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< Back Ir al final | go to botom Conversación entre Francis Dhomont y Joao Pedro Oliveira Live conference on the 24.09.21 Francis Dhomont Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. An ardent proponent of acousmatics, his work (since 1963) is comprised exclusively of works for fixed media bearing witness to his continued interest in morphological interplay and ambiguities between sound and the images it may create. The Conseil des arts et des lettres du Québec has awarded him a prestigious carreer grant. In 1999, he was awarded five first prizes for four of his recent works at international competition (Brazil, Spain, Italy, Hungary and Czech Republic). In 1997, as the winner of the Canada Council for the Arts’ Victor Martyn Lynch-Staunton Award, he was also supported by the DAAD for a residence in Berlin (Germany). Five-time winner at the Bourges International Electroacoustic Music Competition (France) — the Magisterium Prize in 1988 — and 2nd Prize at Prix Ars Electronica 1992 (Linz, Austria), he has received numerous other awards. He is the editor of special issues published by Musiques & Recherches (Belgium) and of Électroacoustique Québec: l’essor (Québec Electroacoustics: The Expansion) — for Circuit (Montréal). Musical coeditor of the Dictionnaire des arts médiatiques (published by UQAM), he is also lecturer and has produced many radio programs for Radio-Canada and Radio-France. In 1978-2004, he has divided his time between France and Québec, where he has taught at the Université de Montréal from 1980 to ’96. Since the fall of 2004 he lives in Avignon (France) and regularly presents his works in France and abroad. Great traveller, he participates in several juries. He is an Associate Composer of the Canadian Music Centre (CMC, 1989) and a Founding Member (1986) and Honorary Member (1989) of the Canadian Electroacoustic Community (CEC). In October 2007, Université de Montréal awarded him a honoris causa doctorate. He is the president of the collective Les Acousmonautes (Marseille, France) — until its dissolution in 2016 — and “Ehrenpatron” (honour patron) of the organization Klang Projekte Weimar (Germany). He is awarded the Qwartz Pierre-Schaeffer 2012 (Paris, France), Baiocco d’oro 2012 (Perugia, Italia), and the Grand prize of the Giga-Hertz-Preis 2013 (Karlsruhe, Germany). In November 2014 he becomes an Honorary Member of the International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM). In 2017 he becomes the Honorary President of the Festival Klang! (Montpellier, France). He now focuses on composition and theory. João Pedro Oliveira Composer João Pedro Oliveira holds the Corwin Endowed Chair in Composition for the University of California at Santa Barbara. He studied organ performance, composition and architecture in Lisbon. He completed a PhD in Music at the University of New York at Stony Brook. His music includes opera, orchestral compositions, chamber music, electroacoustic music and experimental video. He has received over 50 international prizes and awards for his works, including three Prizes at Bourges Electroacoustic Music Competition, the prestigious Magisterium Prize and Giga-Hertz Special Award, 1st Prize in Metamorphoses competition, 1st Prize in Yamaha-Visiones Sonoras Competition, 1st Prize in Musica Nova competition. He taught at Aveiro University (Portugal) and Federal University of Minas Gerais (Brazil). His publications include several articles in journals and a book on 20th century music theory. www.jpoliveira.com Activity available on a specific day and time within Live Activities Full schedulle of live activities: https://en.cmmas.com/v17-airmeeet-landing ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Eva Zöllner & Heather Roche. [CANADÁ / ALEMANIA] Clarinete: Heather Roche (Canadá) Acordeón: Eva Zöllner (Alemania) 29 nov 2019 La clarinetista Heather Roche y la acordeonista Eva Zöllner son dos de las voces más versátiles y adaptables de la música contemporánea. Conocidas por sus performances experimentales y el uso de técnicas extendidas, el dúo construye conciertos con esteticas y enfoques en constante cambio. La creación de música aventurera, la toma de riesgos creativos y la innovación caracterizan su trabajo. En cooperación con compositores de diferentes cartes del mundo, crean un repertorio nuevo y emocionante que ponen en escena Nacida en Canada, la clarinetista Heather Roche vive en Londres. Como músico de camara y solista ella aparece regularmente en festivales europeos Es miembro fundador de hand werk, y también ha tocado con Musikfabrik (Colonia), mimitabu (Gotemburgo), Alisios Camerata (Zagreb), Apartment House (Lon- dres) y conjunto Proton (Berna). Ella escribio su Tesis doctoral en la Universidad de Huddersfield, donde se centró en la colaboración entre compositores e intérpretes. Su blog sobre la escritura para el clannete atrae a 90,000 espectadores cada año. Su primer disco en solitario, Ptelea está en HCR/NMC y su CD pre senta las obras de clarinete de Christopher Fox, Headlong Eva Zöllner estudió acordeon clásico en Colonia y Copenhague y se perfila como una de las acordeonistas más activas de su generación. Como solista internacionalmente reconocida, ha participado en multiples proyectos, desde interpretaciones experimentales en solitario hasta en conciertos con ensambles recono- cidos. Una parte importante de su trabajo consiste en la estrecha colaboración con compositores de su generación. Tiene más de 200 nuevas obras para su instrumento. Ha estado especialmente interesacta en explotar el potencial del acordeon en la música electroacústica y el arte multimedia Eva reside en Ale mania y vive como música nómada, viajando por todo el mundo para explorar su instrumento en diferentes culturas y contextos Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Kira Kira- [ISLANDIA] Artista: Kira Kira (Kristin Bjork) 23 abr 2012 Kira Kira es el alias de Kristin Bjork Kristjansdottir, música y artista visual y co-directora de Abuelita Lo-fi, filme que integra la sección de OBSERVATORIO. Su influencia en la escena artística islandesa en los últimos diez años ha sido de suma importancia, siempre explorando la relación entre la música experimental y las artes visuales Previous Next

< Back Richard Festinger (Estados Unidos) - Icarus in Flight Obra Composer Richard Festinger has garnered international recognition for his extensive catalogue of vocal and instrumental compositions. Writing for the Tanglewood Music Festival, Frank J. Oteri describes Festinger’s music as “notable for its combination of propulsive energy with an impeccable sense of poise and balance,” and WQXR Radio in New York has dubbed him “an American master.” Festinger is a professor emeritus of San Francisco State University. He received M.A. and Ph.D. degrees in composition from the University of California, Berkeley, and in 1985 co-founded the acclaimed San Francisco based modern music ensemble Earplay. Festinger’s music is published by C.F. Peters Corp. and Wildcat Canyon Music Press. His works have been recorded for the Naxos, Bridge, CRI, Centaur, and CRS labels. The recipient of numerous major awards and commissions, he has been honored with both the Walter Hinrichsen Award and an Academy Recording Award from the American Academy of Arts and Letters. Icarus in Flight Icarus in Flight In modeling the earth1s changing climate, my new quartet, Icarus in Flight, uses historical data on population growth, carbon emissions and land-use transformation, during the period 1880 projected out to 2080, to control certain aspects of the music. - Population growth controls the average density of musical events over time, increasing, in the worst case, by a factor of 9. In this context, density means the number of musical events in a given time period (if more than one instrument initiates an event at the same time it is still considered one event). - Carbon emissions control the frequency range of the music, from lowest to highest pitch, increasing gradually from a perfect fifth in the middle register to a span of 6.25 octaves, before collapsing to almost nothing. - With respect to land-use , an increase from 13% to 43% of the earth1s land surface devoted to human use (i.e. habitation, agriculture and grazing) is represented by the increasing proportion of music that is played with specialized timbres (tone colors), including mainly pizzicato, tremolo bowing, and bowing close to the bridge (producing a fragile timbre characterized by a greater proportion of high frequency partials). The era of international cooperation on climate change begins circa 1979. If one listens closely one can hear fleeting moments of repose on the interval of a major 3rd marking the dates of international meetings. Icarus in Flight is comprised of three large sections played without pause: the first representing the years 1880 to 1945, when the data are growing slowly; the second from 1945 to 2015 when growth accelerates exponentially; and the third from 2015 to 2080. In the last section, our future, the controlling data alternate between the best and worst case future scenarios (i.e., representative climate pathways 2.6 and 8.5) based on the models developed by the Inter-governmental Panel on Climate Change (IPCC), a scientific body under the auspices of the United Nations. Each year occupies eight seconds of musical time, the entire piece lasting about 27 minutes. The title of my new quartet offers a metaphor for the trajectory of climate change. Imprisoned by King Minos on the isle of Crete, the brilliant Athenian craftsman Daedalus fashioned wings of feathers fixed with wax for himself and his son Icarus, so to escape from the isle by flight. Daedalus warned his son against flight too low or too high, to avoid both the ladening dampness of the sea and the wax-melting heat of the sun. Elated by the thrill of flight, Icarus ignored his father1s admonitions, venturing high into an environment too warm to sustain him. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

< Back 7.- Curador: Edmar Soria 20.06.2022 Curador: Edmar Soria Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica/live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. Ganador del Concurso Acousmonium INA GRM-Fonoteca Nacional 2016 (Francia-México), del concurso SONOM 2014 (Festival Internacional de Arte Sonoro), finalista del "Concours International de Composition Electroacoustique SIME 2018" (Lille, Francia) y becario de los Programas Creadores Escénicos 2018 (FONCA, México) y Resiliencias Sonoras-Composición Electroacústica 2020 (UNAM México), ha realizado residencias artísticas en dos de los estudios de música acusmática más importantes del mundo: Musique & Recherches (Bélgica) y el INA GRM (París, Francia). Ha realizado residencias de composición de música electroacústica y arte digital en DXArts (El Centro de Artes Digitales y Medios Experimentales, Universidad de Washington), el Conservatorio de Belo Horizonte-Brasil (bajo la dirección del compositor Joao Pedro Oliveira), y el CMMAS (Morelia, México). Ha sido reconocido internacionalmente mediante comisiones oficiales para composiciones y performances multimedia por el Difrazzioni Festival 2016 (Florencia, Italia), Multiphonies GRM 2017 (Francia) y New York University Music Ensemble (2017), así como en Bienales de Arte Digital (Reino Unido y Colombia, ambas en 2020). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentados en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Como investigador académico actualmente es perfil deseable PRODEP (SEP) y candidato a SNI (CONACyT); sus áreas de interés y áreas de trabajo incluyen la espacialidad/localización del sonido (acústica/psicoacústica), sonido para formatos inmersivos 3D, visualización/sonificación de datos, aplicaciones de inteligencia artificial al arte digital, filosofía de la computación, teoría general de sistemas y tópicos de matemáticas aplicadas al arte y tiene distintas publicaciones al respecto además de dos libros publicados como autor y co-coordinador. Ddirector y fundador del Coloquio Internacional Espacio Inmersividad que cuenta hasta ahora con 3 emisiones (2018-2019-2020) y de Desfases, Festival Inmersivo de Producción Multimedia (2021). Descripción del concierto Este concierto reúne 5 propuestas audiovisuales que exploran (cada una a su modo) distintos aspectos de lo virtual y lo maquínico como formas poéticas de construir lo real; como vías alternas de entender lo cotidiano y lo esencial. Cada una de las obras permite ver la manera en que las y los artistas abordan, reflexionan y develan (desde lo íntimo y desde lo abstracto) sus propias ideas acerca de lo antes referido. Utilizando diversos formatos y recursos multimedia, las y los autores, proponen obras que abarcan visuales complejos, live coding, visualizaciones/sonificaciones procedurales y recursos composicionales electroacústicos y acusmáticos, con el fin de transportarnos a una experiencia audiovisual particular. Las piezas están seleccionadas y ordenadas a modo de un viaje metafórico en el cual se hace alusión a una transición desde el dormir, soñar, deconstruir la realidad del sueño y alcanzar finalmente, una nueva realidad a través de todo lo anterior. Programa hipercuboLab Live set - Michel Soto & Aide Aspicit Visuales y música en vivo. Beats algorítmicos y visuales 3d. Visuales procedurales mandado y recibiendo datos del flujo sonoro. Ambas partes influyen y moldean a la otra via OSC. Música, texturas 3d y código interactuan en un solo sistema interactivo. Systema - Luciano Rodríguez Exploración audiovisual centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos, a través de patrones fluctuantes y sistemas de retroalimentación. Decoding Reality - Ricardo Dal Farra Animación generada algorítmicamente y sonidos grabados en las altas regiones del Cuzco y en los países bálticos.“Decoding reality” nos propone reflexionar acerca de la realidad, sus diversas interpretaciones y el modo en que cada uno pueda percibirla, entenderla, sentirla. Esta instalación que modela en el espacio imágenes generadas a partir de descriptores matemáticos con sonidos grabados e imaginados, busca en el contraste los canales de vinculación que permitan proponer un posible modo de comprender la existencia. ¿Qué es la realidad? Un objeto matemático, responden algunos filósofos. Es la de ahora, la que fue ayer… será mañana? Es propia, colectiva? Es la de este espacio, o la de algún otro que ni siquiera podemos penetrar? En Decoding reality los sonidos de la vida, la naturaleza y la cultura llegan con las imágenes de mundos inciertos, paisajes que intentamos recordar de lugares donde aún no hemos pisado. Mientras la realidad va cambiando, o quizás cada uno va transformando, los códigos de la vida parecen eludir la permanencia. Solitarios entornos aparecen, con las resonancias del humano que transita. Dispar e integrado a la vez, el código que permite leer la realidad se diluye al encontrarse con múltiples sistemas que traspasan las vivencias y quedan en el tiempo. Coalescence - Joao Pedro Oliveira La coalescencia es el proceso de unión o fusión de elementos para formar una masa o un todo. En esta pieza de música visual, tanto los materiales visuales como la música se unen y se separan en distintas unidades, formando formas y sonidos que son la combinación de elementos unidos. Los cielos infinitos - María Cristina Kasem | Nicolás Testoni "Los cielos infinitos " es una pieza de carácter grave y solemne que evoca la atmósfera de un rezo. Inspirada en algunos mitos y leyendas Tobas que evocan el viaje iniciático de la hechicera que transformada en águila sobrevuela los niveles cosmológicos del mundo. Puerto Diálogo intenso entre la materia visual y sonora que hace alusión a lo etéreo y efímero , creado con filme de 8mm y revelado de manera artesanal experimentando con los artefactos nativos de este medio, la banda sonora creada utilizando como elemento principal la voz experimenta con procesos digitales como contrapunto a su origen analógico. Biografías Aidé Aspicit Historiadora por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desarrolladora web por parte de Laboratoria. Especializada en producción audiovisual con programación en CENTRO. Interesada en temas de arte y tecnología, especialmente enfocada en explorar las pedagogías detrás de los productos culturales audiovisuales. Actual beneficiaria del programa de “La Venganza de la Basura del Centro de Cultura Digital” con un proyecto de animación y video. Ha participado en festivales como “La escucha como acción” en Perú; Ensemble For Sound Poetry And Contemporary Music en Polonia, así como diversos festivales nacionales como “La escucha activa en espacios públicos” por parte de la Fonoteca de Tlaxcala. Michel Soto 1993 Cdmx Compositor, artista multimedia y programador. Licenciado en Música y Tecnología Artística por la ENES UNAM Morelia. Estudió el bachillerato en música y humanidades con especialidad en composición en el Conservatorio de las Rosas. Fue becario del programa "Jóvenes creadores" del FONCA durante el periodo Dic. 2019 - Nov. 2020. Ganador del estímulo ¨La Venganza de la Basura¨ por el Centro de Cultura Digital y la Colmena en el año 2021. Sus obras han sido parte de festivales como Coloquio Internacional Espacio Inmersividad, Ecos Urbanos festival de arte sonoro y transmedia, Festival de Otoño de la Universidad de Aveiro, Latin American Project, entre otros. Su trabajo ha sido presentando en Suiza, Italia, España, Portugal, Estados Unidos y México. Ha trabajado con intérpretes internacionales como Ensamble Cepromusic, Henrique Portovedo, Iván Manzanilla, UMS n ́ JIP duo y Low Frequency Trio. Luciano Rodríguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en México, Bélgica, Alemania, Chile y Ecuador entre otros. Es co-fundador y co-director de Cima Estudio, donde desarrolla proyectos orientados al performance en vivo y a medios interactivos. Actualmente es el coordinador del departamento de Multimedia Arte digital y Medios interactivos de la Universidad de medios audiovisuales CAAV. Ricardo Dal Farra Profesor de artes electrónicas y música en Concordia University, Canadá. Director-Fundador del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIARTE), Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), Argentina. Director de la serie de simposios Internacionales Balance-Unbalance (BunB) sobre arte-ciencia y crisis ambiental, y Understanding Visual Music (UVM). Ha sido director del Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies de Canadá; coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación de Argentina; investigador del Music, Technology and Innovation Research Centre de De Montfort University en Inglaterra; coordinador de la alianza internacional DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; consultor senior del Centro de Arte y Nuevos Medios Amauta de Cusco, Perú; e investigador de la UNESCO, Francia, para su proyecto Digi-Arts. Co-diseñó la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF, y la Tecnicatura en Producción Musical de la Escuela Técnica ORT, en Argentina. Creador de la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana en la Fundación Langlois. Miembro del consejo editorial de Leonardo (MIT Press), Organised Sound (Cambridge University Press) y Artnodes (UOC), y del consejo directivo de ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Doctor en estudio y práctica de las artes. Compositor y artista, especializado en acciones transdisciplinarias con ciencia y nuevas tecnologías. Joao Pedro Oliveira Ha recibido más de 50 premios y reconocimientos internacionales por sus obras, incluyendo, entre otros, el Premio Giga-Hertz y el Premio Magisterium del Institut International de Musique Électroacoustique-Bourges (IMEB). En enero de 2020, Oliveira se incorporó al cuerpo docente de la Universidad de California en Santa Bárbara como profesor y titular de la Cátedra Corwin de Composición. Es el director del programa de composición e imparte cursos de composición, música electroacústica, música visual y técnicas contemporánea María Cristina Kasem Nació en Buenos Aires, Argentina. Se graduó en el Conservatorio de Música de Buenos Aires (Tecnicatura artística en violín). Sus estudios universitarios la llevaron a una Maestría en Etnomusicología en la Universidad 3 de Febrero en Buenos Aires, y una Maestría en Musicología en el Departamento de Musicología de la Universidad Lille III en Lille, Francia. Ha recibido varios premios y distinciones internacionales: primer premio en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges (IMEB) por la pieza Las aguas abismales (2009). El Premio Motus otorgado por la Fundación Destellos (Argentina) y Motus Acousma (Francia) por la pieza Lo inefable (2008). La pieza Niebla y Luz fue seleccionada para representar a Argentina durante los World Music Days. Kasem participó en el Consejo Internacional de Música ROSTRUM - UNESCO con el trabajo Pacha Mama en mayo de 2014 en Helsinki, Finlandia. Sus fuentes de inspiración son la cultura amerindia en particular, su espiritualidad a través del uso de instrumentos tradicionales. En 2013 creó junto a Ricardo Mandolini, la Semana Internacional de Música Electroacústica, un evento cultural anual que tiene lugar en la Universidad de Lille de la que sigue siendo su codirectora artística. Nicolás Testoni nació en Bahía Blanca, Argentina. Cursó estudios en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. Es Director de Ferrowhite, museo taller del puerto de Ingeniero White, docente del Laboratorio TyPA de Gestión en Museos y del programa “Museos, formación y redes” de la Dirección Nacional de Museos de Argentina. Junto al Museo del Juguete de San Isidro y Ferrowhite, obtuvo el premio del concurso “La Coronación” durante la primera edición de El Museo Reimaginado. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Joan Bagés y Mario García. [ESPAÑA/MÉXICO] Artistas: Joan Bagés (España) y Mario García (México). 31 ago 2013 " El artista sonoro Joan Bagés (España) y el guitarrista Mario García (México) trabajarán en los últimos detalles para su presentación del 30 de agosto en el Auditorio del CMMAS. Joan Bagés i Rubi. Artista sonoro de Flix nacido en Lleida el 1977 - (Cataluña) Su trabajo sonoro abarca tanto la música instrumental, como la música electroacústica, la música acusmatica y las instalaciones sonoras. Después de obtener el Titulo de Profesor de Piano por el Conservatorio de Música del Liceo de Barcelona en el 2002 realizó el Master de Artes Digitales – Música en la U.P.F. de Barcelona. Estudió composición musical, composición electroacústica y sistemas musicales interactivos con Eduard Resina, Gabriel Brncic, Sergi Jordà, José Manuel Berenguer y José Lozano (2003). Posteriormente se trasladó en Paris para realizar el DEA en “Esthetiques, Sciences et Technologies des Arts – Specialité Musique” en la Universidad de Paris 8 (2005) bajo la tutela de Horacio Vaggione. Esto le permitió estudiar composición musical con José Manuel López López y sistemas musicales interactivos con Anne Sedes. Obtuvo el DEM de Composición Electroacústica en el Conservatorio de Pantin (Francia) con Christine Groult (2007) y el DEM de Composición Musical en el Conservatorio de “Aulnay- sous-Bois” (Francia) con José Luís Campana y Mario Mary (2008). Posteriormente obtuvo el Ciclo de Perfeccionamiento en Composición Musical en el CRR de Reims (Francia) con Daniel d'Adamo y Tom Mays (2011). Obtuvo el Doctorado en “Esthétiques, Sciences et Technologies des Arts – Spécialité Musique” con Anne Sedes en la misma Universidad de Paris 8 (2012). De forma paralela he tomado clases y los consejos de compositores como Gilles Racot (2007/2008), Philippe Leroux (2007/2009), Denis Dufour en el CRR de Paris (2007/2010), François Bayle en Paris (Noviembre del 2010), Rebecca Saunders en Berlin (2010/2011), Pierluigi Billone en Palermo (Diciembre 2012). Ha recibido becas de formación y creación de la Generalitat de Cataluña, la Fundación Phonos, la Fundación Duran Marti y Denistés93. Sus obras han sido interpretadas en distintos países y han sido recompensadas en distintos concursos internacionales (España, Andorra, Francia, Bélgica, Argentina). En el pasado ha participado de forma activa en proyectos musicales como la Revista Sonograma de Barcelona, el Ensamble BPM75 de Paris, el Ensamble Música Clandestina de Paris, el Colectivo de Artistas Traffic de Paris, la Asociación de Música Electroacústica de España y del Colectivo Mixtur de Barcelona. Actualmente forma parte de la Asociación Catalana de Compositores, del Colectivo Territorios Creativos del Campo de Tarragona y de la Asociación de Músicos de Flix. Es director artístico del Morphosis Ensemble en Cataluña y co-director artístico, junto el compositor Santiago Diez Fischer, de No Input Ensemble en Paris (Francia)." Previous Next

< Back < Back Concierto: Damian Anache (Argentina) Fecha de grabación 18 de octubre de 2023 Damián Anache (1981) artista argentino radicado en Buenos Aires. Sus trabajos de video y piezas sonoras exploran expresiones no-narrativas, micro-detalles, ruidos y geometría. Algunas de sus piezas musicales se han ejecutado en salas internacionales entre las que se destacan: Abrons Arts Center (NYC, USA), Lyric Theater, University of North Texas(USA); Conservatorio Santa Cecilia(ITA); Abingdon Studios(GBR); Museo de Arte Moderno de Ecuador(ECU); Espacio Sonoro UAM-X(MEX); CMMAS(MEX) y en diferentes ciudades argentinas. Su álbum debut "Capturas del Único Camino" (2014, 2016) fue editado por los sellos Concepto Cero(ARG), Inkilino Records(ARG), Already Dead Tapes(USA) y Must Die Records(GBR). En la actualidad trabaja como docente en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y en la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ) donde además participa en el área de investigación desde 2007. En 2019 compiló y publicó el libro "Tekné: Apropiaciones desde el arte actual" (Fundación Alfonso y Luz Castillo). PROGRAMA DEL CONCIERTO: Drishti Por mi culpa Velo

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Música Contemporánea de México y Japón para guitarra y koto de 25 cuerdas. Norio Sato (Japón), Miyuki Ito (Japón), Maya Kimura (Japón) 16 feb 2018 Norio Sato Norio Sato, nacido en Jilin, China, en 1951, es un multipremiado guitarrista japonés. Estudió con Yasumasa Obara, ganó el primer premio en el Concurso de Guitarra 1971 (el actual Concurso Internacional de Guitarra de Tokio). Sato es considerado uno de los artistas más importantes en Japón hoy en día y lo convocan con frecuencia para estrenar importantes obras. Graba regularmente y también es director artístico del Ensamble Nomad. En 1993, Norio Sato recibió el premio especial por su interpretación por parte del Concurso de Música de Japón y el Premio de la Música de Kyoto (División de Música Aplicada), el Premio Nakajima Kenzo en 1994 y el Premio Asahi Música Contemporánea de 1996. Es profesor de guitarra en la Universidad de Música Elisabeth en Hiroshima y la Universidad de Toho en Tokio. Norio Sato ha realizado interpretaciones en festivales internacionales incluyendo algunos países como México, Alemania, Bélgica, Italia, Francia, Inglaterra, China, Australia, EE.UU., Venezuela, Dinamarca, Finlandia, Estonia, entre otros. En 1997 fundó el Ensamble Nomad con el propósito de interpretar las obras del siglo XX de compositores vivos. La obra se ha desarrollado en grandes festivales en Japón e internacionales, incluyendo la Semana Internacional de Música Gaudeamus en el año 2000 (Amsterdam), Festival a tempo en 2003 (Caracas), Huddersfield Contemporary Music Festival en 2005 y el Festival de Música de Morelia en 2007 (México). Norio Sato grabó discos como solista con ALM-records y también ha grabado diversas obras con su ensamble. Miyuki Ito Miyuki Ito, nativa de Nagoya, Japón, obtuvo su licenciatura de la Universidad de las Artes de Aichi, Japón, la maestría de la Escuela de Música de Manhattan, EE.UU., y el doctorado de la Universidad de Columbia, EE.UU., estudiando con Tristan Murail. Continuó su investigación en el IRCAM (París) con una subvención para artistas otorgada por la Agencia de Asuntos Culturales de Japón. Sus obras han sido interpretadas en festivales y lugares de todo el mundo, incluyendo Centre Acanthes, ISCM, Résonances (IRCAM), la CCIM, SMC, y Re: New. HA recibido encargos de Tokyo Opera City, Música de Japón (EE.UU.), Attack Theater (EE.UU.), Onix Ensamble (México), Aichi Arts Center (Japón) y músicos individuales. Sus premios incluyen el Premio Agencia Promotora de Cultura de Nagoya, Japón, Premio Fundación Sinfónica de Japón y el 1er premio en el Concorso di Composizione Franco Evangelisti. En la actualidad imparte clases en la Universidad de las Artes de Nagoya y en la Universidad de Comercio de Chiba en Japón. Ito es co-fundadora y productora de compositores colectivos NymphéArt y JUMP. El concierto #10 de Nymphéart fue otorgado con el 14° Premio Keizo Saji por parte de la Fundación Suntory para las Artes. Lanzó The Sands of Time (Las Arenas del Tiempo), la cual se centró en obras con elementos de electrónica en vivo en ALCD80. Maya Kimura Maya Kimura nacida en Hokkaodo, estudió koto con Harumi Hashimoto y Keiko Nosaka; ha recibido numerosos premios y galardones, incuyendo el Hokkaido Shinbum Press Award en el 28th Hokkaido Sanyoku Competition, el Inceptive Award en el 35th Kushiro COnert for New Talent, el primer lugar en el 17th Kenjun-kinen Kurume Whole Country Koto Music Festival y el premio cultural Betsukai-cho en 2012. También fue invitada al festival MaerzMusik, un festival de música moderna en Berlín y ha ofrecido distintas presentaciones en lugares como Checoslovaquia, Hungría y Vladivostok. Su actuación en el 10 th Nympheart recibió el premio 14 th Keizo Saji en Japón Previous Next

< Back Brenda Brown (Canadá) - Hearing the Wind Conferencia - Día 4 Descripción | Abstract The video's subject is wind, in particular the wind in the landscapes of Chaco Culture Na6tional Historical Park in New Mexico, and how wind is seen in the people who live in the four corners region of the United States. Sound is a vital component of this portrayal. Brenda Brown (Canadá) Educated as both sculptor and landscape architect, Brenda Brown lives in Winnipeg, Canada, where she teaches Landscape Architecture and Environmental Design at the University of Manitoba. Brown creates “eco-revelatory design”, seeking to reveal landscape phenomena, processes and relationships, often considering how sounds can reveal landscapes and landscapes reveal sounds. Working in the US and Canada, she has created interpretive signage systems, listening trails, sound-video compositions and installations. In Michoacán, working with an ecologist, ornithologist and archaeologist, she designed a hummingbird habitat restoration for Tzintzuntzan along with an accompanying multi-media exhibition for Morelia’s MACAZ and the archaeological site itself. . She’s had residencies at the MacDowell Colony, Yaddo, Ucross, Chaco Culture National Historical Park, and Riding Mountain National Park as well as CMMAS.. Her writing has appeared in Landscape Journal, Landscape Architecture, Landscapes/Paysages, Journal of Landscape Architecture. She is editor of the book, Landscape Fascinations and Provocations: Reading Robert B. Riley (LSU Press). Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

< Back Roberto Morales y Miguel Reyna M. (Méx​ico) - Jardín Unión (hacia una instalación autogenerativa) Conferencia - Día 2 Descripción En esta plática abordaremos: la metodología, el diseño y la construcción de los módulos generativos que hicieron posible la realización de esta instalación. Originalmente, Jardín Unión consta de 8 módulos autónomos con alimentación solar colocados en los árboles del Jardín Unión en Guanajuato fue una pieza comisionada por el Festival Internacional Cervantino en su edición 2022. En la versión de CMMAS utilizaremos sólo cuatro módulos para el patio principal dadas las dimensiones del espacio. Esta obra está basada en este espíritu surrealista sonoro que existe y sorprende al transeúnte en su caminar por el patio principal del CMMAS. Jardín Unión, busca la percepción de ritmos cinéticos animados por el movimiento del sonido en un medio virtual indeterminado. Es una instalación sonora con ocho generadores autónomos, en donde coexisten las voces de duendes, aves, y fantasmas de personajes exóticos, que se proyectan y modifican sonoramente en tiempo real, provocando en su conjunto un resultado estético y semiótico multívoco, ambiguo y abierto. Miguel Reyna Martínez (México) Ingeniero en Electricidad y Automatización egresado de la UASLP, Maestro en Artes egresado de la Universidad de Guanajuato. Se ha desarrollado en trabajos artísticos en diferentes disciplinas entremezclando las tecnologías con las artes escénicas, arte sonoro e instalaciones. Las Líneas de trabajo e investigación están enfocadas en el desarrollo de plataformas para la medición de variables en fenómenos físicos, como soporte para la gestación de interfaces electrónicas en piezas artísticas, así como procesos algorítmicos para sistemas autogenerativos. Procesamiento en tiempo real de sonido por medio de lecturas de datos externos al sistema e ingeniería sonora. Becario del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico San Luis Potosí emisión 2014, en la disciplina de Danza, interdisciplina. Becario del Programa Jóvenes Creadores 2016 de FONCA en la disciplina de Medios Audiovisuales, Multimedia. Becario del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico Guanajuato emisión 2020, en la disciplina de Artes Visuales, Multimedia. Roberto Morales (México) Doctor en Composición por parte de la Universidad de California Berkeley, sus intereses están centrados en la composición en tiempo real, composición generada a partir de modelos matemáticos para la creación de nuevos arquetipos composicionales, sistemas de aprendizaje aplicados en computación para audio y video, captura de gestos, procesamiento en tiempo real de imagen y sonido, divulgación y docencia en composición y arte electrónico. En 1992 funda el Laboratorio de Informática Musical LIM en la Escuela de Música de La Universidad de Guanajuato. Como compositor ha ganado varios premios nacionales internacionales y su música se toca regularmente en México, Estados Unidos y Europa . Como investigador, Morales cuenta con publicaciones en revistas arbitradas, ha sido invitado como compositor-investigador en residencia en varias Universidades como: Stanford, UC Berkeley, McGill, NYU, Columbia, entre otras. Ha organizado fundado y dirigido los festivales Internacionales "La Computadora y la Música" por medio del INBA, "Callejón del Ruido. Composición, ideas y tecnología”, por medio de la Universidad de Guanajuato y Transito_MX04 por medio del CENART. Tinker profesor por parte de la Universidad de Stanford y actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores, coordina y organiza los cursos y seminarios de composición, música y matemáticas y arte digital. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

< Back Ir al final | go to botom El Acusma de la Música Acusmática - Juan Carlos Cáceres Avitia (México) La emergencia de la Electroacústica está ligada a la Musique Concrete de Pierre Schaefer y con ella el concepto de la acusmática. Se ha pensado que dicho término proviene de las antiguas formas de enseñanza pitagórica en dónde el maestro, el emisor, permanece oculto tras un velo en pos de fomentar la atención de lo dicho sin ninguna interferencia propia de la vista. Si esto es un hecho histórico o no, como se ha debatido académicamente, no importa al presente; pues el acusma, en tanto el lugar de plena escucha, permite preguntar por sus potencias estéticas para la música. Los altavoces se presentan como tanto como el velo del acusma, como una nueva condición de posibilidad para el arte musical y con ello trastocar la propia experiencia integral de la música, desde la composición hasta la escucha. Recorramos las potencias estéticas que se develan al pensar en el acusma y sus implicaciones para el arte de Euterpe. Juan Cáceres Avitia. Inició sus estudios profesionales de piano en la Facultad de Música de la UNAM. Actualmente estudia la carrera de Musicología bajo la tutela de Ricardo Miranda en el Conservatorio Nacional de Música, a la par estudia Composición Musical con Josué Peregrina. Fue becario en el año 2019 para los Cursos Universitarios Internacionales de Música Española “Música en Compostela” en España; como compositor su obra fue presentada en el XV Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías: Visiones Sonoras a cargo del CMMAS. Fue ponente en el Coloquio Miguel Bernal Jiménez del Festival de Música de Morelia con la ponencia: Tarkovsky y Beethoven: De Elysium a la Nostalgia. Ha tomado clases con Panayiotis Kokoras y Jorge Torres Sáenz. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS