Search Results

Viernes 23 de mayo 2025 Ir a cmmas.org < Back Concierto: Jornadas de Música Contemporanea Viernes 23 de mayo 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

18.07.2022 < Back 9.- Curadora: Malitzin Cortés 18.07.2022 Alucinaciones híbridas | Metaverso y performance Expandido Curadora: Malitzin Cortés (CNDSD). Músico, Artista digital y Programadora. Adopta la transdisciplina y tecnología en las prácticas transmedia contemporáneas, su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, VR, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual, Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín y en festivales internacionales de arte sonoro y música experimental como la Conferencia Internacional de Live Coding, Transpiksel, Aural, Transmediale, Simposio Internacional de Arte Electrónico Corea, CYLAND MediaArtLab San Petesburgo, MUTEK México, Montreal y San Francisco. Programa Realidad Expandida e interacción XR al Fresco | Partituras Interactivas para Música Invisible Julian Bonequi (MX) Composición para Realidad Extendida grabada en vivo, en el Concierto de Clausura en Variable X - Foro de Inmersión y realidades extendidas en Latinoamérica, en el Centro de Cultura Digital, en Diciembre 3, 2021. Conciertos VR con PatchXR | Creando música dentro del metaverso ACTO 1 Where, When, How. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace (EU) ACTO 2 Can Be Reclaimed. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace / SAVAGES (EU/MX) ACTO 3 Parallel { | | } Metaverse. Laura luCas (MX), Nesso (It), Ivan Abreu (MX) y CNDSD (MX) Web VR y performance presencial 360 MUXX exhibición WebVR piezas audiovisuales (recorrido)| EPOCH Gallery | Los Ángeles County Museum of Art (LACMA) MUXX: Performance transmedia explorando el género no binario a través del lente de les muxes. Lukas Avedaño(MX), EYIBRA(EU), NNUX(MX) y Oswaldo Erréve(MX) Previous Next

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Gabriel Gendín Ver cursos disponibles Gabriel Gendin Compositor, artista multimedial, investigador y profesor. Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Realiza múltiples obras con música, imágenes y nuevos medios, interactuando con danza, teatro, instalaciones multimedia, artes visuales y performance. Ha recibido diversos premios y becas, entre lo que se destacan: Primer premio en composición otorgado por el Fondo Nacional de las Artes “Juan Carlos paz” por su obra Intihuatana. Primer Premio Residence por la obra “Indeleble”, en el 33° Councurs Internacional de Musique et d´art Sonore Electroacustiques de Bourges, Francia. Residencia en la Universidad de Birmingham, Inglaterra. Beca del ministerio de cultura español para realizar una residencia en LIEM del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; entre otros encargos, becas nacionales e internacionales. Como compositor y artista multimedial ha presentado sus trabajos en distinguidas salas, festivales, museos y teatros de Argentina como también en México, Brasil, Francia, Estados Unidos, Ecuador, España y Austria. Dentro del ámbito académico es profesor titular de cátedra de la UNNE (Universidad Nacional del Nordeste) y UNA (Universidad Nacional de las Artes), profesor de seminarios de posgrado, Director de la Licenciatura en Artes Combinadas (FADyCC, UNNE), investigador, y director de proyectos de innovación tecnológica. Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

SHOP Talleres | Workshops Para participar en cualquiera de nuestros talleres gratuitos, es necesario que te inscribas previamente. Si estás interesado en alguno, por favor escribe a tonalli@cmmas.org para reservar tu lugar. 06. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Sounding the Data Scott Wilson (Re in o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés This workshop will explore some possibilities of the use of data sonification for music creation, with a particular focus on datasets related to climate change. Taking a hands-on approach focussing on creative use of these techniques, this workshop will be suitable for beginners, and no previous experience with sonification or programming will be required. 15:00 - 17:00 - Acoustic Ecology Soundwalk and Field Recording Workshop Rob Mackay (Rein o Unido) Sede: Sal ón de cursos 2 Curso dictado en inglés Acoustic ecology/field recording/live-streaming workshop led by Dr Rob Mackay (Chair of the UK and Ireland Soundscape Community (an affiliate of the World Forum for Acoustic Ecology)). Rob will lead participants on a sound walk, introducing them to deep listening practices. Field recording techniques will then be explored through a range of devices, including different microphones, hydrophones and contact mics, in order to listen in to the often unheard sounds of different environments. Finally, Rob will introduce participants to high-quality live-streaming of environmental sounds using the Locus Sonus Soundmap and the LocusCast app. 07. Marzo | March 15:00 - 17:00 - The Sound of Science: making music with sonified science data Andrew Lewis (Rein o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés Andrew Lewis will deliver a workshop for composers and musicians on practical techniques for turning various kinds of data into sound, including work with Max/MSP. This will include online contributions from scientists at Bangor University. Composers will be invited to supply their own sources of data for use in practical, hands-on demonstrations of compositional techniques. 15:00 - 17:00 - Listening to the environment and field recording techniques Annie Mahtani (Re in o Unido) Sede: Salón de cursos 2 Curs o dictado en inglés 08. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Hacie ndo música con los sonidos de nuestro entorno ecológico - Parte 1 Leigh Landy (Rein o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Cu rs o dictado en inglés Reflecting my talk and my piece already presented at the festival, a talk will be offered regarding how sampling is for everyone and how sampled materials can be treated creatively and related to issues in today’s world. This will take place on the first day and followed by a session where the participants will form groups and record sounds in Morelia which will form the material for a short composition. Day 2 is focused on the groups composing with the materials focusing on how, through organising sounds, we can raise awareness regarding our environment and climate change. The final part of that day will include a sharing of the works and a collection of participants’ views on this subject. 09. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Haciendo música con los sonidos de nuestro entorno ecológico - Parte 2 Leigh Landy (Rein o Un ido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés Reflecting my talk and my piece already presented at the festival, a talk will be offered regarding how sampling is for everyone and how sampled materials can be treated creatively and related to issues in today’s world. This will take place on the first day and followed by a session where the participants will form groups and record sounds in Morelia which will form the material for a short composition. Day 2 is focused on the groups composing with the materials focusing on how, through organising sounds, we can raise awareness regarding our environment and climate change. The final part of that day will include a sharing of the works and a collection of participants’ views on this subject. 10. Marzo | March 15:00 - 17:00 - Flotar Yair Lopez (México) Sede: Sal ón de cursos 1 Curso dictado en inglés A través de la exploración de la poesía y la prosa, los participantes aprenderán a utilizar su voz y su creatividad para crear obras que aborden estos temas importantes de una manera artística y emocional. Además, el taller incluirá actividades prácticas de grabación de campo para capturar sonidos ambientales y crear piezas sonoras que reflejen la belleza y la fragilidad de nuestro planeta. El objetivo final es crear una compilación de obras literarias y sonoras que sean un llamado a la acción y una reflexión sobre nuestra relación con el medio ambiente y el cambio climático. Los talleres han alcanzado su capacidad máxima de inscripción. Queremos agradecer a todos los que mostraron interés en participar. Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Sabina Covarrubias Sabina Covarrubias es compositora e investigadora en el área de informática musical. Su trabajo de música-visual ha sido comentado y analizado en importantes revistas como el Computer Music Journal del MIT, en 2020. Covarrubias estudió la licenciatura en composición musical en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. En 2010 obtuvo el Master con especialidad doble en etnomusicología y composición asistida por computadora en la misma universidad. En 2016 obtuvo el diploma de doctorado en “Estética Ciencias y Tecnología de las Artes”, especialidad : Composición asistida por computadora en la Université de Paris 8. En 2020, obtuvo la certificación de conocimientos: “MAX perfeccionamiento” por parte del IRCAM, Francia. Más información en : www.sabinacovarrubias.com Ver cursos disponibles Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

Javier Álvarez 1956-2023 Comp ositor, creador, educador, gestor cultural Nacido en 1956 y criado en la Ciudad de México, el compositor, educador e intelectual Javier Álvarez creció en una familia de arquitectos, aprendió a tocar el clarinete y comenzó a componer a temprana edad, tocando jazz y música tradicional mexicana durante su adolescencia. La efervescencia artística, literaria y musical de su país natal y sus estudios de pregrado en el Conservatorio Nacional con los mentores Mario Lavista y Daniel Catán lo impulsaron a alcanzar el reconocimiento como compositor emergente a principios de los años setenta. Después de obtener más títulos académicos de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee y más tarde del Royal College of Music y la City University de Londres, donde vivió y trabajó durante casi 25 años, regresó a su país natal en 2005. La búsqueda musical de Javier Álvarez ha involucrado varios géneros a lo largo de su vida: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1978, a los 17 años, obtuvo reconocimiento nacional como ganador de un premio de composición orquestal y para 1993 había compuesto la música de Cronos, la ópera prima del cineasta ganador del Oscar Guillermo del Toro. La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. En las conceptualizaciones musicales de Álvarez, como en las de Ginastera, Bartok, Lutoslawski o Revueltas, esto no es solo un adorno fácil: cuando uno escucha obras como Temazcal se reconoce una voz individual, un poder cognitivo; ese que surge cuando, en cada nueva escucha de una pieza, uno percibe una singularidad que es nueva y desafiante pero identificable: una mezcla abstracta y fluida de fantasía, humor, inteligencia e imaginación que es única e individual. En consecuencia, la música de Álvarez impregna una trama fantástica, pero el oyente invariablemente percibe una "claridad de dicción", o lo que en música se refiere a la capacidad del compositor para convertir lo que primero se imagina y luego se escribe en una experiencia sonora memorable. Esta es una hazaña mental que solo unos pocos artistas logran lograr. En palabras del musicólogo Aurelio Tello, “las obras de Álvarez reflejan un lúcido deseo de borrar las fronteras entre lo erudito y lo popular y afirmar un compromiso con lo heredado, lo aprendido y lo creado. Imagina una escena para transformarse en sonido, ya sea un movimiento de remeros, como en Trirreme ; la mecánica de un objeto, como en De aquí a la veleta , la invención de un folclore imaginario, como en Geometría foliada , y un paseo rutinario que estimula la imaginación creadora del compositor, como en Jardines con palmera . Luego procede con una orquestación impecable, lo que resulta en el descubrimiento de una gran cantidad de timbres, una certeza sonora que distingue a Javier Álvarez como uno de los compositores contemporáneos más refinados, personales y originales”. Amigo entrañable y maestro en todos sentidos. Siempre agudo y con una crítica sincera pero constructiva. Padre, marido, amigo, compositor, intérprete, maestro, gestor, director. ¿Cómo se puede ser tantas cosas? En realidad, son una sola. Transportador de ideas en sonido y en palabras, en acciones y en gestos. Javier es la razón de escuchar diferente y conmoverme tanto con el sonido. “Debes de llevar esta idea al máximo. Cuando sientas que ya no da mas, ahí apenas estas comenzando” decía. Su música, sorprendente, conmovedora, conectada con lo importante. Interesado en tantas cosas. En el origami, el café, la política, los gadgets, los bichos, la foto, los espacios. Recordaba detalles significativos, pero estaba ahí para las cosas de cada día. Pilar siempre del CMMAS, de Visiones Sonoras y muchos otros planes. Te voy a extrañar para siempre y para siempre te daré las gracias mas profundas que puedan existir. Rodrigo Sigal (mayo 24, 2023) A manera de homenaje el CMMAS ha recopilado en este sitio el material que hemos tenido la fortuna de producir, apoyar y compartir. Los invitamos a escuchar, conocer y disfrutar del trabajo de Javier Álvarez: Recordar a los compositores que hemos conocido, contar sus historias, realizar sus dibujos verbales, su écfrasis creativa, es más importante y urgente de lo que uno piensa. Cuántos amigos de Revueltas se llevaron con ellos las anécdotas, las conversaciones, los recuerdos de los momentos vividos, o de Chávez, o Candelario Huizar cuando era laborioso y paciente bibliotecario del Conservatorio Nacional. Hay, si acaso, alguna foto. Porque no se usaban las fotos como ahora, podría decirse, pero tampoco hay fotografías de palabras, y las palabras no escaseaban entonces. El propio Manuel Enríquez, tan cercano a nosotros y tan lejano a la vez. Y ya que le he mencionado empezaré por ahí. Conocí a Javier en el viejo Cenidim, en el primer Cenidim, que fundó y a la sazón dirigía Manuel Enríquez, precisamente. Javier llegó desde las humedades grises de Londres para escribir una obra electroacústica en el laboratorio instalado en la calle de Liverpool (16), donde estaba atracado un Moog monumental, como en una película retro de ciencia ficción. —Vine de Londres a Liverpool, que chiste —dijo, siempre con un sentido del humor a flor de piel. Se aparecía, y daban ganas de sonreír. Contagiaba su vitalidad feliz. Tenía dentro de sí una especie de sol meridiano portátil que no le abandonó ni en los momentos más grises. Javier estaba ahí, invitado por Enríquez. Todavía no nacía la Mac, hay que decirlo, porque esas computadoras, desde la Classic, constituyeron uno de los detonantes de felicidad metafísica de Javier. Yo andaba por los diecisite. Era el año 79, quizás el 80. El Cenidim, en su primera versión, estaba ubicado en una casa porfiriana de gran belleza, con ventanas nostálgicas que empezaban a desanudarse de un pasado lleno de voces y sonidos. Ese pasado se desprendió del todo con el terremoto del 85. Todo alrededor. Pero la vieja casona sobrevivió de manera inverosímil, y ahí siguió, desfasada de su centro de gravitación, lo que pareció asentarla en un espacio descolocado de deconstrucción muy a la moda. Hoy es la sede de la fundación Ocavio Paz. Tenía una escalera de caracol con baldosas de mármol. Javier, como hijo de arquitecto, hacía constantes reflexiones sobre sus proezas constructivas, con gran tino, como si la casa le susurrara sus secretos al transitar por ella. Al fondo, en lo que inicialmente debió ser un jardín, se construyó una mole rectangulada, un tanto Bauhaus, que por fortuna parecía discretamente escondida. En la planta baja estaban instalados los gabinetes para el taller de composición, que dirigió por muchos años Federico Ibarra. En la segunda planta aguardaba el tesoro, el laborioso laboratorio instalado con exactitud ingenieril por el ingeniero Raúl Pavón, uno de los pioneros de la electroacústica quien recibió a Javier con el emotivo comedimiento con que son recibidos los héroes. Javier venía de escuchar otros sonidos más allá del oceano (no había Internet y los acetatos eran la tecnología de punta), y Pavón quería no tanto escucharlos, como imaginar sus centáuricas estructuras acústicas. En ese momento la electroacústica nos presentaba sonidos no escuchados, sonidos imposibles seguramente provenientes de otra galaxia. Escuchábamos las transformaciones internas del sonido como cosas de otro mundo, aunque la acústica nos las explicara como cosa sensata e inofensiva. Fue el paso desde la electroacústica que quería parecerse a los instrumentos, para sustituirlos, a una electroacústica que no quería parecerse a nada. De pronto emergió un instrumento insólito, un super órgano, que era como un cerebro exterior. Todo ocurría a través de cables, como si fuera un sistema de neuronas conectándose. Dado un sonido, un cable aportaba la altura, otro, la onda cuadrada o sinosoide, uno más, las envolventes de ataque y decaimiento, y había que agregar la intensidad, y las mezclas de las ondas (por ejemplo de la cuadrada con la triangular), y aún recursos candorosos de espacialización (candorosos si los comparamos con un sistema multicanales de hoy, aunque resultaba igualmente emocionante y espectacular). Todo eso era necesario para cada instante de sonido. Hoy hemos perdido esa latencia de lo insólito, y las sonoridades más remotas han adquirido una cierta indolencia doméstica. El laboratorio, cuyo cerebro era el Moog, se desplegaba en un laberinto de cables y conexiones, miles y miles, con cables rojos, verdes, amarillos y azules, cada uno con un código indispensable. Detrás de cada cable se ocultaba un universo desconocido y fantástico. El compositor electroacústico de entonces tenía la obligación de aprender acústica. Y por ahí se encuentra una de las historias de vida de Javier, siempre al día con la última posibilidad tecnológica, siempre agotando el último recurso en espera automática del nuevo. Javier nos cuenta con sus obras la historia tecnológica del sonido de las últimas décadas, de las décadas definitivas, en las que pasamos de grabar y cortar cintas a los procesadores del siglo XXI. Pavón quería saber cómo podía situarse su laboratorio de sonidos en el contexto de los espacios de creación que Javier había conocido en Europa y Estados Unidos, y le preguntaba constantemente por su punto de vista sobre los recursos encontrados ahí. Tenía dudas del profesionalismo de soluciones a la mexicana, con materiales comprados en la tlapaleria de la esquina, pero a la vez confiaba en la fortuna del resultado. En el centro había un Moog, que era como un sistema neuronal de un futuro distante hecho de conexiones por cables. Si ustedes han visto el área de cables del Cmmas, debo decirles que es cosa de niños frente a aquella habitación en la que los sonidos eran reducidos constitutivamente a su condición de cables. No es que cada cable fuese un sonido, pues cada sonido requería para consituírse un conjunto de cables. Algo verdaderamente alucinante. Una sola secuencia de sonido requería horas de trabajo conectivo. Había, claro, la intuición y la predicción teórica de lo que ocurriría con cada nuevo enchufe, pero siempre con el temor de algunas sorpresas que llegaron a volar las ventanas de vidrio. Entre otras cosas, ahí comprendí la potencia del sonido, que hasta entonces me había parecido inofensivo. En el doble sentido decibélico y simbólico. Fueron décadas de cambios prodigiosos, que Javier recorrió minuciosamente, escalón tras escalón. Durante medio siglo Javier compró cada artefacto que prometiera hacer algún ruido, al grado de que si los hubiera guardado (¿los guardó?) podría hacerse con ellos un museo del sonido que al mismo tiempo escribiera la biografía de Javier y de la electroacústica. La historia tecnológico-sonora de esas décadas es científica y a la vez fantasiosa, y descubre nuevos territorios de manera constante. Se llegó a decir que estábamos ante el fin de los instrumentos de madera y metal, ante el fin de las orquestas y cuartetos de cuerda. Javier veía en sus fierros y plásticos y pantallas verdaderos guarnieris en potencia. Iba de éxito en éxito con sus artefactos, pero al mismo tiempo de fracaso en fracaso, porque cada recurso mostraba sus límites con la salida del nuevo recurso, más potente, más rápido, más brillante, más poderoso desde el prestigio de su marca Acme. Hay algo triste en ese proceso, algo que no pasa, digamos, con los Guarnieri o los Stenway, que llegan para quedarse. Esa cosa efímera se vuelve constitutiva de la estética. Javier decía, con un realismo feroz, que lo que hacemos es efímero, un mero happening sin más trascendencia que el presente. Las propias historias de Javier son muy sugerentes al respecto, desde la que cita como su estímulo definitivo para tomar la decisión de ser músico, en una casa cuyas tuberías hacían propuestas percusivas aleatorias cada vez que alguien abría la llave. O aquellas historias de París, como huésped del entonces joven IRCAM. Generaba sus conexiones y lanzaba un proceso. Mientras los aparatos generaban los tres segundos de sonido inventado, Javier podía irse por un café a los Campos Elíseos y hasta escuchar de paso una sinfonía de Berlioz. Hoy eso mismo se hace en menos tiempo de lo que puede contar como tiempo. Hay que decir que Pavón escribía el que a la postre sería el libro pionero de la música electrónica en español (La electrónica en la música y el arte), y muchas de las cosas contenidas en él (yo estuve a cargo del proceso editorial) fueron tratadas por Pavón en esas conversaciones con Javier. Enríquez también era electroacústico en una buena escala, pero tanto como lo fueron Berio o Ligeti. Es la generación de Javier la que inicia con plenitud la vida electroacústica llena de aparatos que harán obsoletos en muchos sentidos a los conservatorios (Javier hablaba de ello con frecuencia), y en donde empezarán a existir compositores que vienen del ámbito de la ingeniería y no del contrapunto. A la vertiente tecnológica como medio de aproximación a Javier, sumaría una inmediatamente consecuente: el estallamiento de los sistemas de composición en tanto sistemas interválicos, base de la teoría por varios cientos de años. El sonido es otra cosa apasionante además de sus alturas. ¿Qué es? Esa sigue siendo una pregunta viable. Y con cada obra de Javier podríamos explorar una respuesta distinta. He pensado ahora que surge de pensar que hay una afinidad conceptual en el diseño de un mosquito y de un helicóptero, y escribe una obra que muestra la transición entre ambos mundos, que al final parece un simple asunto de decibeles. Mencionaré brevemente, por apremio de tiempo, un par de cosas más, que se entrelazan. Me refiero a su mexicanismo, un tanto nostálgico, imaginado por una buena etapa de su vida desde otras latitudes. La idea de poner títulos con nombres de estaciones del metro suena hoy natural, pero en su momento fue todo un desafío. Un guiño. En ese momento seguía presente, como lo está ahora, la disputa entre vanguardia y nacionalismo, como si fueran dos cosas incompatibles. Imaginemos de un lado a compositores como Leonardo Velázquez y del otro a Manuel Enríquez y Alicia Urreta. Javier, con un pie en cada lado, mostró otras posibilidades. Una especie de nacionalismo urbano contemporáneo, surgido de los sitios menos predecibles. Sin excluir los referentes simbólicos indígenas. Por ejemplo, Temazcal, que termina con una breve cita de música mexicana. Es una de sus obras más exitosas, porque reúne las señales más exactas de la obra de Javier, desde la selección ritual, chamánica, de las maracas, hasta la habilidad tecnológica. La aparición de la última cita es una revelación, parece que toda la obra es una deconstrucción de eso que escucharemos al final, como si todo lo electroacústico fuera esa cita vista desde el revés. La electroacústica como deconstrucción de lo real. Eso parece decirnos la obra. Y de pronto en una transición nos lo muestra. Esa sorpresa de ir de un punto abstracto, de sonidos que no existen hasta ese momento en que nacen, a otros sonidos que no sólo existen desde antes, sino que tienen una fuerza cultural absorbente, ahí, en esa transición, en esa frontera, ahí surge Javier Álvarez. Ahí, entre líneas, están las claves de lectura de la gran obra musical de Javier. Finalmente hablaré de poetas. Como Debussy, como Revueltas o Lavista, Javier amaba particularmente a dos poetas, al menos. Pero Tabasco y Yucatán y el sur en su conjunto forman una sola unidad cultural. Ambos tabasqueños. Ambos, poetas mayores. Pero a la vez, ambos mal leídos, por distintas razones. Por tanto no alcanzan a tener en el imaginario popular el alto rango que realmente poseen. Uno solar, transparente, admirado por el propio Revueltas en su versión joven: Carlos Pellicer. Formado con recursos de apariencia tradicional, su contenido de cien grados alcohólicos de poesía lo salva de los lugares comunes de manera permanente. La selva, el sol están en él como de algún modo también en Javier. El otro, que escribió un sólo vasto libro, José Carlos Becerra, otro Carlos. Su libro: El otoño recorre las islas. El otro extremo de lo solar, pero en el universo de la selva, del Caribe, de la humedad pesada de sonidos. Habría que buscar una lectura en clave de ambos Carlos para leer entre líneas la obra de Javier. Dije al principio que Javier, cuando aparecía, iba precedido de una sonrisa solar meridiana, en el doble sentido de Mérida y de medio día sin sombras. Luis Jaime Cortez (septiembre, 2024) Obra "La música de Javier Álvarez refleja la influencia de las culturas populares que van más allá de las fronteras de nuestro tiempo y espacio; su trabajo es representativo de una corriente sumamente importante en las artes." John Adams Homenajes Conferencias y entrevistas Galeria Conoce el homenaje en Sonus Litterarum

To play, press and hold the enter key. To stop, release the enter key. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

CREATIVE MINDS COME TOGETHER Instituciones INSTITUTIONS Anton Bruckner University - Austria 1 2 Benemérita Universidad Autónoma de Puebla México CEMLA Valpo Chile 1 Centro México 1 Centro de Investigación y Estudios de la Música México 1 Cepsa, UNLA Argentina 1 2 City University Reino Unido 1 2 College of the Siskiyous EUA 1 Concordia University, Montreal - Canada 1 2 3 4 5 6 Conservatoire à rayonnement départemental Iannis-Xenakis - Francia Conservatorio Nacional de Lima - Peru 1 2 Conservatorio Nacional de México 1 2 3 Conservatorium of Music, University of Sydney Australia. 1 De Montfort University Reino Unido 1 2 3 4 Departamento de Artes Musicales de la UNA Argentina 1 2 1 2 UNA - Artes Multimediales Argentina 1 2 3 4 Departamento de Artes y Humanidades Universidad Autónoma Metropolitana Unidad Lerma - México 1 2 3 4 ESAY - México 1 Escuela Superior de Música de Monterrey México 1 2 3 Escuela Superior de Música - México 1 5 Especialización en Arte Sonoro, de la Universidad Nacional de Tres de Febrero Argentina Facultad de Artes y Ciencias Musicales, UCA Argentina Ionian University Grecia JAMU República checa Música y Arte Sonoro del Instituto de Cultura de Jalisco - MX 1 3 2 1 1 2 1 Phonos, UPF España 1 Posgrado d ela Facultad de Música de la UNAM - MX 1 2 The Front, Casa Familiar 1 2 Uniandes - Colombia 1 2 Universidad Austral Chile 1 Universidad Autónoma del Estado de Morelos México 1 2 3 Univ California Santa Barbara - EUA 1 2 3 4 Universidad de Costa Rica 1 Universidad de las Artes Ecuador 1 2 3 Universidad Espíritu Santo, Guayaquil Ecuador. Facultad de Artes - Ecuador 1 University of Manitoba Canada 1 Universidad Nacional del Nordeste - Argentina 1 Universidad Nacional de Quilmes - Argentina 1 2 3 University of Arizona EUA 1 2 University of North Texas EUA 1 University of California Riverside - EUA 1 2 3 4 5 Medios de contacto TutorContacto Alejandro Castañosalecas@mac.com Annie Mahtania.j.mahtani@bham.ac.uk Adam Stanovica.stanovic@lcc.arts.ac.uk Diego Benalcazard.benalcazar@lcc.arts.ac.uk Thomas Gardnert.gardner@lcc.arts.ac.uk Berk Yaglib.yagli0120221@arts.ac.uk Tonalli R. Nakamuratonalli@cmmas.org Rodrigo Sigalrodrigo@cmmas.org Francisco Colasantofrancisco@cmmas.org Rosa María Mezarosamaria.meza@tamf.org.mx COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

En septiembre de 2026, el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) celebrará su 20º aniversario en Morelia, Michoacán. Desde su creación en 2006, el CMMAS se ha consolidado como un referente en Iberoamérica para la creación, reflexión y aprendizaje de la música contemporánea, con y sin nuevas tecnologías . Este centro de investigación, experimentación y desarrollo de proyectos sonoros ha colocado a México en un lugar privilegiado y ha ofrecido la oportunidad a decenas de artistas de múltiples países de trabajar, generar, conversar y conocer perspectivas novedosas del uso del sonido y la tecnología como medio de expresión. A lo largo de estos años, el CMMAS ha sido sede del Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías "Visiones Sonoras". Este festival ha reunido a músicos, compositores y artistas de gran parte del mundo, ofreciendo propuestas innovadoras que integran nuevas tecnologías en la creación musical. Además de su labor artística, el CMMAS ha impulsado la formación académica y la colaboración internacional, estableciendo vínculos con instituciones de prestigio en México e internacionalmente. Su compromiso con la educación y el desarrollo de la música y las artes sonoras ha sido fundamental para su crecimiento y reconocimiento en la comunidad artística global. La celebración de este 20º aniversario no solo es un reconocimiento a su trayectoria, sino también una oportunidad para reflexionar sobre el impacto del CMMAS en la evolución de la música contemporánea y su papel en la transformación social a través del sonido. Con una visión que busca posicionar al sonido y la música como vehículos expresivos y de cambio, el CMMAS continúa siendo un pilar fundamental en la escena cultural de México y América Latina. Actividades presenciales 1646 Residencias artísticas 356 En el CMMAS no todo te va a gustar pero algo te va a encantar. Conoce nuestro acervo , nuestros productos y esperamos que puedan estar cerca de nosotros los siguientes 20 años. ¡Gracias!. Nada de esto hubiera sido posible sin el trabajo incansable del equipo del CMMAS actual y aquellos y aquellas que trabajaron antes en este Proyecto. Así mismo a las instituciones públicas y privadas que han creído por 20 años en un proyecto diferente que pretende acercar la idea de que la tecnología y el sonido pueden ser espacios de expresión creativa a nivel profesional y no profesional, para todas las edades, en todos los lugares.

13.07.2022 < Regresar Marcelo Armani (Brasil) 13.07.2022 JUNTAR Marcelo Armani es artista sonoro, técnico de sonido, compositor y músico electroacústico brasileño. Su trayectoria incluye la producción de piezas e instalaciones compuestas tanto por la síntesis como por la manipulación sonora de grabaciones de campo. Su investigación reside en la práctica escultórica del sonido a partir de la composición de capas, la inmersión en el grano sonoro y el relato del entorno acústico cotidiano. Su práctica parte de procesos experimentales, utilizando cintas magnéticas, superficies amplificadas, sintetizadores analógicos y digitales controlados por interfaces de iPad como herramientas de expansión de tiempo y espacio, sugiriendo volúmenes, texturas y densidades. Armani ha realizado una serie de muestras, residencias y conciertos en países de América Latina, Europa, África y América del Norte. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Canoas, RS, Brasil. Descripción del concierto: Juntar (port)... unir/juntar diferentes cosas poniéndolas en contacto a través de diferentes materiales o medios. De estos sentimientos y significados parte el título de este concierto. Una forma de reunir, aunque sea de forma virtual, algunos de los compositores y artistas sonoros brasileños a partir de las investigaciones y experimentos de cada uno. En esta transmisión entramos en contacto con este tejido sonoro y visual propuesto en el universo de Alessandra Bochio y Felipe Merker, Dúo Teia, Felipe Vaz, Janete El Haouli, Marcelo Armani, Marco Scarassatti, May HD, Paulo Vivacqua, Renata Roman, Mariana Carvalho y Thelmo Cristóvam. Programa 1. Marcelo Armani Concerto pra Cocho Peça Sonora, 3’55’’ 2014 Esa pieza es un collage de una experiencia sonora aplicada sobre los locales utilizados para alimentar el ganado que en portugués es “Cocho”. Específicamente, busque por sonidos que producidos con un arco de violín aplicado sobre la extremidades de las hojas de metal que sirven de techo a ese local. El proceso de grabación lo hice utilizando micrófonos de contactos y um par de shotguns puestos abajo del techo. Los 3min y 55s, resumen un total de más de 1h15min de investigaciones y búsquedas sonoras. A lo largo de la pieza se puede percibir las distintas frecuencias, texturas y rítmicas que sumadas componen un universo muy particular. 2. Andrea May HD Matafantasma Peça Sonora, 5’46’’ 2022 Andrea May é artista visual e sonora, curadora independente e doutoranda em Artes Visuais pela Universidade Federal da Bahia (UFBA). Criada especialmente para a edição Perspectivas Sonoras 2022 do Centro Mexicano de Músicas e Artes Sonoras – CMMAS, esta peça foi composta essencialmente por fragmentos de gravações de discos de vinil preparados e/ou intencionalmente manuseados para destruição dos hinos nacionais enquanto representação distópica de um país de apagamentos e sob um governo mal assombrado. 3. Alessandra Bochio e Felipe Merker Transduções [excertos, 2019] Performance Audiovisual, 3’04’’ 2019 Felipe Merker Castellani é artista multimídia, pesquisador e professor. Suas pesquisas atuais têm como ponto central o estudo de epistemologias contra-coloniais e suas possibilidades de entendimento e desdobramento no campo das artes. Como artista desenvolve instalações interativas, videoinstalações e performances audiovisuais em parceria com artistas de diversas áreas. É mestre e doutor em música na área de Processos Criativos junto ao Instituto de Artes da Unicamp, e bacharel em composição musical pela Faculdade Santa Marcelina. Alessandra Bochio é artista, pesquisadora e professora do Departamento de Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul - UFRGS. Doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da ECA/USP. Mestre em Artes pela Universidade Estadual Paulista IA/UNESP. Bacharel em Artes Plásticas pelo IA/UNESP, Licenciatura Plena em Arte pelo Centro Universitário Belas Artes. Realizou estágio de pesquisa na Université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Como artista se dedica a trabalhos colaborativos na realização de performances e instalações audiovisuais. 4. Janete El Haouli Sinfonia dos Sapos Peça Sonora (excerto), 7’03’’ Essa peça sonora, essa paisagem sonora aqui apresentada, é um excerto de uma gravação com duração bem maior (24m 52s). É uma ‘sinfonia dos sapos in natura.’ Apenas meus ouvidos e o microfone participaram dessa ação. Escuto essa peça como música, como jogos sonoros, como sons que dialogam e se articulam em diferentes camadas, timbres, texturas, alturas, densidades, ritmos. É importante ressaltar que o mais importante é a nossa atitude enquanto escutamos. E essa atitude é ou pode ser provocada pelo desejo de escutar os sons que estão ao nosso redor de diferentes modos e sob diferentes perspectivas. Para mim, isso é música porque música é tudo aquilo que escutamos com a intenção de se escutar como música. 5. Marco Scarassatti Sobre o que Esta Antes do Tempo Peça Sonora/Composição, 7’00’’ 2020 Sobre o que Esta Antes do Tempo faz parte do álbum que completa o processo iniciado com a construção da escultura sonora Exu, ligada à cosmovisão iorubá e, em particular, com este Orixá, entidade crucial nos rituais do candomblé afro-brasileiro, o mensageiro entre dois mundos, o guardião da vida energia. Marco fez a escultura a partir de objetos-encontrados relacionados ao Orixá combinando madeira e metal tradicionais amplificados por microfones de contato ao qual são acrescentadas cabaças com sementes e conchas do mar, tudo conectado a um par de alto-falantes chegando a interpretar a função do Igbá no ritual através de uma forma de som. 6. Duo Teia Teia Audiovisual, 5’15’’ Vídeo: Caetano Tola O duo TEIA é formado por Inés Terra (vozes) e Julia Teles (theremin e vozes). As artistas trabalham juntas desde 2017 e se interessam pela relação entre dispositivos eletrônicos e vozes, em processos improvisados e composicionais, explorando os limites das possibilidades dos instrumentos. Em 2019 TEIA gravou seu primeiro álbum que foi lançado em junho de 2020 pelo selo RKZ Records. 7. Paulo Vivacqua Radiopolyphony Peça Sonora, 5’06’’ 2003 A multi-channel composition broadcast on the internet and the radio spectrum over a period of six weeks. Peter Lasch, Federico Marulanda, Kelvin Park,and Paulo Vivacqua, in collaboration with THING.FM.vEach sound channel is broadcast over a different radio frequency or internet stream, and is composed so that it can be heard either independently or mixed. The piece is not accessible to any audience as a whole. Instead, it provides a structure that can be adapted to conditions that vary from the private to the public; what the listener hears depends on which channels can be accessed at any particular time or place. The four voices, composed by Paulo Vivacqua. 8. Renata Roman Nada Peça Sonora, 4’11’’ 2020 Renata Roman é uma artista independente brasileira. Atualmente baseada em Havana, Cuba. Pesquisa a poética do som e da escuta e suas relações com a memória, o espaço e a visualidade. Seu trabalho transita por instalações, arte de rádio, gravações de campo, colagens e música experimental. Criadora do São Paulo Sound Map (SPSoundMap). 9. Mariana Carvalho Piano Habitat Performance 2019 Nasci em São Paulo, Brasil, 1994. O piano é meu instrumento desde os oito anos de idade, além de ponto de partida para a improvisação livre, música experimental, arte sonora, música contemporânea, performance e experimentos com o corpo, eutonia, dança, voz. Fiz bacharelado em piano na Universidade de São P aulo (2013-17). Faço parte do NuSom, Núcleo de Pesquisas em Sonologia da Universidade de São Paulo (2017- ), da rede Sonora - músicas e feminismos sonora (2016 - ), da Orquestra Errante, grupo de improvisação livre (2013 - ) e do Duo Submerso com Daniel Grajew. Participarei do programa de residências de Q-O2 em agosto/setembro de 2019, em Bruxelas, Bélgica. Em 2018 participei por dois meses do programa de residências do Centro Negra - AADK Spain, em Blanca, Murcia, Espanha; da residência de formação do XII Festival Tsonami Arte Sonoro em Valparaíso, Chile; do Escape Art Lab, residência-laboratório de dança contemporânea, música contemporânea e improvisação em Tescani, Romênia. 10. Thelmo Cristovam Aço Peça Sonora/Free Improv, 7’42’’ 2003 Free improvised based electroacoustic composition (Acoustic guitar and objects). The title and the atmosphere are inspired from “Iron Foundry” by Alexander Mosolov. The composition was intended to be from na alien soundscape in an imaginary place, called Õstrõ Hyija. So, this piece is the imaginary “field recording” from a foundry there. At the time of the composition/recording, my grandmother was hospitalized and died soon. Since then, the work is a complete scapism/isolation to another place. 11. Felipe Vaz Juntos/as/xs/es Performance/Audiovisual, 8’53’’ 2021 Juntos/as/xs/es é uma investigação sobre o paradoxo entre a necessidade de ação coletiva contra o autoritarismo no Brasil e não poder se reunir fisicamente durante a pandemia. Este projeto foi encomendado pelo Festival Novas Frequencias (Brasil, 2021) e abriu uma chamada aberta para jovens músicos brasileiros interpretarem uma partitura gráfica de Vaz. A partitura é um objetivo metafórico comum a todos, apesar das diferenças pessoais, e os músicos foram solicitados a tocá-la apenas com base na partitura do vídeo, sem ensaios em grupo ou mais instruções. Previo Siguiente

To play, press and hold the enter key. To stop, release the enter key. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

Conferencia | Lecture Regresar Conferencia | Lecture Sigal, Derbez y Álvarez: reflexiones sobre la música mixta Gonzalo Macías (México) Partiendo de un trabajo de investigación realizado en 2007 (una tesis de doctorado), abordaré la composición de la música mixta, centrándome especialmente en tres piezas del repertorio mexicano (y en los modos de relación que se pueden deducir de su escucha). Así, trataré de establecer algunos conceptos útiles para acercarse a la construcción sonora que implica la música mixta, a partir de la siguiente pregunta: ¿se pueden nombrar y comprender las relaciones que se crean entre las distintas fuentes sonoras, es decir, voz, instrumentos y los sonidos electroacústicos? Gonzalo Macías Nace en 1958 en Huamantla, Tlaxcala. Estudia piano con Isaías Noriega de la Vega en el Conservatorio de Puebla y con Jorge Suárez en la Escuela Nacional de Música, donde comienza sus estudios de composición con Federico Ibarra. En 1988, como becario del gobierno francés estudia composición con Sergio Ortega, análisis con Betsy Jolas, orquestación con Gérard Grisey y música electroacústica con Michel Zbar. En 1992 recibe la Medalla Mozart del Instituto Cultural Domecq de la Ciudad de México. Su música se ha publicado en Ediciones Mexicanas de Música y se ha estrenado en diversos festivales, como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez o el Festival Internacional Cervantino. Igualmente, ha participado en la composición de música para teatro, colaborando con directores como David Olguín, Jorge Vargas, Ludwig Margules y Javier Malpica. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Artes en cuatro periodos, (2001-2006; 2011-2013; 2015-2017 y 2020-2023). Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.