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Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto TouchDesigner I y II Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Descripción del curso Este curso abarca los aspectos generales del software “Touch Designer” herramienta de programación gráfica que hace posible la creación de imágenes generativas en 2D y 3D de forma intuitiva. Está diseñado para que toda persona interesada en los gráficos interactivos tenga las nociones para la generar y manipular material audiovisual en tiempo real. Además de la lógica y el flujo de trabajo se mostrará un amplio acervo de técnicas para sintetizar video y transformarlo, así como diversas formas de controlar las herramientas que se construirán a lo largo de las clases. El objetivo es que los participantes obtengan el conocimiento necesario para realizar sus propios proyectos multimedia de manera eficiente con una propuesta estética interesante. Nivel I Plan de estudio: Capítulo 1. Interfaz Sesión 1. Presentación. Sesión 2. Panorama General del software. Sesión 3. Tipos de Operadores. Sesión 4. TOPS(Texture Operators) y primeras conexiones. Sesión 5. Animación, composición y bifurcaciones. Sesión 6. Colapsado de nodos, grabación y formatos. Capítulo 2. Señales de control y conexiones entre familias de operadores Sesión 1. CHOPS(Channel Operators) y sus diferentes funciones. Sesión 2. Exportación de valores entre familias de Operadores Sesión 3. Interacción física a través de controles externos. Sesión 4. Circuito de retroalimentación simple. Sesión 5. Animación audio reactiva y grabación con audio. Capítulo 3.Gráficos 3D Sesión 1. SOPS (Surface Operators) Funcionamiento y peculiaridades Sesión 2. Creación de escenas y configuración para Renderizado Sesión 3. Visor de Geometrías y manipulación de iluminación y cámara. Sesión 4. Aplicación de materiales y texturas a geometrías. Capítulo 4. Gráficos 3D intermedio Sesión 1.Modelado procesal. Sesión 2. introducción al Instanciamiento. Sesión 3. PBR (physically based rendering) y aplicación de mapas de texturas. Sesión 4. Instanciamiento avanzado. Capítulo 5. Interfaz de control y sistemas de partículas Sesión 1. Configuración del sistema de partículas Sesión 2. Circuitos de retroalimentación alternativos Sesión 3. Desarrollo de interfaz gráfica Sesión 4. Partículas como ‘’point sprites ‘’ Capítulo 6. Técnicas alternativas de retroalimentación Sesión 1. Sistema de Reacción-Difusión Sesión 2. Sistema de Pixel Sorting Sesión 3. Sistema de Pixel Relocator Nivel II Plan de estudio: Capítulo 1. Instanciamiento de Texturas Técnica 1 Técnica 2 Técnica 3 y camera blending Capítulo 2. Nubes de puntos (point clouds) Cargado y manipulación de nubes de puntos, Cámara en primera persona (WASD) Generación de "plexus" a partir de nubes de puntos generativas Capítulo 3. Seguimiento Facial (Face tracking) Instalación de los archivos necesarios. Creación de un rostro interactivo a partir de instanciamiento. Utilización del modelo facial 3D interactivo e instanciamiento. Puntos de seguimiento de rostro e incorporación de elementos en tiempo real (realidad aumentada). Capítulo 4. Simulación de fluidos (Nvidia Flex solver) Esquema básico del simulador Simulación de fluidos y colisionador Manipulación de fuerzas y posiciones Capítulo 5. Simulación de impactos (Nvidia Bullet solver) Esquema básico del simulador Interacción de simulaciones y colisiones (Flex solver + Bullet solver) Capítulo 6. Partículas y ajuste de patch para presentaciones con tiempo definido Generador de partículas en el GPU (actualización) Cómo ajustar un patch a un evento de duración definida, modulación de de escenas y preparación para ejecutar "perform mode" Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Copyright © 2021 CMMAS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: 44 FIMNME (Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enriquez). [MÉXICO] Compositores: Gabriel Salcedo Sansón (México), Gerardo Meza (México), Ismael Morales (México), Juan Cáceres Avitia (México), Luis Hilario Arévalo (México), Sungji Hong (Corea del Sur), Wingel Mendoza (México) 21 oct 2022 Gabriel Salcedo Sansón (México, 1985) Su trabajo transita distintas formas de creación sonora, desde composición acústica hasta proyectos multimedia. Sus piezas e investigación exploran la interactividad entre el ser humano y la tecnología en entornos creativos. Además, ha incursionado en el diseño sonoro, música para coreografía e improvisación libre. Sus obras han sido interpretadas en distintos festivales nacionales e internacionales como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Festival Gaudeamus y el Festival Internacional Cervantino. La explosión de un millón de soles “El poder de un millón de soles explotando” Totalmente subjetivo y abrumador. Gerardo Meza (México, 1993) Comenzó sus estudios musicales en la Universidad Autónoma de Tamaulipas. Es licenciado en Composición por el Conservatorio de las Rosas donde estudió con Ignacio Martínez Madrigal. Además, es egresado de la carrera de Música y tecnología artística de ENES campus Morelia, UNAM, donde estudió bajo la tutela de Rodrigo Sigal y Juan Sebastián Lach. Actualmente cursa la maestría en Tecnología musical en la UNAM. En 2017 resultó ganador del 1er Concurso Nacional de Composición para Cuarteto de Percusiones con su obra Aleación. Ha sido beneficiario del programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico en 2014 y 2019, y su música ha sido interpretada en México, Estados Unidos y España. non-Human Es una pieza que plantea la asimilación y creación de un lenguaje posthumano. Este proceso es aplicado al UrSonate (1932) de Kurt Schwitters, este fue analizado para extraer sus patrones y crear a un nuevo lenguaje ciborg. Otro elemento principal es la sonificación de fragmentos de este lenguaje. Ambos procesos se intercalan y paulatinamente se afectan cada vez más hacia el final de la obra, compartiendo rasgos y materiales entre las secciones. Por otro lado, existe una segunda capa que acompaña y crea texturas basadas en vocales que lentamente generan un contrapunto formal con la primera capa. La pieza es estática y lenta, con algunos momentos llenos de energía autorregulada, planteando la metáfora de interacción entre el ciborg, la tecnología y naturaleza, donde la modulación borra las fronteras del lenguaje humano para establecer un diálogo entre las partes. Ismael Morales (México, 1993) Es egresado de la licenciatura en Lengua y literaturas hispánicas en la UNAM. Actualmente es programador y productor en Radio UNAM. Estudió guitarra clásica con Brian Reyes Rodríguez, y posteriormente, estudió Composición musical en la Escuela Contemporánea de Música y Arte Free Note, con Galo Ortiz y Eduardo Ghenno Marchand. Actualmente prepara el grado de licenciatura en Composición, bajo la tutela de Axel Retif, por la University of West London. Su música ha sido presentada en México, Colombia y España, en festivales como Expresiones Contemporáneas 2021. Claroscuro La idea original nació del poema “Destino” de Rosario Castellanos. El tema central del poema es que el amor es una experiencia humana ambivalente y dual. Esa dualidad está representada en la idea del amor como una fuerza vital y, al mismo tiempo, en la violencia que se ejerce sobre lo amado. Esta idea me llevó a reflexionar acerca de la manera en que la humanidad ha destruido aquello que le rodea y cómo ha dejado de ser un ciervo para convertirse en un tigre que desgarra y despedaza todo a su paso, condenándose a su propia destrucción. Fue a partir de las dualidades presentes en el poema (luz-sombra, ciervo-tigre, vida-muerte) que pensé en el concepto de claroscuro. Por esa razón decidí titular así mi obra, para enfatizar que los claroscuros habitan en el interior de la naturaleza humana pero también se proyectan en el mundo que nos rodea. Juan Cáceres Avitia (México, 1992) Inició sus estudios de Piano en la Facultad de Música de la UNAM. Actualmente estudia la carrera de Musicología bajo la tutela de Ricardo Miranda en el Conservatorio Nacional de Música, a la par estudia Composición musical con Josué Peregrina. Fue becario en 2019 para los Cursos Universitarios Internacionales de Música Española Música en Compostela en España; como compositor su obra ha sido presentada en el Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías: Visiones Sonoras, del CMMAS, el Festival Ecos Sonoros 2021 del Tecnológico de Monterrey y en el Festival AudioRockFes2021 de la Universidad de las Artes de Osaka, Japón. Fue ponente en el Coloquio Miguel Bernal Jiménez del Festival de Música de Morelia y en la Edición XVII del Festival Visiones Sonoras. Ha tomado clases con Panayiotis Kokoras y Jorge Torres Sáenz. Entendre la sensation Inmersa en la dualidad del verbo francés entendre (oír-escuchar/entender). Entendre la sensation se convierte en un viaje donde la escucha no puede sino perseguir el segundo significado: la comprensión, el entendimiento. En palabras de Jean-Luc Nancy: "Estar a la escucha es siempre estar a orillas del sentido o en un sentido de borde y extremidad, y como si el sonido no fuese justamente otra cosa que ese borde, esa franja o ese margen: el sonido escuchado [...] como sentido resonante, sentido en que se presuma que lo sensato se encuentra en la resonancia y nada más que en ella". El sonido se convierte en aliado, la sensación en el medio para encontrar el camino. Acudiendo al filósofo francés Gilles Deleuze, Entendre la sensation: "se pinta, se esculpe, se compone con sensaciones”. Montserrat Pérez-Lima Luis Hilario Arévalo (México, 1977) Realizó sus estudios en el Instituto Cardenal Miranda, el Trinity College London, la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona, CMMAS y el Cenart. Su música se ha presentado en México, Alemania, Canadá, Cuba, Chile, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Reino Unido y Suecia. Fue beneficiario del Fondo para la Cultura y las Artes del Estado de México en la categoría Jóvenes Creadores en 2004, 2006 y 2009. Ganador del concurso de comisión de obra para Orquesta infantil y juvenil organizado por el Sistema Nacional de Fomento Musical en 2009. Realizó una residencia artística en el Bellagio Institute en Italia dentro de un programa gestionado por la Fundación Rockefeller en 2009. Beneficiario del programa UNESCO-Aschberg. Ganador del concurso The Comission organizado por VCCA junto con la artista visual Maja Spasova en 2013. Es estudiante de música clásica de la India. Hágase el baile Obra elaborada con muestras de música regional de distintas partes del país. La intención es mostrar la riqueza sonora de México y la vocación festiva que nos caracteriza. Sungji Hong (Corea del Sur, 1973) Entre sus logros se cuentan las becas Guggenheim y Charles Ives de la American Academy of Arts and Letters. Ha recibido comisiones de la Fromm Music Foundation, la National Flute Association, Texas Flute Society, el MATA Festival, Lorelei Ensemble, iSing Silicon Valley, el Tongyeoung International Music Festival, Kumho Asiana Cultural Foundation, y la Filarmónica de Seúl. Tiene títulos de la Hangyang University, la Royal Academy of Music y la University of York en Reino Unido. Es profesor asistente de Composición musical en la University of North Texas. Ekvallein Escrita para clarinete bajo y electrónica, explora las capacidades sónicas del instrumento de la siguiente manera: tremolo con matices armónicos, glissando en la parte alta del instrumento y una rápida sucesión de multifónicos espectrales en la escala fundamental. Esta obra es el resultado de una colaboración activa con Sarah Watts. El solo de clarinete bajo fue compuesto en 2019 y fue grabado durante el ClarinFest 2019 en la Universidad de Tennessee en Knoxville. Sarah Watts hizo grabacones adicionales en su estudio en 2021. Use estas grabaciones como las principales fuentes sonoras en la cinta para crear un mundo sonorounificado entre la parte electrónica y la parte instrumental. La obra la estrenó Sarah Watts en 2021 en el ClarinFest y está dedicada a ella. Wingel Mendoza (México, 1982) Obtuvo el grado de licenciatura en Composición musical por parte de Trinity College of London. En 2014 obtuvo la maestría en Composición musical en la Universidad de las Artes de Rotterdam, Países Bajos. En 2016 obtuvo el grado de post-maestría en Composición musical con medios electrónicos en Würzburg, Alemania. Obtuvo su segunda maestría en Arte sonoro en la Universidad Johannes Gutenberg, Mainz, Alemania, donde continúa con sus estudios de post-maestría en Arte sonoro. Su música ha sido tocada en México, Alemania, España, Noruega, República Checa, Austria, Países Bajos y Lituania. Ha sido beneficiario del programa Jóvenes creadores del Fonca. Ganó el primer lugar en el concurso Armin Knab Wettbewerb für Komposition 2016, así como en el concurso Von fremden Ländern und Menschen 2017, ambos en Alemania. Es parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2020-2023. Limited Noises for electronics Es una obra donde el material sonoro proviene de la guitarra eléctrica y la manipulación del sonido en tiempo real, en la que el ruido está en los límites de la percepción Intérprete Antonio Rosales Es egresado del Conservatorio de Ámsterdam, Países Bajos, donde realizó estudios de posgrado en Clarinete bajo con Harry Sparnaay y Erik van Deuren. Realizó la licenciatura en Clarinete en la Escuela Superior de Música del INBAL, bajo la guía de Luis Humberto Ramos. Actualmente es miembro y director artístico de los ensambles Umbratono, Quartz y Low Frequency Trio. H realizado el estreno mexicano de las obras Dal Niente, de Helmut Lachenmann; Itou, de Pascal Dusapín; Échange, de Iannis Xenakis; Concierto para clarinete bajo y cuarteto de cuerda de Tristan Keuris, y Schattenklänge de Mauricio Kagel. Se ha presentado como solista con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Camerata de Coahuila y el Ensamble Tempus Fugit. Ha ofrecido conciertos en el Festival Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Festival Internacional de Música Nueva de Monterrey y el Foro de Compositores de Nuevo León, además de presentarse como solista en Estados Unidos, Alemania, Holanda y Francia. Previous Next

Mesa Redonda | Round table Regresar Mesa Redonda | Round table Voz y poesía sonora Rommel Hervez (Venezuela) La mesa reflexionará sobre el elemento fundamental de la poesía sonora: la voz. Generará un intercambio que expondrá las maneras particulares en la que cada uno de los ponentes ha abordado este instrumento en la contemporaneidad y sus vinculaciones con elementos de otras disciplinas.. Se plantean algunos ejes para crear el tejido reflexivo: la voz como instrumento relacional; punto de partida de cada una de las investigaciones para construir la poesía sonora, finalmente, la voz y la escucha como unidad, elemento del paisaje acústico. El interés es poner en mesa las prácticas contemporáneas de esta tipología del arte sonoro, algunas de sus múltiples formas de abordadas, encuentros y divergencias de investigadores que vienen de disciplinas como la literatura, la filosofía y las artes plásticas. La materia sonora, la voz, como un elemneto intermedial y relacional. La escucha como ejercicio que configura a la persona para ser intérprete de su propio cosmos. Romel Herrera (Rommel Hervez), nacido en Anaco, Anzoátegui, Venezuela. Artista plástico y sonoro, docente, investigador, curador y museografo. Tiene estudios en la escuela de artes plásticas Cristobal Rojas, en dibujo y pintura, se licenció en artes plásticas, mención escultura, en el IUESAPAR de Caracas. Cursó estudios de arte contemporáneo, de filosofía y de teología, en la Universidad Simón Bolívar y Católica Andrés Bello. Tambien realizó talleres de creación literaria en poesía, narrativa y ensayo, en el Celarg. Es docente ordinario en la Universidad Nacional de las Artes de de Caracas, en las unidadaes curriculares de: escultura, ensamblaje e inatalación y arte sonoro. Es Director y fundador de Qaliticum Laboratorio de Creación Sonora. Ha presentado su trabajo en distintas exposiciones individuales y colectivas, festivales de arte sonoro, congresos de arte y encuentros internacionales en Venezuela, México, Argentina, Uruguay, Costa Rica, Colombia, Alemania e Italia; así como también se ha publicado su trabajo de investigación relacionado a la materia sonora en Venezuela, Mexico, Costa Rica España y Uruguay. Recientemente se publicó (2022) su investigación sobre poesía sonora “Voz encarnada” en la revista Brujula nº 14 de la Universidad de California, Davis,”. Coordinó “El Encunetro internacional de poesía sonora Voz Liminal” (2022). Luis Bravo (Uruguay, 1957) poeta, performer, ensayista, investigador, profesor universitario. Publicó 10 libros de poesía, 8 discos, 2 cdroms, 1 DVD, varios streaming. Es abundante su obra en colaboración con poetas, músicos, bailarinas, videístas, en virtud de su poética multimedial. Fue residente del International Writing Program (Iowa University, 2012). Notre Dame University le otorgó el Shaheen Award (2019) en Humanidades por su tesis doctoral en Literatura Latinoamericana Contemporánea. Sitios de referencia: Bandcamp: https://luisbravo.bandcamp.com/ Sound poetry 10 discos (Cd) de Luis Bravo sólo y en colaboración: soundpoetry: LUIS BRAVO Obra poético- perfomática en Caja de Resonancia 2019. Universidad de Rosario, Argentina http://cajaderesonancia.com/index.php?mod=archivo-materiales&view=detalle&id=436 Gustavo Giménez (Zaragoza, España), es un cantante experimental, performer y poeta sonoro que usa la voz como elemento fundamental para crear experiencias artísticas y tejer espacios sonoros que arropan teatro, danza o exposiciones y que de un tiempo a esta parte viene desarrollando talleres de Coro Experimental para Espíritus Audaces en contextos de cultura comunitaria; es autor del álbum de psicodelia vocal «ORA» y de “El camino del lobo y la rata” (junto a Marwan Nasser) considerados por Mondo Sonoro de entre los mejores discos publicados en Aragón en 2017 y en 2020 respectivamente; premio Etopia-Aragón 2019 de Músicas Arriesgadas y Experimentales; premio Marcelino Orbés 2021 a mejor número de circo aragonés por «Imparto sonoro» de Compañía Mari Loli; con su espectáculo de rapsodia contemporánea “Del susurro al grito, del bebé a la bestia” ha recorrido los principales festivales de poesía nacionales y cruzado fronteras; es compañero de músicxs, bailarinxs y poetas. Licenciado en Filosofía por la UNED y DEA acerca de Heráclito en el Doctorado “Filosofía, Historia, Pensamiento” de Universidad de Zaragoza, interesado en temas de Estética y en las formas de pensamiento que rodean a la oralidad y los usos de la voz Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Mixta (obras para guitarra y electrónica) es un CD digital dedicado al formato de guitarra y electrónica. En el presente video encontraremos una breve presentación del disco, en la cual hablaremos acerca de las obras y los compositores participantes, así como junto al compositor Valentín Pelisch, quien hace parte de los compositores incluidos en esta publicación, presentaremos su obra Landia en versión de video realizada para esta ocasión < Back Ir al final | go to botom Mixta (obras para guitarra y electrónica) Lanzamiento de CD digital Ricardo Cuadros Pradilla (Colombia) Valentin Pelisch (Argentina) Mixta (obras para guitarra y electrónica) es un CD digital dedicado al formato de guitarra y electrónica. En el presente video encontraremos una breve presentación del disco, en la cual hablaremos acerca de las obras y los compositores participantes, así como junto al compositor Valentín Pelisch, quien hace parte de los compositores incluidos en esta publicación, presentaremos su obra Landia en versión de video realizada para esta ocasión Ricardo Cuadros Pradilla (Colombia) Como intérprete aborda proyectos que van desde el repertorio de compositores del siglo XX y XXI, hasta la exploración de los límites del instrumento con nuevas tecnologías, hecho que le ha permitido trabajar en compañía de compositores como: Mesías Maiguashca, Blas Emilio Atehortúa, Luciano Azzigotti, Valentín Pelisch, Ezequiel Ezquenazi, Juan Ortiz de Zarate , entre otros. Se ha presentado como solista y también en grupos de cámara en países como México, Argentina, Uruguay, Cuba, Chile, Colombia, Perú y Honduras. Ha sido invitado a participar en ensambles como Compañía Oblicua y Nuntempe Ensamble, Megafón-s en Argentina. Estudió guitarra clásica con los maestros Fabián Forero y César Ricardo obteniendo el título de grado en el año 2007. Posteriormente ingresó al Conservatorio Superior de Música, Manuel de Falla, en la ciudad de Buenos Aires (Argentina), para realizar estudios de postgrado en la Diplomatura Superior de Música Contemporánea, con énfasis en guitarra, orientada por los maestros Luis Orias Diz y Omar Cyrulnik, egresando en el año 2015. Actualmente es maestrando de la maestría en interpretación de Música Latinoamericana de Siglos XX y XXI de la Universidad Nacional de Cuyo y paralelamente se desempeña como docente en la cátedra de guitarra clásica de la Escuela Municipal de Música (EMMU) de Tres de Febrero. Valentin Pelisch (Argentina) Su obra explora la materia sonora, escénica y visual de la música de cámara. Su producción incluye obras para ensamble, instrumentos solos, obras escénicas, instalaciones y video piezas. Diferentes ensambles y performers han presentado sus obras en espacios de América, Europa y Asia. Durante el 2019 su música fue programada en teatros y festivales de Austria, Alemania, Lituania, Rusia, Irán y Argentina. En 2018 comienza su participación como performer y compositor del proyecto BASURA, un dúo experimental para guitarra eléctrica procesada y video-scratching, que trabaja a partir de la improvisación sonora a partir de una excéntrica colección de fragmentos audiovisuales. Estudió composición en Buenos Aires con Gerardo Gandini y Marcelo Delgado. También cursó la carrera de composición con medios electroacústicos de la Universidad de Quilmes y participó de numerosos workshops y becas bajo la tutoría de muy diversos artístas. Vive y trabaja en y desde Buenos Aires. Para escuchar el disco visita: https://en.cmmas.com/ricardo-cuadros ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. < Back Ir al final | go to botom Dream – Tess Wagner (EUA) dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. Tess Wagner Tess is a multimedia artist, landscape designer, and ecological restoration practitioner. She lives in Patagonia, Arizona, where she manages the watershed restoration program for a local non-profit. Tess spends her free time exploring the wild landscapes of the sky islands and creating multimedia artwork inspired by her wanderings. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Resonancia / 共振 Carlos Maldonado [México] Carlos Maldonado (México) 7 jun 2024 Resonancia / 共振 Es una experiencia multisensorial. Un concierto que fusiona una banda sonora experimental, creando un viaje inmersivo a través del tiempo y la memoria. A partir de capas sonoras y texturas inusuales, sintetizadores etéreos, grabaciones de campo distorsionadas, la música desafía las convenciones llevando al oyente a un espacio sonoro donde lo familiar y lo desconocido convergen para construir paisajes y despertar la nostalgia Este concierto ofrece una oportunidad única para explorar la intersección entre la memoria, la música experimental y la conexión humana. Carlos Maldonado Filósofo y artista sonoro. Actualmente es candidato a Doctor en Filosofía por la Universidad Michoacana de San Nicolás Hidalgo. Su investigación tiene un enfoque en la producción sonora,sus resonancias culturales y las implicaciones políticas de la sonoridad. Es colaborador de la plataforma en línea Musexplat (Música Experimental Latinoamericana). Ha trabajado en la producción de diferentes montajes escénicos y performáticos. Compone y produce música experimental y atmosférica. Ha compuesto música para cortometrajes y videojuegos. Su producción sonora nace de la necesidad por apropiarse de los recursos musicales a la mano y transformarlos en atmósferas, en sueños y en sensaciones. Desde instrumentos acústicos, eléctricos, voz, software, o programación, todo puede constituir parte de texturas sonoras que buscan incrustarse en quien las escucha. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y Encuentros [MÉXICO] Intérprete (sax): Jorge Hoyo (México) 26 jun 2015 El repertorio seleccionado para este concierto representa la propuesta estética de cuatro compositores internacionales dedicados a la creación contemporánea. Aprovechando las posibilidades técnicas del saxofón, estos cuatro compositores proponen un lenguaje musical para el siglo XXI que combina el saxofón y la electroacústica. Jorge Hoyo, saxofonista Originario de la Ciudad de México, obtuvo el Bachelors of Music en 2001 en el Conservatorio de Boston, Estados Unidos en la cátedra de Ken Radnofsky. Al año siguiente ganó una beca del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para continuar sus estudios en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en París bajo la dirección de Jean-Michel Goury. Después de conseguir el Premier Prix de saxofón, obtuvo el grado de Perfeccionamiento, profundizando en el repertorio contemporáneo y en Pedagogía. En 2011 obtuvo la maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada en España. Como saxofonista, ha sido invitado a participar en varias ediciones del Encuentro Universitario Internacional de Saxofón que organiza la UNAM, en el XV Congreso Mundial de Saxofón en Bangkok, Tailandia, así como en la North American Saxophone Alliance Conference en Columbia, Estados Unidos en 2008. En México se ha presentado en foros como la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y la sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario. Su interés por la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con diversos compositores y ha estrenado obras de Dana Brayton, Howard Frazin y John McDonald (Estados Unidos); José Luis García y Joan Riera (España); Alejandro Morales y David Hernández (México); Geoffrey François (Francia), Shih-Hui Chen (China) y Halim El-Dahb (Egipto). En su actividad docente, ha sido profesor de saxofón en el Conservatorio de Nantes y en escuelas municipales de la región de Bretaña en Francia. Ha impartido cursos y clases magistrales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Conservatorio Superior de Málaga en España y la Universidad de Costa Rica. Programa To and fro (male courtship song) (2003) - Sergio Luque (México/España) Couleur sans bout (2005) - Geoffrey François (Francia/Bélgica) Memoria (2015) - Otto Castro (Costa Rica) Rupture (2015) - Pedro Rivadeneira (Argentina/Estados Unidos) Previous Next

Viernes 13 DE OCTUBRE 2023 Ir a cmmas.org < Back PinkNoise Ensemble Viernes 13 DE OCTUBRE 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Ana María Romano G. Ana María Romano Gómez (Bogotá, Colombia; 14 de julio de 1971) es una compositora interdisciplinaria, artista sonora, docente, curadora e investigadora colombiana que promueve la inclusión de las mujeres y disidencias en la música experimental en Latinoamérica a través de diversas espacios como el Festival En Tiempo Real desde su fundación en 2009, Plataforma feminista En Tiempo Real, así como la plataforma Microcircuitos.1 Es cofundadora de la plataforma Paisajistas Sonoras- Latinoamérica, Red de Compositoras Latinoamericanas, entre otras.2 Su trabajo de investigación promueve el trabajo de pioneras electrónicas en la música latinoamericana, principalmente de la compositora colombiana Jacqueline Nova. Proximamente Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

La presentación "Poética de la espacialidad como proceso creativo" tiene como objetivo presentar algunos ejemplos de cómo he traído la espacialidad como un aspecto central de mi investigación teórica y práctica. Los conceptos teóricos sobre el espacio electroacústico aportados por autores como Denis Smalley y Annette Vande Gorne se utilizan como herramienta para el diseño de espacios sonoros, así como una forma de descripción analítica de una narrativa sonora espacial. < Back Ir al final | go to botom Poéticas de la espacialidad como proceso creativo - Frederico Santiago (Brasil) La presentación "Poética de la espacialidad como proceso creativo" tiene como objetivo presentar algunos ejemplos de cómo he traído la espacialidad como un aspecto central de mi investigación teórica y práctica. Los conceptos teóricos sobre el espacio electroacústico aportados por autores como Denis Smalley y Annette Vande Gorne se utilizan como herramienta para el diseño de espacios sonoros, así como una forma de descripción analítica de una narrativa sonora espacial. Frederico Santiago Frederico Santiago es compositor, productor musical e investigador. Trabaja como compositor, editor de sonido y mezclador audiovisual. Actualmente se encuentra en proceso de masterización de Procesos Creativos en Unirio con una investigación sobre estrategias para la articulación del espacio en la composición acústica. Su trabajo sonoro explora narrativas y potencialidades de la espacialidad como dimensión poética en la creación de entornos de escucha virtuales. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

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