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Ir a cmmas.org < Back Frédéric ACQUAVIVA (FR / UK) VIERNES 24 DE MARZO 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Back Aquelarre 2024 - Concierto 1 LUNES 19 DE FEBRERO 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras - Concierto 3 Jueves 26 de septiembre 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

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< Back Roberto Morales (Mex) - Clase Magistral Sistemas interactivos complejos en tiempo real para computadoras con un precio menor a 2000 pesos Roberto Morales Manzanares (Ciudad de México, 26 de marzo de 1958) es un músico, compositor, intérprete, investigador y profesor mexicano. Tiene formación académica en piano y flauta. Como compositor, ha escrito música para teatro, danza, cine, tv y radio y ha participado como compositor en foros nacionales e internacionales de música contemporánea. Como intérprete ha participado en importantes foros, tanto con sus obras como con las de otros compositores, incluyendo giras a Europa y Latinoamérica. Integró el grupo Música Contemporánea Huasteca. Entre 1981 y 1984 crea el taller interdisciplinario de música, pintura, poesía y danza, en donde nace el grupo Alacrán del Cántaro. 1 ​ Dirigió la Bienal de Arte Electrónico Transitio_MX 2011. Fundó y es organizador del Festival Internacional el Callejón del Ruido. Creó el Laboratorio de Informática Musical en la Universidad de Guanajuato entre 1992 y 1993. Como investigador, Morales cuenta con 8 publicaciones en revistas arbitradas, ha sido invitado a varios congresos nacionales e internacionales tales como la Sociedad Internacional de Inteligencia Artificial, ICMC (International Computer Music Conference), First Brasilian Symposium on Computer Music, IJCAI (International Joint Conference on Artifiical Intelligence) con sus trabajos referentes a generación musical y composición algorítmica por medio de computadoras. En 1987 es cofundador del primer laboratorio en México de Música por Computadora y Síntesis Digital en la Escuela Superior de Música. Ha obtenido diversas becas y reconocimientos: FONCA, Fundación Bancomer, Fundación Rockefeller, Fideicomiso para la Cultura México/EUA, Premio Nacional de Acústica, entre otros. Ha sido invitado como compositor en residencia en la Universidad de Berkeley, San Jose State University, Yale University y la Universidad McGill en Canadá, donde se utiliza su programa de composición Algorítmica ESCAMOL. Links de interés: Compras: RaspberryPi https://www.330ohms.com/ Multiplexor TCA9548A https://www.adafruit.com/product/2717 Sensores láser : https://www.mactronica.com.co/sensor-vl53l0x-v2 Software https://www.raspberrypi.com/software/ SuperCollider https://github.com/supercollider/supercollider/blob/develop/README_RASPBERRY_PI.md Raspberry Pi como servidor local https://thepi.io/how-to-use-your-raspberry-pi-as-a-wireless-access-point/ Botón de apagado https://www2.quartoknows.com/page/raspberry-pi-shutdown-button#:~:text=Press%20the%20shutdown%20button.,stopped%2C%20aborting%20the%20shutdown%20procedure. Instalación de OpenCV https://qengineering.eu/install-opencv-4.4-on-raspberry-pi-4.html Music21 como interface para generar partituras desde mi ambiente Escamol-Python http://web.mit.edu/music21/ Imágenes y diagramas: Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Iván Abreu. Iván Abreu (Cuba) 1 ago 2022 Cuatro direcciones de la luz La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas. La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas: 1. La densidad escénica y conceptual de Juan José Rivas, presentada a través de dos obras donde la luz desempeña diferentes roles. E:Envolverse es una acción sonora que hace una alusión simbólica a la música por la expectativa escénica de instrumentos musicales que poco o nunca cumple la razón para la que fueron fabricados, y la luz enfatiza y dramatiza sonidos texturales, accidentales notas de piano y gestos percutivos, visualizando la actividad de los performers. Por otro lado Splendrum es una instalación sonora que constituye un sistema de retroalimentaciones donde un sintetizador y un transmisor de radio FM causan las variaciones de luz y esta a su vez retroalimenta y causa la automatización de percusiones. A esta sección del programa decidí llamarla “luz cenital”, la dirección de la luz que utiliza el cine para expresar irracionalidad y dramatismo. En un caso la luz visualiza, enfatiza y dramatiza la premisa de la obra y en el otro la luz es el intérprete. 2. Gabriela Reyes [Cero Tres] y Jorge Flores [FFAKT] poseen un consistente cuerpo de obras sobre luz, arquitectura y sonido, obras que han desarrollado en su proyecto conjunto f3.studio. XY es una instalación sonora y de luz de escala arquitectónica cuya sinestesia entre la luz y el sonido es resultado de los quirúrgicos procesos de iluminación procedural que comanda el set de instrucciones DMX* en tiempo real, el video-registro permite experimentar la obra de manera diferente a los que habitaron la iluminación y el sonido in situ, por lo que es una interpretación audiovisual o de motion-graphic art de los planos cinematográficos favoritos de los autores. A esta sección del programa decidí llamarla “luz nadir”, que es cuando la iluminación viene desde abajo, algo que también sucede en la instalación, esta es la dirección de la luz menos probable en la naturaleza, y por tanto la percibimos más artificial. Se me hizo coherente para el único proyecto totalmente digital del programa, en contraste con el resto de proyectos que recurren mayormente a la acústica física y a la electrónica analógica. 3. Arcangelo Constantini ha generado un extenso cuerpo de obra vinculado a arqueología tecnológica y experimentación estética basado en la especulación científica; para este programa presentamos cuatro de sus dispositivos sonoros de autor cuyo eje es la luz, resumidos en dos acciones sonoras. La primera acción sonora utiliza Jetpulse, registro comisionado por Audition Record, la escultura sonora utiliza un compresor de aire, alto voltaje y gas, la obra está inspirada en un misil V1 alemán de la segunda guerra mundial, premisa evidenciada tanto por su analogía con una bazuca como por la forma en que Arcangel la activa durante la acción, el proyecto utiliza el concepto de accidentes controlados como premisa de l acción visual sonoras; La segunda es un concierto en el laboratorio del artista con tres máquinas transductoras de luz a sonido: 1) Phonotube, 2) Oculo, 3) Perculed. Phonotube rescata la tradición del sonido óptico en cine con patrones impresos en un negativo fotográfico sobre un tubo fluorescente, Oculo es un ladron de jules, que genera de picos de voltajes de alta frecuencia, un circuito que permite que una pila de 1.5 volts logre prender un Tubo fluorescente circular de 20 watts, el performances es la alteración energética con la estática y conductividad eléctrica de la piel, todo el proceso es sonificado con un fotosensor, y finalmente Perculed, un patrón de leds programados en 1 bit , que son sensados con fotoceldas que transduce la luz a sonido y son manipulados en vivo por el artista. A esta parte del programa la llamé “luz frontal” por la honestidad electromecánica y electroquímica de dispositivos sonoros de autor, experiencia que deviene en una serie de accidentes controlados donde la electricidad se expresa y la luz es un testimonio del experimento sonoro. 4. Juan Pablo Villegas es artista sonoro y cineasta, su formación en cine atraviesa gran parte de su obra, por consecuencia la luz también es un tema recurrente en su trabajo, para este programa muestro dos de sus obras; la primera se llama Balance, una obra audiovisual donde poco a poco se revela el az de luz de un proyector de cine como una ilusoria escultura de polvo, siempre quedan fuera de campo el proyector cinematográfico y la posible imagen que este proyecta; el sonido acentúa este juego de expectativas sin resolver; Balance es una obra inspirada en el diagrama de Minkowski, en el que el espacio y el tiempo se representan como dos conos en colisión. La segunda obra, Strobe, es una obra audiovisual de un concierto donde Juan Pablo manipula luces, y registra y procesa el sonido de la actividad electroquímica del strobe, el video del acto en vivo deviene en obra audiovisual gracias a los planos cinematográficos y el montaje que recrean una nueva experiencia delirante y diferente a la experiencia de haber estado en el lugar del acto. A esta parte del programa la llamé “Contraluz”, cuando la iluminación se encuentra detrás del sujeto y produce un efecto visual de silueta y limpieza de la forma; el trabajo de Juan Pablo tiende a la síntesis y limpieza de conceptos, estos proyectos reducen la complejidad formal en pro de una complejidad conceptual asociada a la luz. * DMX, ( Digital MultipleX) Protocolo digital de control escénico de iluminación Programa: Cuatro direcciones de la luz 1. Luz cenital Juan José Rivas Splendrum 1'50'' (2020) E: Envolverse (Série Plexus Ac) 4'56'' (2019) 2. Luz nadir Gabriela Reyes [Cero Tres] and Jorge Flores [FFAKT] (f3.studio) XY 7'04'' (2020) 3. Luz frontal Arcangel Constantini Jetpulse 2'54'' (2016) Concierto con tres dispositivos sonoros (Fonotube, Oculu y Perculed) 12'10'' (2020) 4. Contraluz Juan Pablo Villegas Balance 3'04'' (2020) Strobe 1'03'' (2010-2014) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Desaturation. [CANADÁ] Myriam Boucher (Canadá) Pierre-Luc Lecours (Canadá) 2 mar 2018 Después de casi un mes de residencia, los compositores Myriam Boucher y Pierre-Luc Lecours presentan la primera etapa de este trabajo colaborativo: una pieza audiovisual en formato fijo que aborda temáticas como la impermanencia, naturaleza y saturación; dicha pieza será presentada y espacializada en el auditorio del CMMAS por los mismos artistas. Mediante el uso de técnicas de mapping, el video será proyectado en pantallas esculturales o telas que se han desarrollado específicamente para este motivo. Con la espacialización del sonido y la proyección visual orgánica, el dúo espera ofrecer un concierto inmersivo y sensitivo. Myriam Boucher Myriam Boucher es una artista multimedia, residente de Montreal (Canadá). Su trabajo sensitivo y polimórfico refiere al diálogo íntimo entre música, sonido e imagen, a través de la música visual, proyectos inmersivos y performance audiovisual. Su trabajo ha ganado múltiples premios: JTTP awards en 2015 y 2016, LUFF 2017, premio a cortometraje experimental, JIM Electroacoustic Compositions Competition y el Bourse Euterke 2015; y ha presentado en distintos eventos de talla internacional, incluyendo Mutek (CA), Akousma (CA), Kontakte (DE) y Seeing Sound (UK). Después de una licenciatura en composición en la Universidad de Montreal, empezó el doctorado también en composición en el otoño de 2016 en la misma Universidad. Su investigación se enfoca en la relación lmagen-sonido aplicada al contexto musical contemporáneo y en la escritura acusmática. Pierre-Luc Lecours Pierre-Luc Lecours es un compositor y artista sonoro residente de Montreal. Su formación musical cubre distintos medios y estéticas. Su música es caracterizada por una búsqueda de expresividad emocional en obras que exploran la hibridación de la acústica con fuentes digitales, explorando tanto las corrientes de la música contemporánea, instrumental, electroacústica y electrónica experimental. Es parte también del QUADr y ILEA projects. Su trabajo ha sido reconocido por el concurso de composición del 2014 de la Fundación Destellos, el concurso para compositores jóvenes SOCAN en 2014 y en el CEC 2014. Su música ha sido presentada en eventos de talla internacional como MUTEK (CA), Elektra (CA), BIAN (CA), Akousma (CA), Currents (US), Muslab (MEX), Resonances Électriques (FR) y Hot Docs (CA). Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Cruces y confluencias – El tratamiento de la voz en la obra de 3 compositores Uniandinos - Pedro Felipe Ramírez (Colombia) - Santiago Lozano (Colombia) - Jorge Gregorio García Moncada (Colombia) El constante uso de la voz en el repertorio musical contemporáneo refleja la flexibilidad y posibilidad de adaptación del formato vocal en sus innumerables contextos musicales actuales. Una de las particularidades del área de composición del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes es precisamente la variedad de aproximaciones tanto técnicas como estéticas en la práctica de la composición. En esta presentación tendremos la oportunidad de conocer, desde la perspectivca de tres compositores colombianos tan aparentemente distintos en cuanto a su música, las problemáticas e intereses que resultan desde la composición involucrando la voz. Pedro Felipe Ramírez (Cali, 1979-) Realizó sus estudios de pregrado en la Universidad del Valle (1996-2001), principalmente en guitarra clásica con el maestro Clemente Díaz y en teoría, armonía y contrapunto con los maestros Mario Gómez-Vignes, Álvaro Gallego y Alberto Guzmán. Posteriormente realizó estudios de composición con el maestro Mario Gómez-Vignes y de contrapunto atonal con el maestro Álvaro Gallego. Obtuvo el Diplôme d’études musicales Spécialité Composition (D.E.M.) en el Conservatoire Jacques Thibaud de Bordeaux (2004-2007) con los maestros Jean-Yves Bosseur (composición) y Patrice De Faccio (escritura), destacándose en la U.V. de Contrepoint (anteriormente Prix de Contrepoint) con la más alta distinción otorgada por el jurado y siendo nominado al Prix SACEM de Contrepoint 2007. Posteriormente realizó su Maestría en Composición (M.Mus. Composition) en la Université de Montréal (2011-2012) con los maestros Alan Belkin (composición y orquestación) y François de Médicis (análisis). Su música se ha estrenado en China, Francia, Canadá y Colombia. En la actualidad se desempeña como Profesor Asistente del Departamento de Música de la Universidad de los Andes. Santiago Lozano (Bogotá Colombia, 1976) Nacido en el seno de una familia musical, Santiago inicia sus estudios musicales a temprana edad. Luego de obtener su diploma en composición de la universidad de los andes bajo la dirección del maestro Luis Pulido; se traslada a Berlín a continuar sus estudios en musicología en la universidad Humboldt. En el campo de la composición cinematográfica su maestro principal ha sido Luis E. Bacalov quien orientó su trabajo de maestría en el Centro sperimentale di cinematografia en Roma Italia. Luego de obtener dicho título continúa su aprendizaje trabajando cómo orquestador del maestro Bacalov. Ha realizado la música para un gran numero de películas y diversos formatos audiovisuales en Italia, España y Colombia. Su interés como compositor se centra en la interacción con diferentes formas artísticas y el uso de la tecnología como recurso expresivo. Multimedia y transmedia están en el centro de su proceso investigativo y creativo, ejemplo de ello son sus óperas Incorpóreo y Violeta ópera modular. Sus composiciones han sido ejecutadas en una docena de países. Actualmente se desempeña como profesor asociado del departamento de música de la universidad de los andes en los campos de composición y composición para cine y medios. JORGE GREGORIO GARCÍA MONCADA, PhD. (Bogotá, Colombia 1975) Compositor, diseñador de sonido e intérprete – PhD, Universidad de Birmingham, Reino Unido (2013), Master in Music de la Texas Christian University, Fort Worth, Texas, EEUU (2003), y Músico compositor, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia (2000) – Profesor asociado del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes, enfocado actividades de investigación / creación y docencia en los campos de la composición por medios electroacústicos, mixtos e instrumentales y la teoría musical. Es fundador y director de BLAST – Teatro de Sonido de Bogotá, Universidad de los Andes –, un sistema sonoro inmersivo multicanal de alta definición para la realización de conciertos a gran escala de obras musicales con formatos mixtos y electroacústicos. Es director del Festival Internacional de Música Electroacústica SPECTRA. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Electro Series. [CANADÁ] Quasar Saxophone Quartet (Canadá) 3 mar 2017 Electro Series es una experiencia sónica inmersiva en la que el universo de la música electrónica y acústica converge, explorando el sonido en la era digital. Conocidos por su energía y su atrevida innovación, Quasar explora múltiples facetas de la creación musical: música de cámara, improvisación, teatro musical y electrónica. El cuarteto guarda una solida relación con varios compositores canadienses e internacionales con los que tiene el orgullo que contribuir. Así, busca aportar al desarrollo de su lenguaje musical y proveer una plataforma para nuevos experimentos musicales, exploración y producción. El cuarteto ha estrenado más de 100 trabajos y se mantiene constantemente en la búsqueda de nuevas piezas de la escena internacional que puedan integrar a su repertorio. Felipe Pérez Santiago ha recibido numerosos premios en Europa, Estados Unidos y América Latina. Ha escrito música para las principales orquestas y ensambles del mundo, y ha hecho residencias como compositor invitado en institutos, universidades y conservatorios de varios países. Su música ha sido comisionada e interpretada en más de 40 países y está incluida en cerca de 10 producciones discográficas. Es miembro honorario del Sistema Nacional de Creadores de Arte y nombrado como uno de los 7 artistas mexicanos más reconocidos a nivel mundial. Es director artístico del Ensamble Mal’Akh, formación que combina la música contemporánea con rock, jazz, improvisación y multimedia; al frente de esta agrupación ha obtenido diversos premios, becas y reconocimientos. Su obra abarca desde obra de concierto de gran formato, obra de cámara, música para cine, danza y video arte e instalaciones multimedia. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Post Visones Sonoras A Love Electric. [ESTADOS UNIDOS / MÉXICO / ARGENTINA] A Love Electric trío: Todd Clouser (EUA), Hernán Hecht (Argentina), Aarón Cruz (México) 16 nov 2017 Concierto en el marco del Festival de Música de Morelia que cierra las actividades de la Décimo Tercera Edición del Festival de Visiones Sonoras del CMMAS A Love Electric (ALE) es un aclamado Power Trio nacido durante el 2011 en la Ciudad de México, que, a través de los años, ha logrado fusionarse con diferentes in?uencias artísticas que pasan desde el rock, hasta el jazz, la Psicodelia, el Motown, el Blues, el Spoken Word y la improvisación libre. Todd Clouser (Minneapolis, MN, EU), Hernán Hecht (nacido en Argentina pero residente mexicano) y Aarón Cruz (originario de la Ciudad de México), forman el grupo que a lo largo de cinco años, cinco discos y más de 500 conciertos por todo el mundo, ha logrado lo extraordinario al crear un lenguaje propio que les permite mostrar y hacer música bajo sus propias reglas. En sus giras, que han abarcado visitas por todo México, España, Alemania, República Checa, Austria, Portugal, Marruecos, Guatemala, Nicaragua, Costa Rica, Honduras, Colombia, Argentina y EUA, el grupo ha cosechado seguidores y elogios de la crítica. A Love Electric estrena "Psychmonde: Viajero", la primera producción audiovisual a gran escala de la banda. Un concierto acompañado con la proyección de imágenes animadas en tiempo real, basadas en los viajes de esta banda que recorre el mundo bajo sus propios términos y condiciones. Presentan las ilustraciones y la animación de Pepe Pissdrunx (Durango, México) y proyección en vivo. Escenas de la banda viajando de Nicaragua al norte de México, de Marruecos a Berlín y haciendo trabajo comunitario en tres continentes, escenas que toman un carácter surrealista al ser presentadas en las animaciones de Pissdrunx, creando una experiencia por igual íntima y evocadora. Podremos ver la psicosis mundial actual a través de la visión y de la vivencia de tres músicos creativos, emprendedores y comprometidos con la comunidad, por medio de la música acumulada en cinco años de viajar por el mundo. Se suma al espectáculo el bailarín Carlos Garay y su "Popping Dance Collective", de energía desbordante. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Nuevos ritmos, Nuevos compases. Erizonte [ESPAÑA] "Julian Sanz Jesús Alonso Javier Escudero" 28 abr 2023 "-Retrovira drones -Versos cruzados, clister y ritmo -Buen viaje -El sueño de la razón produce monstruos -Nadie se conoce -Linda maestra -Devota profesión -Volavérunt -Bravísimo -Hipnosis colectiva - Mierda de guerra! -Graal -Compás esplendo ERIZONTE Nominado a los Latin Grammy Erizonte es una banda de rock experimental fundada en 2002 por el compositor y multiinstrumentista Julián Sanz Escalona vinculado al rock y a la escena de la música experimental en España desde 1982 formando parte de La Fundación, 429 Engaños, Mar Otra Vez y La Gran Curva. NUEVOS RITMOS, NUEVOS COMPASES Se trata de un proyecto de creación de nuevas rítmicas. A cada presentación de una nueva fórmula rítmica le sigue una fase de investigación a cargo de musicólogos de España y México para comprobar su novedad. El proyecto ya se encuentra iniciado desde hace dos años. Las primeras nuevas rítmicas concebidas están en proceso de investigación por un musicólogo especialista en ritmos de la India o talas, por otro especialista en flamenco y por otra musicóloga de perfil más académico occidental." Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Node for Max - jjsauma (México) JavaScript es el lenguaje de los navegadores de la web. Gracias a ellos existe la intercomunicación y funcionalidad de nuestro sitios favoritos. Node for Max hace posible que el entorno de JavaScript esté disponible en nuestros parches de Max/MSP gracias a Node.js. Con Node for Max podemos conectarnos por medio de la red, interactuar con bases de datos, servidores web, APIs y mucho más. En esta plática hablaremos del entorno Node.js y mostraremos algunos ejemplos para añadir funcionalidades y conectividad por medio de la red a nuestros parches de Max. Joaquín Jiménez-Sauma (Ableton Certified Trainer / Max Certified Trainer) Joaquín es un productor, instructor y artista que trabaja en la intersección del sonido, la imagen y las ciencias computacionales. Combina interacción en vivo, música generativa, diseño de sonido, video y técnicas de arte sonoro al componer, crear presentaciones en vivo o instalaciones inmersivas. Ha obtenido una maestría en Computación del Sonido y la Música por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, España y una maestría en Ciencias de la Computación por el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey en México, es el primer Instructor Certificado por Ableton en América Latina y el primer instructor hispanoparlante certificado de Max/MSP. Ha actuado en festivales y eventos como Bauhaus University en Alemania, MUTEK Festival en España, Fusebox Festival en Estados Unidos, entre otros. Su trabajo se basa en un enfoque interdisciplinario, la experimentación y el uso de nuevas tecnologías. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS