013 "Sombras Invisibles Un concierto a cargo de Jasna Velickovic (Serbia), Diego Espinosa y Juan Sebastián Lach (México) que girará alrededor de la noción de las siluetas, espectros y reflejos que se crean a partir de resonancias musicales y sonoras. Incluirá una pieza con basada en Bach así como alusiones Chopin y a ciertos cantos a través del uso de magnetos que generan ecos y vibraciones en las cuerdas del piano y un salterio. También se incluirán piezas de percusión cuyos contornos rítmicos son transformados por medio de espejos temporales en la computadora, así como una pantomima musical basada en la interacción entre un ejectante y un video. Finalizará con una improvisación colectiva entre los tres músicos que reunirá muchos de los elementos expuestos concertados de una manera más libre y sorpresiva. Este concierto cuenta con el apoyo del Performing Arts Fund de Holanda Jasna Veličković es una compositora/intérprete viviendo en Amsterdam. En sus obras, problematiza la técnica de interpretar así como el estatus y función del instrumento musical. El material sonoro que utiliza muchas veces deriva de ""sombras"" de piezas musicales. Sus obras han sido interpretadas en festivales como la bienal Zagreb, World Music Days, Gaudeamus Music Week, Holland Festival, Arhipel, A-devantgarde. Algunos de los ensambles que han interpretado su música: Bl!ndman, Studio 6, Ensemble Aleph, Piano Possibile, Le Nouvel Ensemble Moderne, Ear Massage, Ensemble MAE, Ensemble Klang, de Ereprijs, Dutch Radio Kamerorkest, Belgrade Philharmonic Orchestra, European Contemporary Orchestra. Jasna Veličković estudió composición en la facultad de Musica de Belgrado con Srdjan Hofman, para luego continuar sus estudios de posgrado en el Royal Conservatory de la Haya. Estudió con Louis Andriessen, Gilius van Bergeijk y Clarence Barlow. Ha ganado el 28vo Premio Irino, Slavenski Award, 1er premio en el 5to concurso internacional de compositores de Belgrado. Ha sido dos veces nominado para el premio Mokranjac y el premio Toonzetters. Fue finalista en ECPNM (European Competition for Live Electronic Music). Ha recibido una recomendación por parte la tribuna de compositores de la Unesco. Jasna Veličković es co-fundadora de Cinch - iniciativa para la investigación y producción de música contemporánea, co-fundadora de TkH: Walking Theory." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto de la clase de Ensamble VI. "Movimiento con lluvia" [MÉXICO] Alumnos de la clase de Ensamble VI MyTA ENES UNAM. 17 jun 2022 Programa: - Mark Applebaum (1967) "Aphasia" - Leo Brouwer (1939) "Paisaje Cubano con lluvia" - Joao Pedro OLiveira (1959) "Kontrol" Previous Next

CREATIVE MINDS COME TOGETHER Conciertos Acusmáticos Conciertos Acusmáticos Acousmatic concerts Acousmatic concerts Anton Bruckner Privatuniversität oberösterreich Compositions by students and alumni of the institute for composition, conducting and computer music selected for online presentation at Visiones Sonoras 2021: Biographies Isabella Forciniti is a Vienna based sound artist from Italy. Her work maneuvers within tensions evoked by the substantial aspects of sound and improvised music. She challenges the sonic possibilities of modular synthesizers, thriving to release streams of thoughts at the margins of the unknown. Isabella Forciniti cooperated with Patrick Pulsinger, Burkhard Stangl, Antye Greie-Ripatti, Katharina Klement, Patrick K.H., Peter Kutin, Ryoko Akama as well as other artists. Forciniti was invited to different music festivals such as Wien Modern (AT), Time in Music (FI), Elevate Festival (AT), NEXT Advanced Music Festival (SK) and Darmstädter Ferienkurse (GER). Peter Trabitzsch is a young composer of electronic music, deeply engaged with the intricacies of sonic textures, exploring their fragilities to build delicate pieces from and around them. He holds a university degree in both audio engineering and sound art and currently studies music composition at the Anton Bruckner University in Linz. Steel Girls Steel Girls make metal speak in a practical, simple form, which makes sensual poetry possible. The rawness, the resistance and the hardness of the metal and particularly the steel is counteracted by the flexible. It is not just about the charm of production, like welding as performance, but also about the challenge of acoustics, the exhaustion of acoustic possibilities with and without electronics. The rawness is shaped and not standardized, the proportions are pushed into the light so that the sparks fly and something new can arise. The Steel Girls are: Astrid Schwarz Angélica Castéllo Tobias Leibetseder Program Ecate Isabella Forciniti Rosa Steel Girls Dort liegt ein rotblühender Garten im stillen Mondenschein Peter Trabitzsch Isabella Forciniti Steel Girls Peter Trabitzsch Creadores | Creators Creadores | Creators CEPSA - GEPS Concierto conformado por piezas de integrantes del Centro de Estudio y Producción Sonora y Audiovisual [CEPSA] y del Grupo de Estudio en Paisaje Sonoro [GEPS] de la Universidad Nacional de Lanús Biografías Agustín Guaraz Licenciado en Audiovisión por la UNLa, donde se desempeñó como auxiliar en docencia e investigación y participando activamente del Grupo de Estudio en Paisaje Sonoro. Realizador audiovisual con experiencia en los campos televisivo y radiofónico, trabaja actualmente en el ámbito audiovisual como técnico sonidista. Federico Bianchetti Realizador audiovisual y programador. Estudiante de la Licenciatura en Audiovisión y de Sistemas de la UNLa. Integra el Grupo de Estudio en Paisaje Sonoro y es escritor colaborar del sitio Taipei | Crítica de cine, proyecto del Colectivo Rutemberg. Alejandro Brianza Compositor, investigador y docente. Magister en Metodología de la Investigación Científica, Licenciado en Audiovisión. Es integrante de la plataforma colaborativa Andamio, coordinador del Grupo de Estudio en Paisaje Sonoro y miembro de la Red de Artistas Sonoros Latinoamericanos. Abigaíl Gutiérrez Estudiante de la Licenciatura en Audiovisión en la UNLa, cursando la orientación en Postproducción de Imagen. Se centra en la creación de entornos, explorando los medios visuales y sonoros de la mano de la Dirección de Arte, el ensayo audiovisual y la poesía. Sabino Jerónimo Gazzaniga Nació en La Pampa y vive actualmente en Buenos Aires. Trabajador del sector audiovisual, a punto de terminar la Licenciatura en Audiovisión en la UNLa. Daniel Schachter Compositor, artista sonoro, investigador. Miembro fundador de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano, director del Centro de Estudios y Producción Sonora y Audiovisual CEPSA de la UNLa. Presenta sus trabajos habitualmente en Festivales, Congresos y ciclos de conciertos alrededor del mundo. Notas de programa Agustin Guaraz - Alterarse Microtopía. Miniatura de un minuto. Federico Bianchetti - (In)comunicacion Microtopía. Miniatura de un minuto. Alejandro Brianza - Locro 250g. de porotos blancos, 250g. de maíz blanco partido, 1 chorizo colorado, 1 chorizo criollo, pechito de cerdo, 200g. de panceta, 3 cebollas, 2 cebollas de verdeo, 1 puerro, 1/2 calabaza, sal, pimienta, pimentón, ají molido, comino y orégano a gusto. Alejandro Brianza - Contrapoema Microtopía. Miniatura de un minuto. Performance y montaje sobre un texto original de Juan José Sena. Daniel Schachter - Como un mar de hierro Compuesta en 2017 por invitación de la asociación Musiques & Recherches, Bélgica dedicada a la compositora argentina Beatriz Ferreyra por su 80 cumpleaños. Se trata de una reflexión sobre la relación entre timbre y movimiento que parte de una serie de muestras de sonidos marinos que va mutando tímbricamente hacia bloques de hierro pero manteniendo la gestualidad del movimiento del mar asignando las dinámicas del sonido del mar a las muestras de sonidos de trozos de hierro, trabajando siempre la dinámica y el timbre pero no la altura que permanece mas o menos estática durante toda la pieza. Creadores | Creators Creadores | Creators Agustín Guaraz Federico Bianchetti Alejandro Brianza Abigaíl Gutiérrez Sabino Jerónimo Daniel Schachter CIEM Obras electroacústicas compuestas por los alumnos de Esteban Chapela Gaxiola en el CIEM Biografías Arturo Capur (Ciudad de México – 1995) El compositor, diseñador sonoro y contrabajista Arturo Capur crea música para contrabajo y electrónica y música de cámara. Desde el 2019 su mayor interés es expandir las posibilidades del contrabajo y su mezcla con electrónica. Recientemente fue comisionado por el Metropolis Ensemble de Nueva York para componer una pieza de instrumentación indeterminada en el programa Biophony. Su primer material discográfico Raíces, que contiene música para contrabajo y electrónica, fue lanzado en Julio del 2021. Su música ha sido interpretada en la Biblioteca Vasconcelos por el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, el Foro Internacional de Música Nueva por la Orquesta de Cámara de la FAM y la Universidad DePaul en Chicago por el Ensemble 20+. Ha participado en las clases magistrales del Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, Wapiti Ensemble e Irvine Arditti. Ha compuesto música para diversos proyectos cinematográficos en los cuales están incluidos Tuyuku (2018) y Pinky Promise (2020), ganadores en el Festival Internacional del Cine de Morelia a mejor corto del año y este último seleccionado para el festival de Cannes (2021). Obtuvo la licenciatura en música teórica en el Centro de Investigación y Estudios de la Música por medio de la Universidad de West London. Entre sus maestros se encuentran José Julio Díaz Infante, María Antonieta Lozano, Esteban y Enrico Chapela. Francisco Gómez Guevara (Ciudad de México – 1993) Estudió las licenciatura en Composición y Música Teórica, en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM). Cuenta con el estreno de su obra Pétalos, compuesta dentro del taller de Composición con el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y estrenada por el mismo, en el auditorio de la Biblioteca Vasconcelos. De igual manera, participó con la composición de una pieza para violín solo para el taller de lectura de obras por parte de Irvine Arditti, y también, como parte de su formación, compuso una obra para ensamble de basurófonos, estrenada en Radio IMER en enero del 2015. Ha sido alumno de María Antonieta Lozano, José Julio Díaz Infante, Enrico Chapela, Víctor Rasgado, Esteban Chapela, Iván Naranjo, Marco Gil y Mónica del Águila. Claudia Pearl González (Ciudad de México – 1995) Cantante, compositora y violinista. Comenzó su formación musical a los once años tomando clases de batería con Eduardo Carrillo, baterista de la banda “Agora”, clases de flauta con Hanna Kott y dirección vocal con Vico Rubín. En el 2013 se integra al Centro de investigación y Estudios de la Música (CIEM) para estudiar la licenciatura en composición y música teórica. En dicho centro, ha tomado clases con María Antonieta Lozano, Enrico Chapela, Esteban Chapela, Edgar Merino, Rodrigo Valdez Hermoso y Ana Paola Santillán Alcocer. En el 2017 obtiene el grado de Asociado en Teoría, Crítica y Literatura Musical AMus, LCM ante London College of Music, (LTCL) y más tarde, la licenciatura en Música Teórica (LMus LCM). Actualmente prepara la licenciatura en composición. Ha tomado clases de canto clásico y popular con el Dr. Gustavo Flores Ortega y de violín con Martha Henkel. Como compositora cuenta con piezas para ensamble Pierrot, cuarteto de cuerdas, música electroacústica, obras para instrumento solo y una fuga a tres voces, entre otras. Participó como vocalista de la banda de Power Metal “Dark And Poetry”, en la cual tuvo oportunidad de compartir escenario con bandas internacionales como “Dark Moor” (España) y Sabaton (Suecia). En el 2016 se integra como violinista a la Camerata San Ángel, presentándose regularmente en la Iglesia Luterana Alemana, CDMX. Participó como vocalista y violinista en la banda de Doom Metal “Lacrimacorpus Dissolvens”. Su trabajo ha sido difundido por “Circo Volador Radio”, “Rock Connection Magazine”, RadioUNAM y “Metal World”. Actualmente se encuentra trabajando en su proyecto como solista. Matías Torres Bravo (Uruapan - 1993) Estudió composición en el Centro de Investigación y Estudios de la Música en donde fue alumno de la Dra. María Antonieta Lozano, el Mtro. José Julio Díaz Infante, el Mtro. Esteban Chapela y la Dra. Ana Paola Santillán Alcocer. Sus principales intereses se centran en la exploración de la música folklórica, como la música regional mexicana y el flamenco, tomando la esencia de los mismos y haciéndola convivir en un contexto de música contemporánea. Fue seleccionado para formar parte del Programa Permanente de Jóvenes Compositores a cargo de José Luis Castillo y el Ensamble CEPROMUSIC y su música ha sido seleccionada en México, Argentina, Inglaterra y Hong Kong. Notas de programa Somos pelusa en el bolsillo de alguien más (2020) Esta pieza surgió de una visita al domo digital del Papalote Museo del Niño, en la que vi un documental sobre el espacio. Al final de este documental hay un zoom out desde nuestra escala hasta lo más lejano que conocemos del espacio que pone en perspectiva nuestro tamaño. Cuando era chico tenía la fantasía de poder hacerme diminuto y montar arañas y demás insectos, consumir agua succionando gotas y esquivar las pisadas de los humanos. La pieza es una mezcla de estas dos experiencias. Es mi manera de interpretar, según como suena en mi imaginación, un viaje desde el mundo subatómico pasando por pisadas de humanos, sonidos de aviones y naves, hasta la inmensidad del espacio exterior. Una forma de reencontrarme con esa capacidad de asombro de cuando era niño. Sobre al habla (2020) La pieza está compuesta por fragmentos de grabaciones de mi voz. Para construirla fui escogiendo algunas particularidades acústicas de dichas grabaciones y las acentué e intervine con filtros y otros procesos, generando así, diferentes capas y texturas. Sobre el habla, es el comienzo de un ciclo de obras que busca el estudio de elementos distintivos de mi voz Transición (2020) La pieza hace referencia al proceso de transición en la vida de un ser humano. Sugiere un cambio en el aspecto emocional y mental de la persona, por lo que ésta se resiste a completar dicho cambio. Una vez que la persona acepta las modificaciones que se le presentan en el camino, abre los brazos a la transformación pero sin perder su esencia, la cual prevalence a lo largo del tiempo. Para realizar la pieza se utilizó el programa Max (MSP) para procesar distintos sonidos provenientes de distintas fuentes. Esto se llevó a cabo mediante el uso de distintos procesos ejemplificados a partir de la forma A, B, C, D, B”, A”. En la primera sección se utilizó el patch Forbidden Planet incluido en el programa Max para la construcción del sonido, así mismo se usó síntesis aditiva para el resultado final. Más adelante se utilizó un sampler y se llevó a cabo el proceso FFT Filter (Fast Fourier Transformed) con el objetivo de tener mayor control de la ecualización. También se utilizó a la par el recurso Forbidden Planet para efectos de sonido. En la sección C aparecen nuevos sonidos pero que conectan con los anteriores a través de las texturas aportando a la continuidad. Se experimentó con un granulador y FFT Filter con procesos rítmicos. La sección D está compuesta por el climax. Los procesos que sobresalen en estas últimas secciones son FFT Filter, Granulador, Forbidden Planet y Síntesis aditiva. En la sección B” se reutilizan elementos de B pero con D en el plano principal, así mismo con A”, retornando a la idea inicial pero con elementos procesadas antes de la sección climática en D. La pieza se construye a partir de sonidos base que crean un colchón continuo. Los sonidos que se van sumando varían entre sí pero se relacionan en el tipo textura y en el uso de efectos. Esto con el fin de unificar la pieza y reflejar el tema de la misma a partir de una transición pero con elementos que prevalecen, ya sean originales o transformados. Transmutation of time (2020) “El principio hermético de transmutación parte de la idea de que la mente, así como los metales y los elementos, puede transmutarse de grado en grado, de condición en condición, de polo a polo y de vibración en vibración.” -El Kybalion- Vivimos rodeados de sonido y la mayoría del tiempo no prestamos atención a las cualidades acústicas que tienen los objetos o ambientes cotidianos, pero cuando nos enfocamos en encontrar las características acústicas que lo componen, se pueden encontrar patrones rítmicos o espectros armónicos que son realmente interesantes. Partiendo de esta idea, Transmutation of time tiene como fin principal explorar esas texturas para encontrar lo extraordinario dentro de lo ordinario; lo ordinario siendo sonidos de objetos comunes como puertas, silbatos de niños, cepillos eléctricos, cuetes, secadoras y de ambientes citadinos de tráfico o del metro. Lo extraordinario emerge a partir de la exploración y procesamiento electrónico de los sonidos para aprovechar y resaltar sus cualidades acústicas. Creadores | Creators Creadores | Creators Arturo Capur Francisco Gómez Guevara Claudia Pearl González Matías Torres Bravo Objets trouvés (Objetos encontrados) Claude Hermitte Biographie Claude Hermitte Since 1975, Claude Hermitte has regularly composed vocal works inspired by various poets and writers (Il Cantico delle Creature on the text by François d'Assise, Le Savon after Francis Ponge, Plupart du temps, Flaques de verre, Sources du vent on the poems of Pierre Reverdy, Sirandanes after JMG Le Clézio...). The contemporary language of his instrumental music is often influenced by jazz, popular music and acousmatic composition procedures (Hommage à Max Ernst for orchestra, Discours de l'homme rouge after Mahmoud Darwish...). Finally, acousmatic music often highlights the work of certain contemporary or very old artists (sound work on Les Métamorphoses from Ovide, Eloge de la caresse from Les mille et une nuits, Le chant du monde from Giono, Musiques et Minorités with the text of Sutö, Les Robots Abusifs after Boris Vian, Hommage à Luc Ferrari, Objets trouvés after Ellsworth Kelly, Cy Twombly, Zao Wou-Ki, Nicolas de Staël, JS Bach, WA Mozart...) Through his compositions and his musical experiences, he seeks, in various styles and formations, to tend towards a humanist art. He likes living in Marseille and he likes to share his life with SoSo, Tom-toum and Zoum-zoum. Notas de programa Objets trouvés (Objetos encontrados) Claude Hermitte (2016-2021) 56’44 ’’ “En octubre de 1949, en el Museo de Arte Moderno de París, me di cuenta de que los grandes ventanales entre los cuadros me interesaban más que el arte que allí se exhibía (…) Dondequiera que miraba, todo lo que veía se convertía en algo que hacer (…) y podría usarlo en cualquier lugar… ”(1970). Ellsworth Kelly, pintor estadounidense, concilió la abstracción y la figuración. Al tomar fragmentos de patrones abstractos de la realidad, se convirtió en el protagonista de la "abstracción encontrada". La"abstraccion sonora encontrada" también extrae fragmentos sonoros abstractos de la vida cotidiana y de nuestra memoria, todos listos para ser capturados allí ... Estos son Objetos encontrados, según la expresión de Dieter Kaufmann, capturados con todos sus parámetros, incluido el espacio y la "anécdota". Así, la voz de Gunda König evoca "Marsella" y el "sol" y la voz de Dieter Kaufmann El mar en Marsella y la "suerte creativa" que ofrece el "sampling" en el Estudio de los objetos encontrados (n°2). Este esta dedicado a ellos. La narrativa se vuelve abstracta en La coronación de Sesostris de Cy Twombly, otro pintor estadounidense. Solo conserva la esencia de la historia contada en Si ... (n ° 3): la esencia impulsiva y minimalista entre tensiones y compromisos. Trans (n ° 4) se interesa por lo que hay A través de los sonidos, detrás de ellos, el significado detrás de ellos y la "abstracción sonora" que paradójicamente se alimenta de ellos. Con el pintor Zao Wou-Ki, la expresión "abstracto" está siempre en relación con el mundo exterior. Experimentación, siempre en conexión con el mundo vivo y la Naturaleza. Su Homenaje a Edgar Varèse (1964) nos recuerda que la "abstracción sonora" querida por el compositor, procede de la misma forma: los objetos sonoros encontrados proceden de la realidad y de nuestra memoria (n ° 5). Con Nicolas de Staël, la observación y la sensación de la Naturaleza se unen también a la abstracción, sus superficies y sus espacios. En Arbol rojo (n ° 6) el deslumbramiento de la luz volverá al del sonido, el brillo de los colores al de los movimientos, el grosor de las líneas, los de las mezclas y los destellos de luz se remontarán hacia un absoluto imposible ... Con Mozart la luz del sonido es eterna (n ° 1). El arte parece natural allí como la primavera que brota. La ligereza se convierte en uno de los motores de un lenguaje al servicio de la expresión y el significado. Real y abstracción son uno, universales, por la eternidad ... Con Bach, el sentimiento de armonía pacífica nos lleva a la tierra de la paz (n°7). Lo concreto y lo abstracto vuelven a unirse. La ligereza nutre una composición "sin filtro", dedicada al verdadero significado ya su plena expresión. Con Bach, como con Mozart, la ligereza es sinónimo de libertad. Siempre nos devuelve a lo básico. Hacia la tierra en paz y paz en la tierra ... Objetos encontrados: para, como hizo Ellsworth Kelly, conciliar abstracción y figuración. Objetos encontrados: destacar, como lo llama Dieter Kaufmann, el "sexto elemento": "la anécdota". Objetos encontrados: jugar con lo sensible e inmaterial escuchando los sonidos y el significado que pueden transmitir. Hacia Dieter Kaufmann Objets trouvés (Objetos encontrados) Claude Hermitte 1: Lux aeterna (Hommage à W.A.Mozart) (Homenaje a W.A. Mozart) (2021) 5’45 ’’ 2: Etude aux objets trouvés (Estudio de objetos encontrados) (según Ellsworth Kelly) (2016) A Gunda König y Dieter Kaufmann 9’09 ’’ 3: Si... (después de Cy Twombly) (2017) 7’07 ’’ 4: Trans (2018) 11’01 ’’ 5: Hommage à Edgar varèse (Homenaje a Edgar Varèse) (después de Zao Wou Ki) (2019) 7'43 " 6: Arbre rouge (Hommage à Nicolas de Staël) (Árbol rojo : Homenaje a Nicolas de Staël) (2020) 9’45 ’’ 7: Terra pax (Hommage à J.S.Bach) (Homenaje a J.S. Bach) (2021) 5’54 ’’ Hacia Dieter Kaufmann Creadores | Creators Creadores | Creators Claude Hermitte Concordia University -There is still time Pat McMaster Interdisciplinary artist Pat McMaster has been engaged in electroacoustic composition and performance practice for over twenty years, combining an emphasis on expressive musicianship with fearless experimentation. His work transgresses barriers between the exploration of sound and the performing & visual arts, melding a comprehensive background in technology with an inventive creativity, engaging with machine learning-based composition and improvisation techniques and live telematic performance. His innovative new-media performances and instrumental scores are an integral part of Montreal’s experimental theatre and electronic music performance scenes. His work has been featured at festivals such as MUTEK, Synthèse Montréal, and SuperBooth Berlin. He is an executive committee member of Vivier InterUniversitaire, and a member of the Concordia Electroacoustic Studies Student Association (CESSA) and the Society of Composers, Authors and Music Publishers of Canada (SOCAN). Alana DeVito Alana (Am) DeVito is a Tiohtià:ke/Montreal-based composer, sound designer, musician, audio engineer and interdisciplinary artist. Their career as a professional touring and studio musician spans well over 10 years, multiple countries and numerous instruments . Their creative career has now expanded into new forms and new collaborations in research/creation, digital interactive art, film scoring, and installation work. In A/V installation, composition and performance, the weaving of ‘virtual kinetic’ soundscapes through vibrant, textural worlds take center stage while unique, sonic architecture project sweeping narratives. Creative computing intertwines immersive environments while blurring the line between the aural and visual sonic space. Am DeVito has presented their compositions at the New York Electroacoustic Music Festival, the Morelia Visionas Sonoras Festival in Mexico, Berlin Off-Kultur Festival, Toronto’s Long Winter Festival, Pop Montreal, Sled Island Music Festival, Ypsigrock Festival in Sicily and Vienna’s Freilich Open Arts Series, to name a few. They are currently studying electroacoustic music and computation arts at Concordia University in Montreal, holding numerous merit-based scholarships and research positions; they are the 2019 recipient of the AH & LB Austin Award, the highest given in the electroacoustic program. Their research work focuses on exploring the intersections of oral history, sound installation and experimental composition in the study and communication of gender identity, identity politics, and difficult personal histories. Their most recent academic research paper is ‘Sonic Sentimentality and the Unification of the Listening Space: Exploring the Intersections of Oral History and Sonic Art’ and will be published in the journal Organised Sound in August 2021. Christophe Cinq Christophe Cinq is a Canadian artist living in Montreal, and graduated in Electroacoustic studies at Concordia University. Multi-instrumentalist, versatile, he expresses himself musically by pouring in several styles and mediums that he tries to place in dialogue with each other. He is passionate about fundamental sound research, creation, interpretation and composition of musical works. He is particularly interested in the principles of audience immersions induced by sound spatialization, especially in video games. Dorian Bell Dorian Bell is a multi-instrumentalist and sound artist working out of Montreal. Bell's work focuses on memory, history, poetics, and aleatory; his art begins and ends in the concrete, with a digital and analog footprint in the middle. Connor Cook Connor Cook - Canadian - Connor grew up in multiple provinces across Canada, but spent his teenaged years in Calgary. In his 20’s, he moved to Toronto where he began creating soundtracks for theatre performances, and then to Montreal in order to study Electroacoustics at Concordia University. His interests include cinematic-electroacoustic works that attempt to externalize the dynamic and dense internal landscape of thoughts and feelings into crystallized sonic and/or visual works. He is also a founding member of the Trajectories collective in Montreal, making music that processes and responds to the challenges facing humanity at the moment. Malte Leander Malte Leander is a Swedish-French composer and artist currently residing in Tiohtià:ke/Montréal, Canada, studying at the program of Electroacoustic studies at Concordia University. He is actively engaged in a variety of contexts; from hosting and organizing different musical events such as live shows, workshops and music camps together with the electronic music collective and label So&Such in Sweden, to being a present figure in the Fine Arts community in Montreal, working in local community radio by facilitating discussions with local artists around the topics of digital practices and new media art and technology. His multilingual skills and electroacoustic compositional endeavors has gotten him to work with text-sound composition and sound poetry, often mixed with his interest for sustainability through acoustic ecology and related topics. Ricardo Dal Farra Ricardo Dal Farra. Professor of electronic arts at Concordia University, Canada. Founder-director of the Electronic Arts Experimentation and Research Centre (CEIARTE) of the National University of Tres de Febrero (UNTREF), Argentina. Director of the international symposia Balance-Unbalance (BunB) on art-science and the environmental crisis; and Understanding Visual Music (UVM). Dal Farra has been director of the Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies, Canada; coordinator of the Multimedia Communication Area of the Ministry of Education, Argentina; researcher at the Music, Technology and Innovation Research Centre of De Montfort University, UK; coordinator of the international alliance DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; senior consultant of the Amauta New Media Art Centre of Cusco, Peru; and researcher of UNESCO, France, for its project Digi-Arts. He co-designed the Electronic Arts university program at UNTREF, and the Music Production program at the ORT Technical School, in Argentina. Creator of the Latin American Electroacoustic Music Collection hosted by the Daniel Langlois Foundation, Canada. Member of the editorial board of Leonardo (MIT Press), Organised Sound (Cambridge Press) and Artnodes (UOC), and the board of directors of ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Ph.D. in Arts, Dal Farra is a composer and artist specialized in transdisciplinary actions with science and emergent technologies. Program notes “La ville bruyante” La ville bruyante is a reflection on the omnipresence of sound which is a hallmark of urban life. Marrying generative techniques on a Buchla modular synthesizer system with field recordings taken on a Montréal soundwalk, the piece reminds us that no matter how isolated life in the city may feel, the sound artifacts created by those around us are relentless. An Opus For Camouflaged Screams This quadraphonic sound installation was composed and designed for the interdisciplinary installation, Novels of Elgüer Ep. 5 in collaboration with the textile artist Laura Acosta, and video artist Santiago Tavera. Am composed the piece using the collaborating artists’ sound recordings as well the coomposer’s own field recordings, various collected recordings and the composer’s own recorded voice. The composition is not only a 4-speaker, fixed media piece, but also includes 3 interactive ‘scream’ elements that are triggered by guests of the installation using Pure Data and integrated Ultra Sonic Motion Sensors. The composition uses a mix of natural sound elements such as footsteps through leaves, wind through trees, birds (both natural and synthesized), the squeaking of wood, and light water waves and trickling streams to immerse the listener and bring them into the natural environment, while the hidden world beyond the perception of human consciousness exposes itself upon entrance of the human element. The natural sounds metamorphosize as the observer disrupts the camouflaged life of nature. Both video and audio elements give this sense of discovery and disruption – sound elements flowing smoothly from the familiar and natural and into mysterious modulation that may or may not be of our human-perspective world. The observer is faced with the question, “Is nature screaming for us to listen, or screaming from the pain of our intrusion? How do we see our positionings in different spaces? In different environments? Are we hiding, hidden or disruptive? The stellar way Cinq, Christophe. “the stellar way”; March 2021, Oscar Peterson Hall, Montreal, Canada. Sonic collage exploring limitations and extremes. This composition stands where the past meets the present. It uses a variety of recording technics to grasp the natural acoustic coloration of an ensemble of eclectic world instruments featuring sitar, tabla, n’goni (African harp), mouth harp, electric bass, synth and percussions. The form is derived and inspired from North Indian classical music and examines its contemporary implication using non-destructive audio processes. The piece progressively accelerates and becomes denser, while at the same time achieving a higher register. Special thanks to the musician Saulo Olmedo Evans for his participation. Sodden sodden stems from aleatoric rhythmic relationships; the composition was assembled by layering guitar parts without references (no monitoring or metronome), thereby subverting strict periodicity. The composition was created around the visualization of water splitting over river stones and the initial drops of a rain shower. The Swimmer A cross between musique-concrète inspired editing techniques and polychordal/tonal experimentation, The Swimmer is an attempt to explore re-contextualized memory through timbre and gesture in response to the death of a close childhood friend. Andrew was a ‘life saving swimmer’ who drowned in a reservoir in Calgary in 2018. Stereo version of 5.1 surround composition. All Natural Environments ”All Natural Environments” is an exploration of the crossroads between what is a natural, and a constructed environment; with it’s associated soundscape. Through the technique of re-amping, field-recordings of natural ecologies is played out loud and recorded within the urban framework. A complex result of layering ideas, places, and environments assisted through voice by sound poetry addressing the topic, which over time gets integrated into the dense textures of the piece. Memorias “Memorias” (“Memories”) was composed in 1992 by Dr. Ricardo Dal Farra at the Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA) of Stanford University, United States. The residency at Stanford was thanks to an invitation from CCRMA and a grant from the Rockefeller Foundation. A chain of events, sometimes shocking us, sometimes touching us, sometimes knocking us over and over again, and even sometimes almost looking unrelated, were giving shape to these partial Memories. This piece was produced using the Common Music language and the real-time sound generation and processing capabilities of a NeXT computer. The sound synthesis techniques used were: FM and physical models of plucked strings. Memorias was a prizewinner at the National Rostrum of Composers of Argentina in 1993. Creadores | Creators Creadores | Creators Pat McMaster Alana DeVito Christophe Cinq Dorian Bell Connor Cook Malte Leander Ricardo Dal Farra UNIANDES Biografías Pedro Felipe Ramírez Realizó sus estudios de pregrado en la Universidad del Valle (1996-2001), principalmente en guitarra clásica con el maestro Clemente Díaz y en teoría, armonía y contrapunto con los maestros Mario Gómez-Vignes, Álvaro Gallego y Alberto Guzmán. Posteriormente realizó estudios de composición con el maestro Mario Gómez-Vignes y de contrapunto atonal con el maestro Álvaro Gallego. Obtuvo el Diplôme d’études musicales Spécialité Composition (D.E.M.) en el Conservatoire Jacques Thibaud de Bordeaux (2004-2007) con los maestros Jean-Yves Bosseur (composición) y Patrice De Faccio (escritura), destacándose en la U.V. de Contrepoint (anteriormente Prix de Contrepoint) con la más alta distinción otorgada por el jurado y siendo nominado al Prix SACEM de Contrepoint 2007. Posteriormente realizó su Maestría en Composición (M.Mus. Composition) en la Université de Montréal (2011-2012) con los maestros Alan Belkin (composición y orquestación) y François de Médicis (análisis). Su música se ha estrenado en China, Francia, Canadá y Colombia. En la actualidad se desempeña como Profesor Asistente del Departamento de Música de la Universidad de los Andes. Santiago Lozano Nacido en el seno de una familia musical, Santiago inicia sus estudios musicales a temprana edad. Luego de obtener su diploma en composición de la universidad de los andes bajo la dirección del maestro Luis Pulido; se traslada a Berlín a continuar sus estudios en musicología en la universidad Humboldt. En el campo de la composición cinematográfica su maestro principal ha sido Luis E. Bacalov quien orientó su trabajo de maestría en el Centro sperimentale di cinematografia en Roma Italia. Luego de obtener dicho título continúa su aprendizaje trabajando cómo orquestador del maestro Bacalov. Ha realizado la música para un gran numero de películas y diversos formatos audiovisuales en Italia, España y Colombia. Su interés como compositor se centra en la interacción con diferentes formas artísticas y el uso de la tecnología como recurso expresivo. Multimedia y transmedia están en el centro de su proceso investigativo y creativo, ejemplo de ello son sus óperas Incorpóreo y Violeta ópera modular. Sus composiciones han sido ejecutadas en una docena de países. Actualmente se desempeña como profesor asociado del departamento de música de la universidad de los andes en los campos de composición y composición para cine y medios. Jorge Gregorio García Moncada Compositor, diseñador de sonido e intérprete – PhD, Universidad de Birmingham, Reino Unido (2013), Master in Music de la Texas Christian University, Fort Worth, Texas, EEUU (2003), y Músico compositor, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia (2000) – Profesor asociado del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes, enfocado actividades de investigación / creación y docencia en los campos de la composición por medios electroacústicos, mixtos e instrumentales y la teoría musical. Es fundador y director de BLAST – Teatro de Sonido de Bogotá, Universidad de los Andes –, un sistema sonoro inmersivo multicanal de alta definición para la realización de conciertos a gran escala de obras musicales con formatos mixtos y electroacústicos. Es director del Festival Internacional de Música Electroacústica SPECTRA. Érik Baqueiro Premio al mejor diseño sonoro en el IV Festival Internacional de Teatro “Hermandades”, Mérida, Yucatán, 2019. Ha presentado obras en el Festival Internacional Camerata 21 (2013, 2018), en la Muestra Nacional de Teatro (2015, 2016, 2017), en el Festival Internacional de las Luces, Mérida (2017, 2018), en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (2017), en el 12o Encuentro Internacional de Escuelas Superiores de Teatro (2018), entre otros. Ha expuesto en la Sexta Conferencia Internacional de la Sociedad para la Matemática y Computación en Música (2017), en el Coloquio en Educación Auditiva y Teoría de la Música, UNAM (2018, 2019), en el Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes, Universidad Veracruzana (2019), en el V Coloquio Internacional de Educación Musical a Nivel Superior, Universidad Autónoma de Aguascalientes (2021), entre otros. Profesor de teoría y composición en la Licenciatura en Artes Musicales y en la Maestría en Artes Musicales, director del área de Investigación de la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Catalina Peralta Prof. Asociada de la Universidad de los Andes Bogotá - Colombia Compositora (medios acústico-instrumental y electroacústico, en diversos formatos como: música de cámara mixta, orquesta, música de cámara puramente instrumental y vocal, live electronics). Desde 1996 es profesora de Composición acústica-instrumental, música electroacústica y experimental; actualmente es Profesora Asociada del Departamento de Música de la Universidad de los Andes, en Bogotá D.C. Estudió Composición (1er y 2do Diplomas) en la Escuela Superior de Música y Artes Representativas de Viena (Austria) con Francis Burt, hizo una Especialización en el Instituto de Música Experimental y Electroacústica de Viena, en la cual se le otorgó Diploma de excelencia (W. Zobl, D. Kaufmann), y obtuvo su grado de Magistra Artium (Magistra der Künste) en la Universidad Mozarteum de Salzburgo, Austria (2007). Entre 1986 y 1994 participó en giras internacionales con el "Singverein de Viena". Ha participado en diversos festivales como Kontakte VIII, Berlín; Acustica 89, en Viena, Primavera en La Habana, Cuba, entre otros. En 1992 recibió una mención honorífica en el Prix Ars Electronica, Linz, Austria. Entre 1993 y 1994 perteneció al “Foro de Música de Viena”. Es importante destacar, entre algunas de sus obras, Recitativo elettronico II, “Réquiem Sobre Una Muerte Imaginaria” para flauta y electrónica en vivo y Oír Es Ver, versión de su obra radiofónica Soliloquio Del Retorno. Participación en diferentes Simposios, Asambleas y Festivales nacionales e internacionales con sus obras Notas de programa Pedro Felipe Ramírez 2 canciones de La obra “Sobre la tierra y descalzos, ciclo de 4 canciones para voz (barítono-bajo), piano y cuarteto de cuerdas, sobre poemas de Rómulo Bustos Aguirre” comprende las canciones (en orden): Tu cuerpo desnudo fluyendo, Palenquera, El pajarero y Mandarinas. El ciclo fue estrenado en el Auditorio Mario Laserna de la Universidad de los Andes, en abril de 2018 y está próximo a ser publicado. 2 Audio Track corresponde a la canción 2 del ciclo: Palenquera 4 Audio Track corresponde a la canción 4 del ciclo: Mandarinas Santiago Lozano Los fragmentos seleccionados hacen parte de mi ópera “Violeta, ópera modular” Corresponden a diferentes momentos en el recorrido del personaje principal hacia la recuperación de sus memorias. - “Jornada” Es un fragmento pequeño de algo que sucede con diferentes textos en diferentes momentos de la ópera. Es la sonoridad que corresponde a la rutina de trabajo de nuestro personaje, es la anulación de la memoria a través de la homogeneización y la mecanicidad. La sección se construye a través de Patches de sintetizadores modulares que modifican en tiempo real los sonidos vocales de los trabajadores. Interprete en el fragmento: Daniel Soler -“El sueño” Es uno de los primeros momentos que impulsan a Violeta hacia su liberación. Los recuerdos de la madre, de la tierra, de los oficios llegan en forma de olores y sonidos y se presentan a ella mientras duerme de manera acusmática multicanal. Interprete: Maria del Sol Peralta -“Reconocimiento” Este fragmento sucede en un momento más avanzado del despertar de Violeta. El encuentro con otra víctima le sirve de espejo, escuchar, ver, oler a la víctima y entender que comparten un mismo destino es el último paso hacia el final de la pieza. Interpretes: Ana Maria Moreno, Claudia Ávila Jorge Gregorio García Moncada Fragmento 1 Acceso a obra completa: https://soundcloud.com/jorge-garcia/recuerdo-jose-om-reduccion-a-estereo Nuestras crónicas, memorias del 9 de abril. Pieza 3, Recuerdo, José OM, para soporte fijo de audio. Fragmento de 1:58 “El pasado no puede por menos de ser parcial, ni puede por lo menos de ser algo reconstruido y reinventado. Nunca se cosechan en él sino las verdades de hoy. Si nuestro presente es hijo del pasado, nuestro pasado es hijo del presente. Y el futuro será el secador de nuestras bastardías”. Amin Maalouf, Orígenes (2004). Una historia de desplazamientos, de miedo… de ese profundo dolor por tantos seres amados que la violencia de nuestro país constantemente nos ha arrebatado del seno de nuestras familias, se volvió sorpresivamente – en una sola noche – también en mi historia. Fragmentos 2 y 3 Acceso a obra completa: https://soundcloud.com/jorge-garcia/sets/la-historia-de-nosotros-ciclo La historia de nosotros (2010-2013), ciclo para percusión y electrónica en cuatro partes. Música: Jorge Gregorio García Moncada. JORGE GREGORIO GARCÍA MONCADA. La historia de nosotros, ciclo en cuatro partes para percusión y medio fijo sonoro (formato octofónico). (2011-2013). La historia de nosotros (2011-2013) es una obra musical para medios electrónicos e instrumentales a cuatro partes. El ciclo de piezas, compuesto para electroacústica en formato inmersivo surround y percusión en vivo, explora - entre otros aspectos musicales - el diálogo y el contraste posible entre los instrumentos de percusión y el medio electrónico. La obra se fundamenta en el uso de material de archivo sonoro y es ese recurso discursivo el que le concede el carácter contextual al hecho histórico que refiere. Con una evocación al sonido como lenguaje sagrado para las culturas ancestrales, el compositor Jorge Gregorio García Moncada (Bogotá, 1975) presenta una pieza monumental sustentada en el estudio de un corpus de crónicas mitológicas e históricas del grupo étnico los Huitoto (Amazonía). Con énfasis en episodios desgarradores vividos a causa del llamado holocausto amazónico, García pone en escena un montaje experimental en el que yuxtapone sonoridades antiguas y contemporáneas con fragmentos testimoniales y literarios que le entregan un acento crítico a la obra y que cuestionan los relatos históricos oficiales. La historia de nosotros - en su totalidad - está cargada de dolor, el oyente experimenta la emergencia de un espacio-tiempo convulso. García introduce al público en un lugar sin nombre donde la estética del sonido reanima los fantasmas de la historia. Érika Martínez Cuervo (2019). Noino Buinaima, Pieza 4 para soporte fijo de audio. NÓINO BUINAIMA - In memoriam Walter E. Handenburg. Medio fijo sonoro (formato original multicanal en 8.0). “El cuarto poste, á:marié, es ubicado a oeste, marcado por el sitio donde se anuncia la luz, la potencia del sol asociada a la potencia de actuar que le transmite al chamán el unásí (“yagé de anaconda). A “unásí” le corresponde la coloración “hiárede”: rojo o coloración del poder y la fuerza chamánica. […] El “ser ancestral” y su baile de anaconda (“dadora de nombres”), se inscriben en el poste ‘á:marie’. (Torres, 1998). […] O puede ser que el creador sea solo corazón, corazón bueno, corazón que habla, un ser sin extremidades, solo corazón. Entonces ese corazón busca las palabras con las que él mismo fue formado. Y así la palabra, que es solo vibración, será el elemento con el cual se construya todo. Por eso, en el fondo del canasto cósmico donde reposa lo primordial solo hay palabras, solo aire, solamente ilusión, solo sueño. Pero los Huitoto ven más allá: es necesario generar el órgano que permita ver lo que va a ser primero. Es que sin un contemplador nada existe”. (Urbina Rangel, 2010). Zikida Biunaima, Pieza 2, para soporte fijo de audio ZIKIDA BUINAIMA - In memoriam Roger Casement. Medio fijo sonoro (formato original multicanal en 8.0). “El segundo pilar, ména, es ubicado al norte, marcado por el fogón ‘jibiéberamu’ (fogón para tostar la coca) como el sitio en la maloca que da inicio a la ritualidad de la transformación de la coca (jíbina) en ‘jibie’ (“mambe”), hoja del saber que disemina la palabra-saber y la potencia de conocer del chamán. Al jíbie le corresponde la coloración ‘mikórede’: verde. […] Con el segundo baile, el baile de Zikíi, deviene Zikída Buinaima – el hijo de la mitad – asociado a la potencia de conocer que permite la coca, el cual traza para acceder a alianzas con los animales del monte: es el baile de la cacería”. (Torres, 1998). Catalina Peralta Fragmento de: “... Igitur o la locura de Elbehnon”, para recitador (barítono), tape y procesamiento en vivo, de Catalina Peralta C. (2008-2015). - Composición, proyección sonora y procesamiento en vivo: Catalina Peralta C. - Intérpretes: Recitador (barítono) en vivo: Carlos Salazar; Recitador (barítono) en el tape: Guido Ebi. Fragmento de: “... Igitur o la locura de Elbehnon”, para recitador (barítono), tape y procesamiento en vivo, (2008-2015), Catalina Peralta Basado en el poema en prosa de Stèphane Mallarmé: Igitur o La Locura de Elbehnon Surge a la manera de estudio y reflexión sobre la lectura de Igitur o la locura de Elbehnon de Stéphane Mallarmé, como una mirada al espacio acústico dado a Igitur niño, quien lee su tarea a sus antepasados. Este espacio en el cual está Igitur, rodeado de sonidos virtuales elaborados a partir de muestras vocales e instrumentales, se sumerge en ambientes colorísticos y da paso a un nuevo sentido semántico reordenado linealmente. (Beca nacional 1999-Ministerio de Cultura). Corresponde al material desarrollado para la obra "PSICOPATIA IGITUR O LA LOCURA DE ELBEHNON, en donde un duo de clarinetes, como instrumentos acústicos, amplían sus funciones musicales a través del procesamiento y mezcla en estudio, almacenados en cinta, acercándose más y más a la electrónica en vivo; también recreando un "quasi parlato" instrumental de un cuerpo de cuerdas doble (violoncello y contrabajo) virtual. Así mismo, entre cuerdas y voces lejanas, dos tomas de pájaros: por una parte Streptopelia Turtur, junto a un fondo de otras voces de pájaros diversos, y de un gallo salvaje (Lyrurus Tetrix) configuran el material principal basado en un núcleo corto, 6 partes independientes, vivas. Este núcleo determina la forma, a través de ejes sonoros tímbricos, densos, cortantes, interrumpidos, se contempla dominando el cierre, como en una superficie descolorida, "...allá afuera...", desapareciendo. Para el procesamiento de la voz en vivo, se utilizó el sistema KYMA (Paca). Creadores | Creators Creadores | Creators Pedro Felipe Ramírez Santiago Lozano Jorge Gregorio García Moncada Matías Torres Bravo Catalina Peralta Daniel Blinkhorn - frostbYte Daniel Blinkhorn Daniel is an Australian composer, sound and new media artist currently residing in Sydney. He has worked in a variety of creative, academic, research and teaching contexts, and is currently lecturer in composition and music technology at the Conservatorium of Music, University of Sydney. He is an ardent location field recordist, where he has embarked upon a growing number of recording expeditions throughout Africa, Alaska, Amazon, Australia, Cuba, West Indies, Mexico, Madagascar, Middle East, Northern Europe, and the high Arctic/ North Pole region of Svalbard. His creative works have received over 40 citations at prestigious international and national composition awards, and whilst self-taught in electroacoustic music, Daniel has formally studied composition and the creative arts at a number of Australian universities. More information about Daniel, as well as samples of his work can be found www.danielblinkhorn.com Program Valiha valiha is named after a zither I encountered in the small seaside fishing village of Ifaty, in the Mozambique channel of Madagascar. The instrument is entirely cylindrical in design, reflecting the primary material from which it is constructed, bamboo. I found instrumentalising the zither in a conventional sense to be uniquely challenging, so I decided to attempt to unlock its richly evocative potentiality by transforming 5 simple, plucked, pizzicato gestures into a piece that extends well beyond the physical confines of the zither. In doing so the work evokes the natural elements and energies embedded within the origins of bamboo (water, grass, wind) and recycled telephone wires and discarded bicycle brake cables that are repurposed as strings. Timbres redolent of steel, bamboo and liquid jostle and collide amongst windswept textures, creating a biomimetic soundscape recounting the life force of the instrument itself. kibuyu Off the coast of Tanzania, on the small island of Zanzibar I happened upon a bazaar in Stonetown with all manner of beautiful African instruments. I found myself drawn to a small, hand made kibuyu. This humble instrument buzzed and creaked and was far from perfect, yet striking a tine was instantly so musically agreeable. Kibuyu in Swahili translates to ‘Calabash’ and is the box resonator used in the construction of the instrument. I wanted to use the term as a metaphor similar to the phenomenon of seashell resonance, except in this instance, as one holds the kibuyu against their ear they don’t hear sound redolent of the ocean, but rather a more dynamic abstraction of sonic imagery resounding well beyond the instrument itself and deep into the island of Zanzibar and the many evocative soundscapes it contains. All the material within the composition comes from the striking of three tines of the kibuyu, with no additional sonic material employed within the piece. Zanibar is a UNESCO World Heritage Site. red sound anthozoa Creadores | Creators Creadores | Creators Daniel Blinkhorn ESAY Biografías Amaury León Sosa Ha creado música para diferentes proyectos que abarcan desde lo escénico, pasando por danza y teatro hasta colaborar con diferentes universidades en los Estados Unidos y México. El 2021 ha servido para presentar el EP con el proyecto Wirowero, el cual consta de 5 piezas de música dance, fusionando música electrónica con instrumentos acústicos como lo son, la trompeta y el acordeón, así como también, componiendo música para el proyecto, la niña de maíz y sal, de la compañía de teatro oveja negra. El 2020 comienza con el proyecto “Fanfarrias en el aire” creado por la compañía de artes escénicas Ilaii. En 2019 graba un segundo material discográfico en colaboración de su maestro Leroy Osmon y profesores de la Universidad Tecnológica de Tennessee. Este material presenta “Bocanada, rapsodia para diez instrumentos”. También en este año se suma al equipo del Centro Cultural Olimpo como operador de audio. En el 2018 se graba el primer material con la Universidad Tecnológica de Tennessee, en el cual se estrenan tres composiciones para pequeños ensambles: Sprinklers, para quinteto de percusiones, Brass trio, para tuba, eufonio, y corno francés, y Energy, para sexteto de tubas y quinteto de percusiones. Actualmente miembro de la Banda Sinfónica Luis Fernando Luna Guarneros, de la cual es miembro desde el año 2013, siendo esta la agrupación que ha estrenado 5 de sus trabajos realizados para banda sinfónica. En 2012 funda el ensamble de alientos Alebrije. Blanca Fuentes Blanca Fuentes es una música yucateca, originaria de Mérida. Inicia sus estudios musicales en el centro musical "José Jacinto Cuevas" (CEMUS), al mismo tiempo, que cursaba el bachiller de artes y humanidades CEDART “Ermilo Abreu Gómez”. En agosto de 2020, egresa de la licenciatura de artes musicales, en la especialidad de piano en la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Como pianista, se ha presentado acompañado a diferentes coros en distintos escenarios, tanto en el interior del estado, como fuera del país. Fue pianista titular del coro de “Niños Cantores de Yucatán” de 2015 – 2018, al cual acompaño en diversos eventos, como: los conciertos de inauguración del Festival Internacional de la Cultura Maya de 2016 y 2017; el Festival Internacional de Coros de Yucatán 2016 y 2017; los conciertos de Fomento Cultural Banamex en el interior del estado de 2017; y los conciertos del Año dual México-Alemania de 2016, en Berlín, Alemania. En marzo de 2020, participa como pianista acompañante de la coral femenina “Voces Claras de Yucatán”, en el Primer Encuentro Internacional de Mujeres en el Canto, en Quito, Ecuador. Como compositora, ha tomado diversos cursos y talleres, como: “Introducción a supercollinder”, impartido por el mstro. Otto Castro a través de la Universidad Rafael Landivar de Guatemala, taller de arte sonoro por el compositor Alberto Cerro, entre otros. Ha presentado sus piezas en diferentes conciertos como “Nuevos valores en la música de concierto. Clásicos del futuro” de la ESAY en 2015 y en el “Concierto de música de jóvenes creadores, para dos guitarristas” de 2016 por el dúo de guitarras "Puente Clavijero". En Julio de 2019, su pieza para ensamble de metal y percusiones “Estampa Yucateca”, gano el concurso de composición, en la categoría de cámara, en el Primer encuentro de músicos de cámara y sinfónicos yucatecos, que organizo la asociación civil, Kunst&Music. También ha compuesto la banda sonora de diferentes cortometrajes y cineminutos, como: En mi hogar y Arañas, de director Elías Pérez Chacón; Promesas de Libertad de la directora Deifi Lizama; Buñuelos para Clara, del director Josué Moguel; y Nunca es tarde para empezar de nuevo, del director Gerardo Chan. En marzo de 2021, organiza el ciclo online de ponencias y entrevistas “Mujeres músicas contemporáneas”. Eduardo Orlando Rivas Vázquez Compositor, improvisador y artista multidisciplinario nacido en Mérida, Yucatán en 1995. Inició sus estudios musicales como clarinetista en el Centro de Música José Jacinto Cuevas (CEMUS) bajo la tutela de Paolo Dorio. Ha sido músico invitado de la Orquesta Sinfónica de Yucatán. Actualmente cursa la Maestría en Artes Musicales, opción “creación”, bajo la tutela del Dr. Javier Álvarez y el Dr. Byrt Wammack Weber en la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY) donde, también bajo tutela del Dr. Álvarez, concluyó la Licenciatura en Artes Musicales con especialidad en composición. Ha realizado estudios de composición con Javier Álvarez, Marcelo Toledo, Erik Baqueiro, Elías Puc, entre otros. Así como improvisación con Armando Martín. Del mismo modo ha realizado revisión de obra, talleres y clases magistrales con Eva Zöllner, Heather Roche, Juan Sebastian Lach Lau, Roberto Morales, Mauricio Valdés, Alejandro Basulto, el ensamble de percusiones “Tambuco”, CEPROMUSIC, entre otros. De formación y carácter ecléctico, su música ha sido tocada por el dueto Zöllner-Roche (Alemania), el ensamble Sequenza Sur (México), entre otros, así como en foros tales como el Festival “Aires Nacionales” de la FaM-UNAM en sus ediciones 2019 y 2020 y el Festival de música con nuevas tecnologías “Visiones Sonoras” 2020, organizado por el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) con sede en Morelia, Michoacán. Su trabajo abarca desde la música instrumental, hasta la electroacústica, electrónica y los audiovisuales, siendo estas últimas las áreas de su mayor enfoque e interés actualmente. Beneficiario del PECDA en su emisión 2018, así como del Programa de “Creadores Jóvenes en Municipios” de la SEDECULTA Yucatán en 2019. Su obra “Comienza a vomitar la luz: no-homenaje a mi no- santito predilecto” recibió una mención honorífica en el Premio Estatal de Composición de Yucatán “Daniel Ayala Pérez” 2020, en la categoría “Música de concierto: electroacústica”. Érik Baqueiro Premio al mejor diseño sonoro en el IV Festival Internacional de Teatro “Hermandades”, Mérida, Yucatán, 2019. Ha presentado obras en el Festival Internacional Camerata 21 (2013, 2018), en la Muestra Nacional de Teatro (2015, 2016, 2017), en el Festival Internacional de las Luces, Mérida (2017, 2018), en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (2017), en el 12o Encuentro Internacional de Escuelas Superiores de Teatro (2018), entre otros. Ha expuesto en la Sexta Conferencia Internacional de la Sociedad para la Matemática y Computación en Música (2017), en el Coloquio en Educación Auditiva y Teoría de la Música, UNAM (2018, 2019), en el Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes, Universidad Veracruzana (2019), en el V Coloquio Internacional de Educación Musical a Nivel Superior, Universidad Autónoma de Aguascalientes (2021), entre otros. Profesor de teoría y composición en la Licenciatura en Artes Musicales y en la Maestría en Artes Musicales, director del área de Investigación de la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Moisés Canto Pérez es compositor mexicano originario del estado de Yucatán, donde se desempeña como profesor de guitarra clásica y lenguaje musical en el Centro Estatal de Bellas Artes de Mérida. Es Lic. en Artes Musicales con Especialidad en Composición Musical estando bajo la tutela de los profesores Elías Puc, Tere Novelo, Erik Baqueiro y el Dr. Javier Álvarez. Sus obras han sido estrenadas por el ensamble SequenzaSur conformado por músicos de la Orquesta Sinfónica de Yucatán. De la misma manera fue acreedor del Programa para el Estimulo y el desarrollo Artístico 2017. En 2019 fue ganador del primer concurso para composición para orquesta de guitarras de la Universidad de Querétaro. En el 2020 es beneficiario del programa ContigoEnLaDistancia y ganador con su obra Tres Instantes Narrativos para ser interpretada y grabada por el Trío Kinich en el Festival Expresiones Contemporáneas. En el 2021 es ganador de la residencia virtual con el Guitarrista Jorge Birrueta para estrenar,grabar y difunfir la obra Para el Que Es y Será. Actualmente continua su desarrollo musical en la especialidad de composición con el Mtro. Leonardo Coral. Tobías Álvarez Notas de programa Bocanada Rapsodia para diez instrumentos Pieza que surge como un respiro y funciona como un retiro al cual se va llegando entre movimientos. La pieza es agitada y estresada con un flujo musical apretado y que pareciera huye de algo, las melodías son sencillas con la constante búsqueda de calma. Entonces eso que parecía estar agitado ahora es un espacio conocido y este espacio ofrece primero que nada un camino, posteriormente una reflexión que se ve interrumpida por una serie de ataques transformándose en una serie de respiraciones que se encuentran acorraladas, algunas otras respiraciones brillan de gozo y otras sufren confundidas, algunas respiraciones forman parte de una ofrenda colectiva y crean en armonía espacio para poder ofrecer un oasis con aire limpio. Al final una última respiración que es robada por un tren, hasta culminar el camino, con una respiración del grupo. Bocanada, Rhapsodia para diez instrumentos (7 alientos, 3 percusiones). El beso Piano y electrónica Es una pieza inspirada en la pintura sobre el óleo y laminillas de oro y estaño, de Gustav Klimt. La pintura muestra a dos enamorados sobre un fondo dorado opaco, mientras ellos resplandecen en colores lúcidos “al amarse”. La obra de piano y electrónica, al igual que la pintura, trata de evocar esas tres percepciones visuales, a través de los timbres de los sonidos que suceden. A nivel conceptual, podemos identificar que estas tres percepciones corresponden al grado de abstracción de la realidad en la fase de enamoramiento en una relación de pareja. En primer plano tenemos los sentimientos de la pareja, en segundo plano la energía que emanan, y en el tercer plano la abstracción de su entorno como algo poco relevante. De esta manera, el dueto de piano y electrónica nos transporta a una pintura. Comienza a vomitar la luz (No-homenaje a mi no-santito predilecto) "Comienza a vomitar la luz" es un poema del infrarrealista Mario Santiago Papasquiaro. Cual es característico del autor, este refleja una profunda visceralidad que desde hace años me resulta tremendamente seductora. La idea de “vomitar la luz”, como si de un proceso de expulsión visceral se tratase, me genera múltiples escenarios expresivos que eventualmente dieron forma a la obra en cuestión. No obstante, el carácter de la misma no es programático: el propósito del texto es generar pautas al interior del mecanismo musical. Cual la luz se descompone dando lugar al espectro visible, la música no es ajena a procesos de atomización semejantes que puede generar estructuras de pluridimensional expresividad. Partiendo de esos dos motores, el acto de excretar visceralmente y de la descomposición del espectro, “Comienza a vomitar la luz” desdobla una dinámica en la cual determinados materiales son pivotados por asociaciones que pueden ir desde el registro, hasta su fuente o causalidad. Surge en este ejercicio, consecuentemente, una dinámica de catarsis a partir de todos aquellos elementos que he podido recolectar mediante procesos de grabación, síntesis o articulación, de modo que la otredad del espacio computacional en el que me veo situado, hoy más que nunca en tiempos de pandemia, se vuelve un ecosistema apropiado para un recorrido en el que, navegando por entornos cognitivos diversos, trazo un bosquejo de mi propia experiencia e identidad. La idea de “no-homenaje” parte de que en un ejercicio de apropiación del poema, di con un resultado que habla mucho más de mí que de Papasquiaro; y que incluso, me atrevo a decir, puede que sea diametralmente opuesto a la esencia misma del poeta. Aunque ya no se encuentra en nuestro mismo plano, es probable que me haya ganado una buena mentada de madre por componer esta obra. No podría sentirme más orgulloso. Insight-ikigai En contagio gravitatorio con Pallant (2018), “siempre estamos en movimiento”. Caminamos, giramos perillas, empujamos puertas, levantamos tazas, arrastramos sillas (“esencialmente realizamos una serie infinita de movimientos”). Pienso que en este quehacer diario es donde podemos descubrir cierto conocimiento significativo (insight) y también donde podemos encontrar eso que nos invita a levantarnos cada mañana (ikigai). Estos sonidos se gestaron para la pieza coreográfica "Insight: la traición de las imágenes" de Randia de Sofía ( creación colectiva, Inside Dance Festival, MID vol. 2, Mérida, Yucatán, México, 21 de noviembre de 2020). Voces de Merkel, Thunberg, Chan y Baqueiro. WaterElement WaterElement es una obra electrónica en estéreo, donde el material primario son las gotas del agua que van transformándose durante el discurso de la obra. De la misma manera se pretende envolver al escucha mediante su imaginación un ambiente que le permita conforme a sus experiencias personales estar inmerso dentro de un lugar oscuro, húmedo y resonante. Esto permitirá al escucha percibir sonidos como el goteo del dentro de una cueva, la lluvia intensa y el justo el momento en el que abres la llave de la toma del agua para generar un sonido intenso al golpear la misma en un recipiente. Interchange Creadores | Creators Creadores | Creators Amaury Leon Blanca Fuentes Eduardo Rivas Matías Torres Bravo Érick Baqueiro Tobías Álvarez Amaury Leon The Front - El aire trans Biografías Haydeé Virginia Jiménez MacFarland Haydeé Virginia Jiménez MacFarland (San Diego / Tijuana 1981). Artista transdisciplinar, activista cultural y comisaria. Cofundador de nettnettradio y nettnett Tijuana. Explorador en los reinos de los enfoques artísticos y holísticos para la curación a través de frecuencias de sonido, vibraciones y música de computadora. Compositor / productor / intérprete de música electrónica también conocido como Hi-D / Hidhawk / AyDD. Promotor de músicos y artistas experimentales / electrónicos de la región - Borderlandnoise Necking NECKING tiene su sede en San Diego y está formada por Nick Lesley, Amy Cimini & Scott Nielsen Formada en 2004, durante años Necking tuvo una formación que rotaba libremente. Durante los 10 años en Brooklyn, NY, la alineación se conformó con los miembros principales de Nick Lesley, Rop Vazquez y Dong-Ping Wong, con frecuentes contribuciones de Daniel Martens y Aleks Prechtl. Doctor 9 Doctor9, es un grupo de improvisación de guitarras, batería, flauta, voz, sax y electronica, explotando afinaciones alternativas y respuestas rítmicas en un intrincado intento de abandono the se derrama vorazmente hacia la adivinación. Francisco Eme Francisco Eme, (1981) es originario de la Ciudad de México y actualmente vive y trabaja en San Diego, CA. Francisco es compositor y artista multimedia. Crea instalaciones, intervenciones y performances musicales, sonoras y multimedia. Su trabajo se ha presentado en todo el mundo, específicamente en México, Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Francisco es el actual Director de Galería en The FRONT Arte & Cultura, galería de arte transnacional en la región fronteriza de San Ysidro, EE. UU. - Tijuana, Mex, donde cura exposiciones de arte, talleres y performances enfocados en la vida artística transnacional de la región, pero vigilando también la escena artística internacional. Notas de programa Espacio Toroidal De la serie audiovisual Camino Al Santuario producida en colaboracion con Evgueni Toroide / Este track tambien esta (featured) en la Tejeé. Luminous like a tree now Recorded and mixed by Andrew Munsey. Amy Cimini - viola Scott Nielsen - bass, guitar, electronics Nick Lesley - drums, vocals Organelle Recorded @ Nett Nett - Tijuana, Mexico (7/20/19) Mitchell Brown - Drums // Kelly Coats - Keys // Mike Meanstreetz - Guitar // Felix Salazar - Guitar Unit of public address (sobre brutalidad policial) Música realizada a partir de fragmentos de decenas de canciones de varios artistas hablando de la policía. Como instalación sonora, esta pieza se reproduce en dos megáfonos militares estadounidenses de la época de la guerra de Vietnam. Creadores | Creators Creadores | Creators Haydeé Jiménez Necking Doctor 9 Francisco Eme ENES Biografías Emma Wilde Emma Wilde nació en Manchester, Reino Unido. Estudió composición y clarinete en la Universidad de Mánchester y recibió la beca McMyn para realizar estudios doctorales en composición. Su música ha sido descrita como “hábilmente organizada” The Financial Times y “técnicamente bien hecha” The Times. Sus obras han sido interpretadas en los festivales más importantes del Reino Unido, México, Australia, EE.UU y Europa. Fue compositora seleccionada en el prestigioso programa de la Orquesta Sinfónica de Londres, Panufnik Composers Scheme 2017. Su obra Tijax fue estrenada por la misma orquesta bajo de la dirección de Francois-Xavier Roth en Marzo del 2018. Entre sus comisiones recientes se incluyen El Blanco Día para la London Sinfonietta, estrenada en The Queen Elizabeth Hall, Londres, y El Hilo del Tiempo para The Royal Northern Sinfonia, presentada en el Festival New Year New Voices 2018 en Sage, Gateshead, Reino Unido. Fue galardonada en los concursos internacionales, Royal Overseas League Composition Award 2020 con la London Sinfonietta, OPUS 2016 del Britten Sinfonia, Concurso internacional de composición 2017 del Scottish Chamber Orchestra y el premio Nuestra América 2017 del Cuarteto José White. Su obra se encuentra grabada bajo el sello discográfico NMC Recordings y disponible para descarga online. También Spotify la incluyó en la compilación “Classical Accordion”. Mario Duarte Mario Duarte (CDMX, 1984) es un compositor interesado en el cruce entre Arte y Ciencia. Estudió Composición y Musicología en el CIEM en la Ciudad de México y en el Trinity College London, UK. Realizó estudios de Maestría y Doctorado en el NOVARS Research Centre, The University of Manchester en el Reino Unido. Posteriormente, realizó una estancia posdoctoral en la UNAM para investigar procesos de enseñanza-aprendizaje de la música y la tecnología en comunidades rurales en Michoacán. Fue seleccionado en el Earshot New Music Readings 2019, American Composers Orchestra. Ha sido galardonado como compositor residente del año dual MX-UK 2015 en el CMMAS, Sound and Music y la Universidad de Huddersfield. Concurso de Composición del FIMNME 2015, Concurso “150 Años del Conservatorio Nacional” 2016, Concurso de Arte “Grupos Vulnerables” de La Asamblea Legislativa del DF 2014 y el Primer Concurso Janácek/Revueltas 2008. Ha obtenido becas y financiamiento académico por McMyn Award, The University of Manchester; FINBA, CONACYT, DGAPA-UNAM y FONCA-CENART. Su tesis de Doctorado, por su relevancia especial en la intersección entre Arte, Ciencia y Tecnología, fue incluida en la lista Top-Ranked Thesis 2019 del Leonardo Journal del MIT. Su música ha sido interpretada en México, Reino Unido, Italia, Bélgica y la República Checa por la BBC Philharmonic, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Manchester Chamber Orchestra y Little Giant Chinese Chamber Orchestra. Mario fue maestro de primaria y secundaria en la Ciudad de México, profesor asistente de composición en la Universidad de Manchester y actualmente es profesor de tiempo completo en el área académica de Composición y Creación de la Licenciatura en Música y Tecnología Artística de las Escuela Nacional de Estudios Superiores, Unidad Morelia de la UNAM. En el 2020 se incorporó al Sistema Nacional de Creadores de Arte de la Secretaría de Cultura. Tonalli R. Nakamura Estudió la licenciatura en composición musical en la Facultad Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolas de Hidalgo. Especialista en música con nuevas tecnologías en los campos de: música acusmática, música contemporánea instrumental, Visual Music y live electronics. Ha presentado y estrenado obra en festivales alrededor del mundo, en países como España, Francia, Grecia, China, Japón, Rusia, Escocia, Irlanda, Inglaterra, Alemania, Bélgica, Canadá Argentina, Colombia, Chile y México. Program Comachuén Durante una estancia en Comachuén, Michoacán, cada mañana me despertaron los sonidos de las campanas de la iglesia y me llamó mucho la atención sus cualidades musicales. Decidí grabarlas para luego explorarlas en una pieza. La pieza combina esas grabaciones con sonidos sintetizados que exageran y extienden los ritmos y resonancias de las campanas para crear un paisaje sonoro imaginado. Jornalero Jornalero es un paisaje sonoro social que retrata el jornal de trabajo de los niños en el campo de una población del estado de Michoacán. Esta pieza utiliza grabaciones del entorno auditivo de esta comunidad que incluyen sonidos naturales, la música que escuchan y otras sonoridades encontradas. Estos materiales han sido transformados para crear un paisaje sonoro social. Medula espinal Creadores | Creators Creadores | Creators Emma Wilde Mario Duarte Tonalli R. Nakamura Francis Dhomont - Perpetuum mobile Francis Dhomont Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. An ardent proponent of acousmatics, his work (since 1963) is comprised exclusively of works for fixed media bearing witness to his continued interest in morphological interplay and ambiguities between sound and the images it may create. The Conseil des arts et des lettres du Québec has awarded him a prestigious carreer grant. In 1999, he was awarded five first prizes for four of his recent works at international competition (Brazil, Spain, Italy, Hungary and Czech Republic). In 1997, as the winner of the Canada Council for the Arts’ Victor Martyn Lynch-Staunton Award, he was also supported by the DAAD for a residence in Berlin (Germany). Five-time winner at the Bourges International Electroacoustic Music Competition (France) — the Magisterium Prize in 1988 — and 2nd Prize at Prix Ars Electronica 1992 (Linz, Austria), he has received numerous other awards. He is the editor of special issues published by Musiques & Recherches (Belgium) and of Électroacoustique Québec: l’essor (Québec Electroacoustics: The Expansion) — for Circuit (Montréal). Musical coeditor of the Dictionnaire des arts médiatiques (published by UQAM), he is also lecturer and has produced many radio programs for Radio-Canada and Radio-France. In 1978-2004, he has divided his time between France and Québec, where he has taught at the Université de Montréal from 1980 to ’96. Since the fall of 2004 he lives in Avignon (France) and regularly presents his works in France and abroad. Great traveller, he participates in several juries. He is an Associate Composer of the Canadian Music Centre (CMC, 1989) and a Founding Member (1986) and Honorary Member (1989) of the Canadian Electroacoustic Community (CEC). In October 2007, Université de Montréal awarded him a honoris causa doctorate. He is the president of the collective Les Acousmonautes (Marseille, France) — until its dissolution in 2016 — and “Ehrenpatron” (honour patron) of the organization Klang Projekte Weimar (Germany). He is awarded the Qwartz Pierre-Schaeffer 2012 (Paris, France), Baiocco d’oro 2012 (Perugia, Italia), and the Grand prize of the Giga-Hertz-Preis 2013 (Karlsruhe, Germany). In November 2014 he becomes an Honorary Member of the International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM). In 2017 he becomes the Honorary President of the Festival Klang! (Montpellier, France). He now focuses on composition and theory. Notas de programa Perpetuum mobile Phantom Rains (2019 - 15'00) Francis Dhomont To Christoph von Blumröder , acousmatic musicologist. Perpetuum mobile (Phantom rain) belongs to the category of my "abstract" works, those that have no other aim than the music itself, which do not refer to any representation other than musical, to no metaphor. Here, it is the project to associate, in continual agitation, musical parameters of multiple sources but of similar typo-morphologies: accumulations, various granulations, complex rhythmic figures, oscillating weavings, brief melisms, long ranges of outfits, splinters of heights. And yet, these purely material choices evoke, by their often random and accumulative behavior, the hazardous song of the rain (which makes a brief appearance) and its sound models: runoff, unpredictable agitation, repetitive cycles, lulls, but also lapping, waving , cascade flux. downpouring sometimes. Imagined rains or rain images? Phantom Rain was realized in the composer's personal studio in Avignon, France. World premiere on December 11, 2019, International Festival "L’espace du son", Théâtre Marni, Brussels, Belgium. Creadores | Creators Creadores | Creators Francis Dhomont Ionian University Biografías Anastasios Karaiskos Anastasios Karaiskos (Greek) is a young composer working in the field of instrumental, popular and acousmatic music. Vasilios Ioakimides Vasilios Ioakimides (Greek) is a visual and sonic artist. His work involves robotic devices, constructions with natural materials and soundscapes. Theodoros Lotis (Greek) He studied the guitar, flute, music analysis, electroacoustic composition and fine arts in Greece, Belgium and the UK. His music has been performed at festivals and conferences in Europe, Australia, America and Asia, and has received a number of awards and distinctions at Bourges, Sculpted Sound Composers Competition, Metamorphoses, Luigi Russolo, CIMESP and and Jeu de temps / Times Play. He was awarded the first prize at the Concours International de Spatialisation pour l’Interprétation des Ouevres Acousmatiques by Musiques et Recherches in Brussels. He has done commissioned work for Musiques et Recherches, Sculpted Sound Composers Competition, Amici della Musica di Cagliari, the festival Visiones Sonoras, the artistic research project Embodied Gestures funded by FWF Austria and the clarinetist Esther Lamneck. He has completed a Ph.D. in Music at the City University, London, thanks to grants from the British Academy, and the Foundation A.S. Onassis. Theodoros Lotis has been teaching electroacoustic composition and analysis at Goldsmiths College- University of London, the Technological and Educational Institute of Crete, the Aristotle University of Thessaloniki, Greece and Universities in Europe and America as invited composer. He is Associate Professor at the Ionian University, Corfu, Greece. He is founding member of the Hellenic Electroacoustic Music Composers Association and the Hellenic Society for Acoustic Ecology. His music has been released by Empreintes Digitales. Program Anastasios Karaiskos "Our Fate is Sealed" Combination of sounds, music genres in an electroacoustic landscape can be a fascinating journey both for the composer and for the audience. “Our fate is sealed” is the sustainable journey of life constructed and deconstructed through sounds and emotions. Vasilios Ioakimides "Breathing" for pneumatic devices A sonic installation for pneumatic devices investigating the breathing experience in the Covid-19 era. Theodoros Lotis "Voices" Voices of a protolanguage, voices of instinct reactions, voices that transmit instinctive expression, voices of humans and birds and frogs and voices of fear, surprise, intimacy, intrusion, complaisance, ignorance, caress. Voices uses as its primal material the voice of the director and musician Giorgos Nikopoulos from his film The Ox (recorgings: Giorgos Gargalas) and dance/body sequence recordings by Christina Mertzani, Enangelos Poulinas and Evangelia Randou. I want to thank them all for their expressivity and body sweat. Other sounds used are voice recordings (Agnese Banti), violin (Nikolas Anastasiou), clarinet (Esther Lamneck), percussion (Giorgos Stavridis). I also thank all my students who helped with the recordings. Voices is commissioned by the artistic research project Embodied Gestures (PEEK AR-399) funded by FWF Austria and had its premiere at the Echoes Around Me Festival 2020 in Vienna. Thanks to Thomas Gorbach and Enrique Tomás for initiating the commission. Creadores | Creators Creadores | Creators Anastasios Karaiskos Vasilios Ioakimides Theodoros Lotis JAMU Biographies Michal Indrák Indrák was born on 8th February 1982 in Krnov (Czech Republic) and is composer of contemporery and experimental music, improviser and librarian. In 2001-2003 he studied music education and mathematics at Masaryk University (Brno, Czech Republic). He graduated in composition at Janáček Academy of Music and Performing Arts in Brno in 2008 and finished Ph.D. studies in 2013. He is a member of the Brno Improvising Unit and Dunami ensemble. Indrák passed many courses on composition. In 2013 he participated in the Festival OSTRAVA DAYS 2013 with the composers Philip Glass, Christian Wolff, Bernard Lang, Petr Kotik and others. Michal wrote two books: Progression of musical forms in music of the 20th century with regard to the relationship to the music content and Formální a interpretační problematika smyčcových kvartetů Miloslava Ištvana with Štěpán Filípek. Michal teaches at FEKT VUT (Audioengineering) and Faculty of Music JAMU (Theory of composition and semiotics). Dan Dlouhý (Brno – Czech Republic, 1965) Composer, percussionist and instruments' creator, he is the founding member, artistic and stage director of the DAMA DAMA Percussion Ensemble, the duo CONVERGENCY and Art Inkognito. Graduate of Brno Technical University, in Nuclear Equipment (1983 – 88) and of JAMU in Brno in percussion performance (1988 - 92), composition with A. S. Piňos (1993 - 99) and Theory of Composition (Ph.D.) (1999-2002). He is the composer of more than 150 works and has performed in multiple occasions for both Czech and foreign radio and television. He has released 10 albums profiling the work of DAMA DAMA and CONVERGENCE, and worked as a musician and composer creating music for television and theater. Dan Dlouhy has received different awards from the Czech Music Fund, Czech Music Board, Generation 1995, Musica Nova 2000 and the European Percussion Ensembles Competition in Enschede. Since 2011 he is the head of the Department of Composition, Conducting and Opera Directing at the Faculty of Music of the Janáček Academy of Music and Performing Arts, Czech Republic. Jiří Suchánek Czech sound and media artist, musician and multimedia experimenter focused in building permanent audio-light installations that are usually interactive and placed in natural or public spaces. In his works he is connecting sound, light, sculptural objects, electronics + code with carefully chosen spaces. Through his work he explores relationship between nature, technology and durability of the electronic media in a wild climatic situations. He also performs with his experimental electronic music based on a sonification of atomic data. Jiří Suchánek studied atelier video-multimedia-performance (Keiko Sei, Peter Ronai) at Faculty of Fine Arts at Brno University of Technology. He attended several workshops and study fellowships. Currently he is at fellowship at the Institute of Sonology in den Haag. Since 2009 Jiří works as an assistant at Department of Audiovisual Technology at Faculty of Fine Arts Brno University of Technology where he teaches Audio technology and History of SoundArt. Jan Kavan Is a composer, cellist, programmer and game developer. He achieved master's degree and doctoral degree at JAMU in Brno (Composition and Theory of Composition) where he currently teaches composition, multimedia composition, interactive and electroacoustic music. In 1999, together with Ivo Medek, co-founded Ensemble Marijan - specialized at performing their own composed, comprovised and multimedia pieces. He is a member of a string quartet “Metamorphosis” and an international string formation “Rêve Général”. As a soloist he performed with North Czech Philharmonic, Czech Chamber Soloists and the Moravian Philharmonic specializing at contemporary classical music. He is long time member of an experimental ensemble tEóRia OtraSu. Apart from traditional composition he specializes in procedural, adaptive and live response music as well as multimedia compositions. He authored a book about Pure Data and often lectures about procedural and adaptive music at various events and conferences. As a game developer he worked on many titles and last year released multiple awards-winning psychological horror game “Someday You'll Return”. Otto Wanke After moving to Vienna, he began to study instrumental composition under Wolfgang Liebhart at the Konservatorium Wien. Additionally he started to study film composition under Iris ter Schiphorst and electroacoustic composition under Karlheinz Essl at the Music university of Vienna (MDW). Recently he has been active as a performer of electroacoustic music, working as a soloist as well as in cooperation with other musicians. 2018 he was employed as an assistant at the department of ethnomusicology at the music university of Vienna and he started doing PhD program with focus on spectral music (MDW Vienna, under Gesine Schröder). Program notes Michal Indrák: Piece in rotating phase The inspiration for the piece was the sound research of a simple, but internally very complex micro event sound stretched in time and space, which undergoes morphing in its individual partial of sound spectra. This main sound event is the process of brewing coffee in a mocha press as a symbol of the transformation of things by the activity of an external inputs into very sophisticated and unlinear shapes. The process of brewing coffee as a rotating ritual of a recurring event that brings expectations from brand new day. Otto Wanke: Cycling The initial idea came to me while working in Max/MSP. By placing the limiter to the outlet of several delay lines, various gestures were shaped using extreme feedback. Afterwards the piece was divided into four sections, characterized by different forms and effects of the feedback. The initial feedback procedure was further developed into the compositional process within the sound synthesis. The feedback effect was also associated with different repetitive structures, which were linked to the related compositional techniques like granular synthesis, beat slicing or scrubbing. Dan Dlouhý: Voices The intentionally stylistically versatile composition from 2020 uses a variety of musical material from transformed sounds of the environment, through modified voices to instrumental passages with the names of jazz and contemporary classical music. Different musical atmospheres with occasional vigor of the musical and sound excerpts are built in contrast to the fragility of the vocal expression, which always re-emerges despite repeated silencing. Jiří Suchánek: Tranfers, composed 2018 for Radiocustica, radio Vltava Moves cause further moves. Empty spaces fill up over time and overfull accelerates. Simultanous movement of money, people, information, rubble, planets, responsibility, love, photons or attention. The common denominator is the complexity and incomprehensibility of hyper-parallel movements, in which one tries (probably within the instinct of self-preservation) to make order at least for a short time. Flashing moments of the effort to see and clarify are intertwined with the composition, as well as the rush of chaos and hard-to-catch events over time. Prefered is the perception of sound and its spectromorphology as a symbol. I am close to understanding composition as nature - a dynamic, non-linear system, where events never repeat exactly the same and each act in the overall process means something. Compositions is collage of recorded acoustic, synthesized (Kyma X, max/msp, Reaktor) and processed sounds. Jan Kavan: Distant Spaces, composed 5/2021 Distant Spaces is an electroacoustic composition inspired by a year-long COVID-19 lockdown when the only possibility to venture out was to close my eyes and imagine distant, surreal worlds far away from the Earth. The composition catalogues one such a trip where I met both friends and strangers while respecting the mutual both physical and spiritual distance. Creadores | Creators Creadores | Creators Michal Indrák Otto Wanke Dan Dlouhý Jiří Suchánek Real winter has no flowers Julio Shalom Soy Músico, compositor con más de 20 años entregado a recorrer la música en todas las vertientes posibles. Trabajo frecuentemente con performance callejeros y como músico carranguero. Como músico electroacústico he tenido algunos reconocientos y grabaciones con diversos colectivos musicales. Dayanne Díaz Colombiana, guacharaquera profesional y compositora con amplio conocimiento y trayecto en músicas populares Program Notes Qualia (2017) electroacoustic sound composition. duration 9:40 minutes Qualia was composed in the CEMI studios – Center for Experimental Music and Intermedia at the University of North Texas during 2017. The composition explores the experience of music from perception to sensation; the physical process during which our sensory organs – those involved with sound, tactility, and vision in particular – respond to musically organized sound stimuli. Through this deep connection, sound, space, and audience are all engaged in a multidimensional experience. The motion and the meaning inherited in the sounds are not disconnected from the sounds and are not the reason for the sounds but are in fact the sound altogether. Energy, movement, and timbre become one; sound source identification, cause guessing, sound energies, gesture decoding, and extra-musical connotations are not independent of the sound but vital internal components of it. Qualia are claimed to be individual instances of subjective, conscious experience. The way it feels to have mental states such as hearing frequencies at the lower threshold of human hearing or a piercing sound, hearing a Bb note from a ship horn, as well as the granularity of a recorded sound. It is an exploration of time and space, internal and universal. In Qualia, I do not experience musical memory as a sequence of instances but as a sensory wholeness that lasts the entire duration of the piece. The experience of sound itself is not sequential; it bypasses past or future; time becomes a single omnipresent unity. In this state of consciousness, time dissolves. The vibrating air molecules from the speakers, the reflections in the physical space, and the audience are the sound. Creadores | Creators Creadores | Creators Julio Shalom Nicolás Varchausky - Resonancias, Turbulencias & Explosiones: ciclo Purépecha Nicolás Varchausky Compositor, artista sonoro y docente-investigador de la Universidad Nacional de Quilmes y la Universidad Nacional de Tres de Febrero en Argentina. Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance, instalaciones, proyectos de archivo sonoro y sitio específico. Su obra investiga las relaciones entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Ha realizado música para teatro, danza y cine; y dirige el sello de música experimental Inkilino Records (inkilinorecords.net). Recientemente recibió la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica, la Beca Ibermúsicas y encargos de los Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt, el Centro Experimental del Teatro Colón CETC y la Fundación Pro Helvetia. Realizó su doctorado en el Digital Arts and Experimental Media Department (DXARTS), University of Washington, USA. Notas de programa Resonancias, Turbulencias & Explosiones: ciclo Purépecha La serie Resonancias, Turbulencias & Explosiones es un proyecto a largo plazo que se propone la exploración acústica del alfabeto, a partir de la creación de piezas electrónicas breves para sonido en 3 dimensiones. Cada pieza utiliza las componentes acústicas de un fonema diferente para revelar y desplegar el paisaje sonoro interior latente en él. La serie no pretende analizar una lengua en particular, sino explorar poéticamente la materia sonora del lenguaje, tomando sonoridades de diversas lenguas. En este caso se presentan en formato de video con audio binaural, 4 nuevas piezas de la serie compuestas a partir de grabaciones de la lengua P’urhépecha. El proceso compositivo utiliza técnicas de análisis y resíntesis para obtener la información espectral contenida en los fonemas de esta lengua originaria y proponer un viaje por ese universo íntimo, ínfimo y a la vez inabarcable. Resonancias, Turbulencias & Explosiones toma su nombre de las propiedades acústicas básicas de la oralidad: cuando hablamos, filtramos columnas de aire turbulento, hacemos resonar interrupciones periódicas de esas columnas y liberamos abruptamente presión acumulada debajo de la glotis. Estas piezas fueron compuestas en 2019 gracias a una Beca Ibermúsicas durante una residencia en el CMMAS, y contaron con el apoyo del Programa de Investigación I+D Sistemas Temporales y Síntesis Espacial en el Arte Sonoro (Escuela Universitaria de Artes-Universidad Nacional de Quilmes). 1. /tsï/ Para esta pieza utilicé la grabación de la partícula /tsï/ dicha por Juan Pascual González. Este sonido refiere a objetos ubicados en lo alto. Pascual, oriundo de Ocumicho, habla el P’urhépecha en su variante de la Sierra. La pieza explora en profundidad las complejas componentes de ruido presentes en este sonido. 2. /porki/ La segunda pieza utiliza el sonido /porki/ según fue dicho por Ricardo Ochoa Salvador, proveniente también de Ocumicho en la Sierra. La pieza trabaja sobre las sonoridades profundas que surgen de los sonidos vocales más tónicos propios de la sonoridad /o/, en el contexto de la oclusiva bilabial sorda /p/ y oclusiva velar /k/ que aportan sonoridades percusivas e incisivas a la sonoridad final de la pieza. 3. /isï/ La tercera pieza se realizó utilizando la voz de Tomás Gregorio Bautista, quien oralizó el sonido /isï/ utilizado para referir a un objeto ubicado en la superficie, o “hacia abajo” en referencia a quien habla. Tomás es oriundo de Ichán, uno de los 11 pueblos de la Cañada. Esta pieza se planteó como un flujo continuo que se transforma lentamente en el tiempo, dando la oportunidad de explorar la auralidad de esta partícula sonora tan curiosa. Conviven todo el tiempo la componente de ruido propia del sonido /s/ con los elementos más tónicos que encontramos en /ï/. 4. /chkia/ La cuarta pieza trabaja sobre el sonido /chkia/ en la voz de Gervasio Basilio, proveniente de Turícuaro, pueblo ubicado en la Meseta de las tierras P’urhépecha. Esta pieza trabaja sobre la textura de granulación y ruido presentes en la combinación de las sonoridades /ch/ y /k/, a la que se suman las texturas tónicas de las vocales. Creadores | Creators Creadores | Creators Nicolás Varchausky Panayiotis Kokoras - Qualia (2017) electroacoustic sound composition Panayiotis Kokoras Kokoras is an internationally award-winning composer and computer music innovator, and currently an Associate Professor of composition and CEMI director (Center for Experimental Music and Intermedia) at the University of North Texas. Born in Greece, he studied classical guitar and composition in Athens, Greece and York, England; he taught for many years at Aristotle University in Thessaloniki. Kokoras's sound compositions use sound as the only structural unit. His concept of "holophonic musical texture" describes his goal that each independent sound (phonos), contributes equally into the synthesis of the total (holos). In both instrumental and electroacoustic writing, his music calls upon a "virtuosity of sound," a hyper-idiomatic writing which emphasizes on the precise production of variable sound possibilities and the correct distinction between one timbre and another to convey the musical ideas and structure of the piece. His compositional output is also informed by musical research in Music Information Retrieval compositional strategies, Extended techniques, Tactile sound, Hyperidiomaticity, Robotics, Sound and Consciousness. Program Notes Qualia (2017) electroacoustic sound composition. duration 9:40 minutes Qualia was composed in the CEMI studios – Center for Experimental Music and Intermedia at the University of North Texas during 2017. The composition explores the experience of music from perception to sensation; the physical process during which our sensory organs – those involved with sound, tactility, and vision in particular – respond to musically organized sound stimuli. Through this deep connection, sound, space, and audience are all engaged in a multidimensional experience. The motion and the meaning inherited in the sounds are not disconnected from the sounds and are not the reason for the sounds but are in fact the sound altogether. Energy, movement, and timbre become one; sound source identification, cause guessing, sound energies, gesture decoding, and extra-musical connotations are not independent of the sound but vital internal components of it. Qualia are claimed to be individual instances of subjective, conscious experience. The way it feels to have mental states such as hearing frequencies at the lower threshold of human hearing or a piercing sound, hearing a Bb note from a ship horn, as well as the granularity of a recorded sound. It is an exploration of time and space, internal and universal. In Qualia, I do not experience musical memory as a sequence of instances but as a sensory wholeness that lasts the entire duration of the piece. The experience of sound itself is not sequential; it bypasses past or future; time becomes a single omnipresent unity. In this state of consciousness, time dissolves. The vibrating air molecules from the speakers, the reflections in the physical space, and the audience are the sound. Creadores | Creators Creadores | Creators Panayiotis Kokoras UCA Biografías Giselle Lopez Compositora nacida en 1998, a los 10 años comenzó sus estudios académicos en guitarra clásica en el Conservatorio Julian Aguirre, en este momento está cursando el último año de la licenciatura en Composición Musical en la Universidad Católica Argentina (UCA) y en el año 2020 participó del Concierto de Composiciones Electroacústicas I que hizo la facultad. Diego Pisano Estudiante de la Licenciatura en Composición de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Universidad Católica Argentina, inicia sus estudios formales en el Conservatorio Filsinger de Pacheco en el profesorado de Música con Guitarra eléctrica como instrumento. Desde allí desarrolla elementos de un lenguaje propio imbuido de varias influencias como lo son elementos propios del Jazz, del Rock y de diversas corrientes estéticas de la música académica tonal y atonal. Juan Bautista Arambarri Torre es un compositor nacido en 1997, Ciudad de Buenos Aires. Comenzó sus estudios musicales formalmente a los 20 años en la Universidad Católica Argentina, en la carrera Licenciatura en composición musical de la facultad de Artes y Ciencias Musicales. Aquí fue instruido por compositores como Diego Gardiner, Marcelo Delgado, Ezequiel Pazos, entre otros. Su principal interés es en el estudio de la lengua japonesa y la composición de música para videojuegos. Ha compuesto la música para varios juegos en eventos llamados “Game Jams” y actualmente se desempeña enseñando japonés de forma particular mientras finaliza sus estudios formales de composición. Genaro Vignaroli Soy un estudiante de composición en la UCA de 23 años, nacido en la ciudad de Plottier, provincia de Neuquén. Estoy en el mundo de la música desde mis 14 años, y comencé mis estudios intensivos a mis 19 años. A lo largo de mi carrera compuse dos discos de música popular, uno con una banda llamada Önix y otro solista, bajo el nombre de Gena Vignaroli. Federico Bueno Nacido en 1996 en Mar del Plata, es un compositor, productor musical y técnico en sonido, donde se desarrolla tanto en la actividad profesional de la producción como de los arreglos y la composición. Estudió una tecnicatura de Producción Musical en el instituto Thinkaudio y actualmente está cursando el quinto año de la licenciatura en Composición Musical en la Universidad Católica Argentina. Dentro del campo de la producción y la composición trabajó como editor de audio para distintos proyectos, sobre todo para series de Tv y documentales, como es el caso de la serie “Dos Estrellas” para los Polos Audiovisuales Tecnológicos, como también ha realizado la mezcla y la realización de la música del programa de televisión “Prueba de Amor” de la cadena Ecuavisa. Además, ha realizado varios arreglos de canciones para el instituto Novo Ars de comedia musical como también la composición de la música de un cortometraje llamado “La Distancia” presentado en el Festival Videodanzaba de Buenos Aires 2019 y financiado por el INCAA. Entre sus obras de composición electroacústica se destacan “Campanas” la cual ha estado presente en el programa de radio “Electronic Frequencies” de la Radio Concertzender en el 2021, Programa Brueghel El hombre y el clima” está basada en la pintura “Los cazadoresde la nieve” del pintor flamenco, Brueguel “el viejo”. Pertenece al ciclo de seis obras sobre los meses del año, representando en este caso, al invierno o los meses de diciembre y enero. Esta obra electroacústica relaciona la música y la pintura para lograr en el espectador una mayor vivencia de la obra dejando de ser estática para así, cobrar vida. Retomando la idea del pintor que buscaba demostrar la influencia del paisaje sobre la actividad humana, trabaje los diferentes planos que se pueden ver en la pintura y de alguna manera poder enfocarnos sobre lo que sucede en cada parte de la historia, partiendo de la llegada de los cazadores y realizando una historia circular que invite al espectador a observar en detalle cada uno de los cuadros, sintiendo su propia atmósfera para reflejar hacia el final, el agotamiento Misticismo cromático postwagneriano El título de la obra, una cita del libro “La Música del S. XX”, utilizada en el mismo para describir la música de Alexander Scriabin, pone en evidencia la principal inspiración para componer la obra. Se utiliza la división en tres etapas de la vida compositiva de Scriabin, que se inicia desde un lenguaje romántico análogo a Chopin, hacia su propio lenguaje, considerado prácticamente atonal, acompañado de un pensamiento místico-filosófico muy fuerte que dominó su ideología, plasmado en la obra a través de una división en tres secciones con características análogas a estas etapas del compositor. La obra desarrolla elementos propios de la música de Scriabin como lo son la recurrencia de enlaces tritonales y de tercera menor dentro del eje tritonal, su famoso acorde “Prometeo” y texturas altamente elaboradas, como asimismo presenta citas directas de la música del mismo, presentadas dentro de las tres secciones en relación con el año de composición y luego como formantes de la textura de masa final. Anfibios El contenido de la obra “Anfibios” pone de manifiesto una dualidad entre elementos acuáticos y otros pertenecientes a lo terrestre. En la concepción de la obra se tomaron en cuenta solamente dos tipos de sonidos: los sonidos de la naturaleza y los sonidos de artefactos. El primero constituye todos los sonidos donde el hombre no interviene en su producción y el restante aquellos generados por distintas fuentes fabricadas por el hombre. Se evidencia esta dualidad entre elementos sonoros derivados del agua – como la lluvia – y otros generados por la manipulación de instrumentos y/o elementos hechos por el hombre. Esta dualidad al mismo tiempo servirá para entremezclar elementos de diferentes naturalezas: los sonidos de agua se imitarán mediante aquellos sonidos de artefactos como es el caso del juego de llaves de una flauta imitando el agua. El juego entre tierra y agua también estará presente en la relación de los materiales y de su aparición en la obra, por lo cual la misma será de a momentos únicamente terrestre o acuática. Períodos La obra “Períodos”, es una obra que transita diferentes momentos, los cuales van a estar diferenciados unos de otros, para poder generar en el oyente una percepción de viaje o movimiento a través de la obra. Estas diferentes secciones, se componen por diferentes formas de trabajo sobre los materiales, y diferentes desarrollos de la estereofonía, lo cual le da una gran cualidad a la obra. Campanas La obra electroacústica “Campanas” está basada en el set de cuatro poemas llamado “The Bells” escrito por Edgar Allan Poe al final de su vida, aquí la presencia de la palabra campana cobra diferentes significados simbólicos durante el transcurso de cada parte del poema, que se transmutan y nos marcan cuatro hitos de la experiencia humana, la infancia, la juventud, la madurez y la muerte. Las transformaciones tímbricas y sonoras de los materiales van transitando está temática que es tan actual como a su vez tan antigua, remitiéndonos a los tópicos del romanticismo como el miedo a la muerte. La obra está dividida en cuatro secciones o unidades formales donde no hay una separación de silencio, sino que por yuxtaposición de eventos se refleja una semejanza sensorial de cómo transcurre la vida, donde el tiempo es constante. El trabajo del concepto de la espacialidad, permite añadir más profundidad a la poiesis interna, debido a la percepción de distancia que hay entre cada fuente como la ubicación en el espacio de los objetos, de esta manera se refleja un camino desde lo superficial hacia lo más íntimo, es decir lo más Recóndito de Nuestro Ser. Creadores | Creators Creadores | Creators Giselle Lopez Diego Pisano Juan Bautista Arambarri Torre Genaro Vignaroli Federico Bueno UAM Biografías Edmar Soria es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentado en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Elliot Yair Hernández López Elliot Yair Hernández López, nació el 3 de junio de 1999 en México. Estudió arte sonoro, composición electroacústica multicanal y cómputo físico. Ha presentado sus obras audiovisuales y piezas electroacústicas en diferentes países como México, Colombia, Perú, Argentina, Estados Unidos, Reino Unido, Japón, Portugal y Suiza. Recientemente recibió una mención honorífica en la selección Ars Electronica Forum Wallis 2021 con su obra "Ritual". Como artista digital, busca experimentar con diferentes objetos y disciplinas para crear piezas inmersivas, reflexivas y abstractas con el objetivo de crear sensaciones y emociones para el público a través de elementos audiovisuales. Luz María Sánchez es una artista transdisciplinar que explora la esfera política de la violencia y las relaciones de poder a través de construcciones multimedia. Su investigación artística se extiende al lenguaje como máquina tecnocientífica. Sánchez ha expuesto en Ars Electronica, Linz; Bienal de Arte de la WRO, Wroclaw; y ZKM, Karlsruhe, entre otros. Manuel Rocha Iturbide es un artista, compositor, investigador y curador. Estudió la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Cuarteto Arditti, ensambles Onix y Liminar, etc, y ha realizado obras artísticas en exposiciones importantes como La Bienal de Sydney 1998, ARCO 1999, Fundación PRADA Venecia 2014. Notas de programa Vis. Fuerza [in]necesaria_4 es una obra multicanal inmersiva que presenta el territorio sonoro afectivo del desierto mexicano a traves del tejido sonoro generado por las Rastreadoras de El Fuerte - que cavan en busca de fosas clandestinas donde sus familiares, víctimas de desaparición forzada, pueden estar enterrados. Homeomorphism Phi_0. Esta obra es entonces, un estudio audiovisual sobre las posibilidades de construir un homeomorfismo metafórico entre lo sonoro y lo visual, considerados ambos como alegorías poéticas de espacios topológicos. Ritual es una exploración sonora que combina sonidos cotidianos y sonidos transformados digitalmente; Narra la historia de un ser atrapado en un sueño eterno que se repite infinitamente, cada repetición es una etapa de sueño cada vez más profunda. Unform Piano El concepto de Urform me conecta de manera directa con la fenomenología Schafferiana de la percepción sonora, y a partir de ella, con el estudio perceptual de las distintas características de una fuente sonora, equivalente a una planta o a un animal. También se trata de cualquier otro tipo de sonidos factibles en el Piano a partir de su estructura acústica, como golpes y rasgueos directamente en sus cuerdas, o en la caja de madera que las contiene, con cualquier tipo de artefactos (baquetas de percusion, etc). A partir de esta idea de la Urform podemos pensar no solo en la forma primordial y arquetípica de cada uno de los sonidos característicos del Piano (Urform nota corta, Urform Acorde, Urform Trino, etc), sino de la idea de Piano Forte en sí, en una forma arquetípica del instrumento global con todo su potencial y posibilidades a partir de estas formas originales y de sus posibles desarrollos y desdoblamientos sónicos. Creadores | Creators Creadores | Creators Edmar Soria Elliot Yair Hernández López Luz María Sánchez Cardona Manuel Rocha Iturbide Universidad Autónoma del Estado de Morelos Biografías Tanlla Pallares Egresada de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del estado de Morelos, UAEM (2015-2019). Ha participado activamente en El Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM) en proyectos para la formación musical comunitaria de 2008 al 2014. Ha participado en proyectos como MONOLITO Arte actual en la gestión curatorial del proyecto “ARTECITOMX” primer edición, TODO ARTE ES POLÍTICO, Uaem, (Mx,2019), MOVIMIENTO TELÚRICO (Mx, 2019). Su trabajo ha sido expuesto y publicado en A DASH-TIME en Grecia (2020), LA HAMACA (2020) Proyecto por Palmera Ardiendo en Cuernavaca Morelos, MEMORIAL MANIFIESTO en Noox Germany, Alemania (2021) e “International Remote Dinner Party”, Francia (2021). Su producción artística profundiza en temas relacionados al cuerpo-espacio, la posibilidad, el vacío, las relaciones afectivas y los puntos de encuentro o quiebre desde el aislamiento y la memoria. Actualmente es investigadora y divulgadora de artistas contemporáneas emergentes y mediana trayectoria. Desde 2018 ha participado en la curaduría, producción y gestión de exposiciones itinerantes como Obra Negra (Santa María Ahuacatitlan, 2019), Territorios,(UAEM, 2019), RE (Cuernavaca Centro, 2021), El Sentimiento de la Falta (Tepoztlán, Morelos, 2021). Ha participado en conversatorios enfocados sobre los procesos en el arte actual, la re-apropiación de los espacios y las prácticas artísticas contemporáneas en Morelos como “Cuerpo y contexto en la producción de jóvenes artistas en Morelos” en colaboración con el Museo Robert Brady y Yunuen Díaz. (Cuernavaca, 2021). Curadora en proyectos itinerantes como PROYECTO OBRA NEGRA y Colaboradora en CIRCA TETELA. Co-Fundadora y Curadora del PROYECTO Txrxntula Colectiva, red digital enfocada en la divulgación de artistas mujeres en México y el extranjero. Natalia Bustos Soy estudiante de la facultad de artes en la universidad del estado de Morelos, en el área de nuevos medios, mi trabajo se enfoca en fotografía, edición de video, composición de música y sonorización. Los temas de mi interés son relacionados a la naturaleza y a las carencias emocionales o físicas que llegamos a tener en nuestra vida. He estudiado música desde los 11años, formo parte del coro de niños y jóvenes de Cuernavaca. Entre mi familia hay músicos y ellos me inspiran, me ayudan y me aconsejan sobre los arreglos musicales que llego a hacer. Sobre mi carrera musical, hemos cantado en el Teatro Ocampo, Teatro Juárez, Auditorio Teopanzolco, la sagrada familia, universidad de Barcelona, Bellas Artes. Hemos formado parte del COREARTE. En mi carrera artística en la fotografía, por el momento mis salidas visuales con por redes sociales, (Instagram: nathade.leche . Youtube: Nath BG), forme parte de la exposición virtual Las Hijas de Venus 2021. Bogar Rendon Artista en nuevos medios nacido el 13 de septiembre de 1995 en Iguala de la Independencia, Guerrero, México. Egresado de la facultad de artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Su trabajo artístico se centra en la exploración y el diseño sonoro a través de herramientas digitales y análogas, en las cuales, busca crear narrativas e interpretaciones del entorno social y cultural que le rodea, siendo el sonido y específicamente la música electroacústica las prácticas artísticas en el que ve reflejado el potencial creativo. Sus temas de interés giran entorno al ambiente natural, violento y de conflicto social de su estado, siendo los signos violentos los que se logran apreciar con mayor recurrencia en sus piezas sonoras. Su estilo y carácter artístico se ve influenciado por géneros musicales relacionados con la estética punk, actualmente es guitarrista y productor del grupo Akne, así también, es productor de diferentes agrupaciones de música regional y de rock en el estado de Guerrero, trabaja como community manager en instituciones educativas privadas y en el sindicato nacional de trabajadores de la educación sección 14. Ha llevado a cabo funciones de promotor cultural organizando conciertos de rock con artistas locales y extranjeros, actualmente se encuentra realizando el diseño sonoro del largometraje “Alatriste” de Rubén Colin, también se encuentra dando concierto de música electroacústica en espacios culturales dentro del estado, siendo el primer artista referente del arte sonoro en la localidad de Iguala. Elizabeth Becerril Elizabeth Fabiola Becerril Tejeda, nació y creció en la ciudad de Cuernavaca del Estado de Morelos. Actualmente es estudiante de una Licenciatura en Artes en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. A través del video, la fotografía y la producción sonora experimenta una búsqueda introspectiva de luz y voz dentro de la oscuridad y el ruido. Me gusta encontrar dentro de la cotidianidad la pesadilla, lo siniestro, lo roto y lo impuesto que deja nuestro pasado. Juego con la memoria, los recuerdos, los traumas secretos personales y lo traslada a la creación. La palabra siempre ha sido una forma de expresión importante para mí y a través del sonido mis poemas cobran fuerza llevándolos a la deformidad total, volviéndolos ruido donde la atención, el silencio y la capacidad de escucha es crucial para entender el mensaje. Mis proyectos de video ensayo surgen desde el autoconocimiento, usando los diferentes medios de reflejos como identificación de espejos. Una búsqueda de reconocimiento de identidad que se ve complementada con mi trabajo fotográfico como síntoma. Leonardo Vadillo Su práctica artística deambula por los límites de diversas disciplinas plásticas y audiovisuales teniendo una mayor inclinación hacia la exploración del sonido y su vinculación con otros medios. Aborda temas como la cotidianidad, la deconstrucción, la memoria y la transgresión. Empleando técnicas que buscan la interacción simbiótica entre lo natural y lo artificial, así como también, experimentar con la materialidad del sonido, su relación con la escucha y el entorno. Algunas de sus piezas son resultado de la manipulación de sonido y video en tiempo real, la composición de atmosferas y narrativas partiendo de sonidos obtenidos del entorno, de objetos sonoros y de la ejecución instrumentos musicales intervenidos mediante métodos no convencionales y procesos digitales. Egresado de la Licenciatura en Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos con especialidad en Proyectos Interactivos y Sonoros. Miembro del colectivo Escucha Subversiva, enfocado a la reflexión en torno al sonido, la escucha y la experimentación audiovisual. Ha participado con intervenciones sonoras, de manera individual y colectiva, en distintas sedes de Cuernavaca, Toluca y la Ciudad de México, de las que destacan el 6to Y 9no Encuentro Internacional de Arte Sonoro y Exploración Audiovisual y dentro de la exposición “Modos de oír: Prácticas de arte y sonido en México” en Ex Teresa Arte Actual. Daniel Alvarez Egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en la especialidad de Nuevos Madios. Aborda el arte a través del sonido, la instalación, video y acciones en vivo para generar proyectos inmersivos. Sus procesos creativos residen en la investigación, experimentación del sonido y la imagen, como un aspecto sensorial audiovisual. Aborda reflexiones en torno al paisaje, crea ficciones y posibilidades utópicas en relación a la tecnología. Elías Xolocotzin Mi investigación teorica y plastica vincula la fisicidad y persepcion del sonido a distintas disciplinas artísticas, lo que me ha permitido presentar mi trabajo en distintos festivales; Encuentro de escultura sonora y musica experimental (2018), Encuentro internacional de arte sonoro (2017), Festival Sonoro Tsonami (2012, 2020), Sguardi Sonori (2010 y 2011), Visiones Sonoras (2009), Electrovisiones (2009), MOD: monitor digital (2008), SONOM (2006). En 2015 formó parte de la exposición colectiva “Después del Edén: arte en Cuernavaca 1974-2014”, Becario del programa de estimulo a la creación artística en los periodos 2011 y 2014. En 2018 inaugura el gabinete de video en Jardín Borda con la exposición "Silente". Recientemente expuse parte de mi investigación teórica en torno a la escultura sonora en el Coloquio Modos de Escucha: Abordaje transdisciplinarios sobre el estudio del sonido. (2018). Actualmente estoy doctorando en PAD FAD UNAM , miembro del colectivo Escucha Subversiva, docente en la Facultad de Artes de la UAEM. Programa Tanlla Pallares “Los diminutos cuerpos” 2020 Natalia Bustos “Psychedelic ocean” 2020 Bogar Rendon “New beginning” 2021 Elizabeth Becerril “Eco 1” 2020 Leonardo Vadillo “Barullo” 2020 Daniel Alvarez “Relegar” 2020 Elías Xolocotzin “Ontología especulativa” Creadores | Creators Creadores | Creators Tanlla Pallares Natalia Bustos Bogar Rendon Elizabeth Becerril Leonardo Vadillo Daniel Alvarez Elías Xolocotzin UC Santa Barbara Biographies Dariush Derakhshani Is a German-born Iranian composer/performer of concert and electroacoustic music. He has written for numerous acclaimed soloists and ensembles, with whom his works have been performed internationally. He also attended IRCAM Manifeste, where he had the opportunity to work closely with members of Ensemble Intercontemporain, and Altitude Festival where he worked with l’ensemble Multilatérale. Other notable festival appearances include Impuls Academy, the Madeira Residency, Festival DME, Barcelona Mixtur, and Kyiv Contemporary Music Days. He has studied and participated in masterclasses with the composers Patricia Alessandrini, Raphaël Cendo, Francesco Filidei, Beat Furrer, Philippe Hurel, Helmut Lachenmann, Mauro Lanza, Fabien Lévy, Tristan Murail, Gilbert Nouno, Åke Parmerud, Jaime Reis, Yann Robin and Alexander Schubert. Derakhshani recently completed the one-year course at Koninklijk Conservatorium's Institute of Sonology. Currently he is a Ph.D. candidate in Music Composition at California University of Music, Santa Barbara under the supervision of João Pedro Olivera. Rodney DuPlessis As a composer and researcher, Rodney DuPlessis primarily explores intersections of science and music. He is interested in creating powerful sonic experiences grounded in scientific models of physics, chemistry, biology, thermodynamics, and meta-science. DuPlessis' music has been performed internationally and recognized by prizes such as the Musica Nova International Competition (Finalist), Destellos International Competition 2020 (honorable mention), the Corwin Award for Excellence in Composition (1st prize - Percussion, 1st prize - Solo, 2nd prize - Electroacoustic), and the 2020 SEAMUS/ASCAP award (finalist). He has collaborated with new music luminaries such as Los Angeles Percussion Quartet, Formalist Quartet, Hocket, Henrique Portovedo, and Scott Worthington. DuPlessis is also dedicated to promoting the presentation of new music and art. He has directed and produced multiple festivals and concerts, and he currently serves as co-creative director of the Nomadic Soundsters art collective. As a programmer, DuPlessis has created innovative software tools for composition and worked to preserve and reincarnate preexisting software. In 2020, Duplessis, Curtis Roads, and Jack Kilgore released EmissionControl2, an interactive real-time application for granular synthesis. He is currently developing software to sonify a quantum harmonic oscillator. DuPlessis' teachers have included Curtis Roads, Clarence Barlow, João Pedro Oliveira, and Martin Kutnowski. He holds a BA in Music and Psychology, a Masters of Arts in Composition, and a Masters of Science in Media Arts & Technology. He is currently finishing a PhD in Composition at UC Santa Barbara. Raphael Radna is a composer of acoustic and electronic music whose works embrace unconventional compositional strategies and new technologies. Specializing in interactive electroacoustic music and computer-assisted composition, he regards the computer-composer nexus as the foremost tool for discovering and realizing innovative directions in music composition and performance. Raphael’s music has been presented in concerts, festivals, and conferences across the United States and in Japan, including the International Computer Music Conference, the New York Electroacoustic Music Festival, the California Electronic Music Exchange Concerts, the UCSB Summer Music Festival, and the Osaka University of Arts Electroacoustic Music Festival. He also has extensive professional performance experience on guitar, bass guitar, keyboard, and electronics; his performance credits include appearances at The Hollywood Bowl, REDCAT, CounterPulse, The Center for New Music in San Francisco, and the Time-Based Art festival in Portland, OR. Raphael holds a BA in Music from Vassar College, an MFA in Electronic Music and Recording Media from Mills College, and is currently pursuing a PhD in Music Composition at UC Santa Barbara. His teachers include João Pedro Oliveira, Clarence Barlow, Curtis Roads, W.A. Mathieu, John Bischoff, Chris Brown, and Peter McCulloch. Program Coacervate Certain mixtures of polyelectrolytes can spontaneously form dense liquid droplets (called "coacervates") suspended in water (dilute phase). These liquid droplets are often filled with complex molecules, proteins, polymers, and nucleic acids. Coacervate formation has been suggested as a possible mechanism through which the first simple cells formed on earth (Abiogenesis). In composing Coacervate, I worked closely with violinist and chemical engineer Chelsea Edwards to create a sonic narrative from this chemistry. Distinct musical motives are inserted into dilute textures where they compartmentalize, chain together like charged polymers, and erupt into the beginnings of life. Pārsa Pārsa can be categorized as a programmatic piece. The inspiration of its form and direction came from the history of Persepolis and its demolition by Alexander the Great. The initial section is meant to represent a grand sound which is slowly ravaged as the piece continues. What remains by the end are broken parts and pieces representing the slow destruction of Persepolis by fire. The final section (A’) is a distorted memory of the grand sound heard in the beginning which quickly crumbles into a minuscule sound with a high amount of tension in its core. Creadores | Creators Creadores | Creators Dariush Derakhshani Raphael Radna Rodney DuPlessis Quilmes Biografías Fabio Barbieri Fabio Barbieri es músico, compositor, traductor, egresado de la UNQ de la carrera de Composición con Medio Electroacústico y, actualmente, docente de la misma institución en la cátedra de Contrapunto. Además, es traductor literario de inglés del UMSA, investigador dentro del proyecto TEMAC, cuyo objeto de investigación es la Armonía del Rock Nacional y pianista, en particular dentro del ámbito popular, estudió con J.C. Mono Fontana. Apasionado de los Instrumentos Vintage: pianos y sintetizadores analógicos. Ha compuesto música para videos y teatro: "Extinguidos" y "Genes". También ha compuesto música, electroacústica: "Griegos", ganadora del concurso interno de la carrera de composición en la UNQ y estrenada en la Universidad de Washington, “Necrófilos" para cinta y clarinetes, cómo también realizador del fotomontaje del video de la misma obra. A comienzos del año 2016 presentó el espectáculo "Canciones Empoderadas" basado en temas legendarios del Rock Nacional. En diciembre del 2019 dictó un curso sobre cómo ejecutar en piano dentro de la música popular en la Escuela de Música y Danza en Donostia (San Sebastián) España. En la actualidad su obra Aluvional, compuesta en conmemoración del Centenario de la Reforma Universitaria, participa del Festival Sur Aural (Bolivia). Franco Marenco Nació en Mercedes (Bs. As., Argentina) en 1990. Es licenciado en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de las Artes y maestrando en Arte Sonoro por la Universidad Nacional de Quilmes. Trabaja en el campo del sonido audiovisual habiendo participado en más de 15 largometrajes. En 2020 forma parte de la muestra colectiva “Documento”, con sus obras “Terminal de escucha” y “Sononastía”, plasmadas en un disco y un libro digitales. En 2021 realiza colectivamente el mapa sonoro “Lazos de convivencia, trazos del trabajo”. Matías Padellaro Inicia su formación en la Escuela Municipal de Bellas Artes "Carlos Morel" (Quilmes, Buenos Aires, Arg.), egresando en 2007 como Profesor de Artes en Música. En el 2015 obtiene el título de Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos en la Universidad Nacional de Quilmes (Buenos Aires, Arg.). Actualmente se encuentra cursando la Maestría en Arte Sonoro en la Universidad Nacional de Quilmes. Su producción comprende obras para medios mixtos, acústicos, electroacústicos, para escena, producciones audiovisuales, paisajes sonoros y grabaciones de campo. Ha participado en diferentes festivales nacionales e internacionales. Al mismo tiempo se desarrolla como compositor e intérprete del Ensamble Rondon Crowell (música contemporánea-experimental). David Anaya Villalba David Anaya Villalba es un compositor y artista sonoro colombiano orientado hacia la música experimental, la interactividad y el arte multimedia. Es egresado de la Licenciatura en Música y Tecnología de la Universidad Nacional de Quilmes y es actualmente tesista de la Maestría en Arte Sonoro de la misma institución. Su obra transita entre los umbrales y límites de distintas expresiones artísticas e hibridaciones. Algunos ejemplos de su trabajo son: ‘El cubo de Hinton’, una escultura sonora y lumínica interactiva que gira en torno a la teoría de la hipergeometría, y ‘Aluna’, una composición sonora que busca representar la auralidad de la etnia kogui en el contexto actual. Por otro lado, David coproduce el trabajo discográfico de artistas que transitan entre los límites del rock, jazz, trap y la electrónica y forma parte de un proyecto músico-poético-performático llamado Apéndice, que se ha presentado en distintas facetas del under de Buenos Aires. Santiago Pedernera Comienza sus estudios musicales en el Conservatorio provincial Julián Aguirre, Banfield, institución de donde egresa en el año 2009 con el título de Instrumentista Superior con orientación Clarinete. En al año 2010 egresa de la Licenciatura en Música con Orientación Orquesta de Cámara y Sinfónica de la Universidad Nacional de Lanús. A su vez realizó estudios de armonía, contrapunto e instrumentación con Osvaldo Suárez y estudió composición con Antonio Zimmerman, Marcos Franciosi. A partir de 2011 estudia composición con Santiago Santero, e integra el Ensamble de música contemporánea del Damus de la Universidad Nacional de las Artes. Desde 2013 a 2015 continúa estudios de composición con Diego Taranto. Actualmente se desempeña como Profesor Adjunto en la Licenciatura en Música de la Universidad de Lanús, y cursa la Maestría en Arte Sonoro en la Universidad Nacional de Quilmes. Desde 2018 integra el ensamble de música contemporánea Dos.Uno Pedro Iñaki Sagasti Editó varios discos de música electrónica bajo el pseudonimo Torotumbo. Participó en exposiciones y festivales nacionales e internacionales como EmMeio (Brasil, 2020); Artimañas (La Plata, 2020); Escalatrónica (Bs As, 2019); Música ExperimentAL (México, 2019); +CODE (Bs As, 2018). Forma parte del Colectivo de Live Coders desde su creación. Realizó el Profesorado y la Licenciatura en Música Popular en la UNLP. Se especializó de manera autodidacta en prácticas relacionadas con el live coding. Actualmente se encuentra cursando la Maestría en Arte Sonoro de la UNQ e investigando distintos modos de trabajar las señales de audio en las plataformas de video-llamada. Colectivo 51-59: Vanesa del Barco Desde el año 2000 su práctica artística se desarrolla en el cruce entre las artes escénicas, musicales y audiovisuales, especializándose en dramaturgia sonora, puesta y diseño sonoro. Se graduó de la Licenciatura en Composición con Medios Electroacústicos por la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ). Trabaja con directorxs como Emilio García Wehbi, Maricel Alvarez, Amalia Tercelán, Mateo de Urquiza y con colectivos como La Columna Durruti y Jícara entre otros, en proyectos artísticos performáticos, teatrales y audiovisuales, tanto en Argentina como en el exterior. Es docente en la Tecnicatura Universitaria en Producción Musical y Nuevas Tecnologías de la Escuela Universitaria de Artes (EUDA) de la Universidad Nacional de Quilmes y en las Carreras de Producción Musical y Composición con Medios Mixtos del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires "Astor Piazzolla". Además, desarrolló el proyecto de "Articulación y Cruce en las Artes" entre el C.S.M.C.B.A. y la E.M.A.D. Como investigadora diseña y desarrolla el Seminario: Dramaturgia Musical. Una aproximación al diseño sonoro como productor de sentido dramático" en 2012 y desde 2019 forma parte del Proyecto de Investigación "Desarrollos Tecnológicos Digitales Aplicados al Arte" de la Universidad Nacional de Quilmes. Actualmente, cursa la Maestría en Arte Sonoro de la UNQ. Marcelo Fabián Martínez Marcelo Fabián Martínez nace en Buenos Aires en 1977. Es músico, compositor y artista sonoro, se formó como Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos en la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ), como clarinetista en el Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo y como técnico en electrónica lo cual le ha permitido desarrollar el cruce entre arte y tecnología. Desde el año 2001 se dedica fundamentalmente a realizar música original, diseño sonoro y puesta sonora para espectáculos de teatro, danza, performance y audiovisuales, participando de numerosos festivales de arte en diversos países: Chile, Uruguay, Brasil, Colombia, México, Cuba, Canadá, Polonia, Holanda, Francia, España, Bélgica, Alemania y Argentina. En la actualidad es integrante del grupo “ELECTROPUNK” (músicos docentes de la UNQ) y al momento está finalizando la Maestría en Arte Sonoro en la Universidad Nacional de Quilmes. Es director y profesor de la carrera “Producción Musical y Nuevas Tecnologías” de la UNQ, profesor en el Área Transdepartamental de Artes Multimediales de la Universidad Nacional del Arte y profesor del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires “Astor Piazzolla”. Programa Ayorará Matías Padellaro Terminal de escucha Franco Marenco Catálogo de calidades Pedro Sagasti El perseguidor David Anaya Villalba OjOsOnOrOs Fabio Barbieri Archivo de registros digitales de luchas y resistencias en América Latina Santiago Pedernera Estudios para el Mancomunismo Colectivo 51-59 Creadores | Creators Creadores | Creators Matías Padellaro Franco Marenco Pedro Sagasti David Anaya Villalba Fabio Barbieri Santiago Pedernera Marcelo Martínez Vanesa del Barco COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Aula abierta del CMMAS: Charla: Design-in(g) Space. Por: Kultnation [MÉXICO] Marco Vinicio (México) 15 may 2015 Design-in(g) Space
Durante la plática Kultnation abordará a profundidad el proceso creativo y de producción que esta detrás de su trabajo grafíco y animado para proyectos artísticos y comerciales. Kultnation Colectivo: Diseño | Video | Programación **Design-in(g) Space** es la íntima obsesión de Kultnation —Marco Vinicio— por trabajar la forma, la escala, la luz, las historias animadas y sus interrelaciones en el espacio arquitectónico. Durante los últimos seis años de recorrido artístico, Kultnation ha buscado nuevas interpretaciones dentro de la narrativa del Diseño Gráfico, la Tipografía y las composiciones bi-dimensionales creando escenarios de ficción que cobran vida a través de las historias plasmadas con la animación. Nacido en 1978, en la cuidad de México y trabajando como director y diseñador; Kultnation ha creado piezas artísticas para el mundo del arte y comercial evocando no solamente sueños atmosféricos amorfos de su infancia; sino estructuras de sucesión polimórfica que cobran vida en un mundo de relatos inusuales y de narrativas no lineales. Previous Next