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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: PLAYING WITH TRADITION [FINLANDIA] Petri Kumela (Finlandia) 3 nov 2016 "El concierto celebra los fantásticos rangos de posibilidades de la guitarra clásica. Tres conceptos completamente diferentes trazan un enriquecido mundo de la guitarra contemporánea. ""Small Creatures - A Musical Encyclopaedia in the Making"" toma la idea tradicional y clásica de una pieza miniatura y la trata con humor, seriedad, meditación y la alegría de la invención. Sami Klemola usa electrónicos de maneras poco convencionales para crear su mundo análogo. Y Mauricio Sotelo, flamenco espectral que combina la tradición del flamenco con el lenguaje clásico contemporáneo. Petri Kumela, uno de los guitarristas clásicos mas versátiles y buscados de Finlandia, es igual de diestro con instrumentos de algún período como trabajando con compositores contemporáneos. Es también uno de los guitarristas finlandeses mejor conocidos en la escena internacional, con una reputación basada en su originalidad y versatilidad. Fuera de Finlandia, Petri Kumela se ha presentado en muchos países europeos, así como en Sudáfrica, los Estados Unidos, Rusia, India, Bután y Japón; en espacios que van desde lo más íntimo hasta prestigiosas salas como el Queen Elizabeth Hall en Londres y el Kitara-hall en Sapporo. En Finlandia se ha presentado en numerosos festivales y en varias series de conciertos. También está a cargo de la matrícula de guitarra en la Metropolia Helsinki University of Applied Sciences. Un artista con un especial compromiso con la música contemporánea, Petri Kumela ha debutado varios de sus trabajos: solo y de cámara, y bastantes conciertos de guitarra. Sus siete grabaciones publicadas han sido todas aclamadas por la crítica y han sido nominadas para diferentes premios." Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Nuevos caminos para la creatividad musical en la composición y en la performance colaborativa Nuevos caminos para la creatividad musical en la composición y en la performance colaborativa Pedro S. Bittencourt (Rio de Janeiro, 1975) Saxofonista, investigador y director artístico dedicado a la música de concierto, contemporánea y mixta. Profesor de saxofón en tiempo integral del Departamento de Viento en la Universidad Federal de Rio de Janeiro (UFRJ), Brasil. Profesor/investigador en ambos programas de posgrado en esta institución: PPGM/UFRJ y PROMUS/UFRJ. Vicecoordinador de la línea Prácticas Interpretativas y sus Procesos Reflexivos en PPGM. Director del ensamble de sax de la UFRJ. Fundador, director y saxofonista del ensamble ABSTRAI. Doctor en música por la Universidad CICM/París 8, con un trabajo de investigación de música mixta de saxófono, bajo la supervisión de Horacio Vaggione. Ganador de una beca de la Fundación de Ciencia y Tecnología de Portugal para la realización de su doctorado. Máster en Artes/Musicología por la Universidad de Bordeaux 3, con una tesis sobre el Oresteia de Iannis Xenakis. Artista invitado en el Instituto ZKM de Música y Acústica, en Alemania. Estudios en música de cámara contemporánea y saxofón con Marie-Bernadette Charrier en el Conservatorio Nacional de Bordeaux, Francia. Graduación en Radiodifusión en la Escuela de Comunicación de la UFRJ. Artista Selmer (saxofones) y Vandoren (cañas y boquillas). Iracema de Andrade Iracema de Andrade es una artista versátil y comprometida con las expresiones de su tiempo. Reconocida por su trabajo en torno a los repertorios que utilizan medios electroacústicos, visuales, la interdisciplina y la improvisación, ha generado a lo largo de su trayectoria un importante número de obras para su instrumento. Su colaboración creativa con artistas de diferentes generaciones y disciplinas se ha combinado con actividades docentes, académicas, de gestión y de investigación en los últimos años. De Andrade es Doctora en Interpretación Musical con Mención Honorífica, título otorgado por la Facultad de Música de la UNAM, con especialidad en el campo del repertorio contemporáneo para violonchelo y medios electroacústicos. Ha sido galardonada con la Medalla “Alfonso Caso” al Mérito Académico por sus destacados estudios doctorales. En Inglaterra realizó estudios de Maestría en la University of West London y obtuvo el Fellowship Diploma y el Certificado de Estudios Avanzados del London College of Music. Se ha presentado en varios recitales de música contemporánea estrenando diversas obras en México, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Argentina, Cuba y Escocia, además de presentaciones en vivo para la BBC3 en Londres, Radio UNAM, Opus 94 y Radio Educación. Desde el año 2000 se desempeña como profesora en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. Actualmente es investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, concentrándose en los campos de la música contemporánea y los antecedentes de la música electroacústica en México. Nicolas Tzortzis Nicolas Tzortzis was born in May 1978 in Athens and has been living in Paris, France since 2002. His music is characterized by great vivacity, a musical and visual polyphony, the organic incorporation of extra-musical elements and the controlled presence of technology. He studied instrumental and electronic composition with Philippe, musical theatre composition with Georges Aperghis and Computer Aided Composition at the University of Paris 8 under the direction of Horacio Vaggione and José Manuel Lopez-Lopez. In 2009-2010 he attended the CURSUS 1 at the IRCAM and was later selected for the CURSUS 2 for the years 2010-2012, where he presented “Incompatible(s) V” for silent piano and live electronics. In the summer of 2017 and 2018 he taught at the Il Suono summer composition academy in Città di Castello, Italy, giving lectures and workshops on instrumental and electronic composition to emerging composers from around the world. Selected by Peter Eötvös, he was composer-in-residence at the Herrenhaus Edenkoben in 2013 and resident at the Villa Ruffieux in Sierre, Switzerland, from in 2014. In 2015, he was a Fulbright visiting scholar at the CNMAT in UC Berkeley, and was also a resident at the Akademia Schloss Solitude in Stuttgart. His recent works include a sound and video installation with German artist Sascha Hahn, a piano concerto for the Thessaloniki State Symphony Orchestra, a piece for voice and ensemble, commissioned by the French Radio and a violin chamber concerto for Alexandra Greffin-Klein with the French Ensemble Court-Circuit. November 1st, 2019 saw the release of his first portrait CD, “Les mystères”, with Das Neue Ensemble, on the English Label Toccata Classics. Upcoming projects include music for a dance production, a work for baritone and ensemble for the Greek National Opera, plus a work for saxophone and string orchestra, for Vincent Daoud with the Swiss Camerata Ataremac. Rodrigo Castellanos músico, compositor e improvisador que ha participado en conciertos, performences y festivales internacionales en México, Chile, Alemania, Reino Unido, Argentina, Portugal, España, entre otros países. Su experiencia artística incluye música de cámara, mixta, electroacúsica, improvisación, y colaboraciones para danza, video arte y mapping. Realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, en la Escuela Superior de Música del INBA en México, y un Master en Artes y Composición Musical en la Universidad de Chile. Ha recibido diversas becas y reconocimientos para la creación de obras fonográficas, residencias artísticas, estudios, giras, y perfeccionamiento en el extranjero. Desde el 2018 es académico en la Escuela de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Austral de Chile, y director artístico del Ciclo de Música Electroacústica organizado por la misma escuela. Además dirige dos proyectos para realizar instalaciones sonoras con financiamiento del FONDART Nacional y Regional de Chile. Do you have comments or questions to the artist? 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< Back Yair López (Mex) - Concierto Yair López (MX 1983), aka Germen, vive y trabaja entre Puerto Vallarta y Guadalajara. Es gestor cultural, curador, artista y docente. Combina el error, datos geofísicos y la poesía materializando piezas sonoras y audiovisuales. A partir de ser un escucha activo, ha realizado grabación de campo y paisaje sonoro, dirige el Encuentro Internacional de Grabación Campo ( http://eigc.info ). Su fascinación por el e‐waste (basura electrónica) lo han llevado a recorrer mercados de pulga en distintos puntos del globo. Es un arqueólogo aficionado a la recolección de elementos electrónicos y a su manipulación para inducirlos al error y cambiar su funcionamiento. Germen, es un seudónimo de López con el cual realiza ilustración análoga-digital y bordado a mano. Estudia actualmente el Doctorado en Ciencias en la Universidad de Guadalajara, su trabajo de investigación se centra en la interacción de ondas infrasónicas. Además, es Maestro en Ciencias en Geofísica por la UDG. Como investigador ha publicado artículos científicos en el Seismological Research Letters y es autor del libro: LOS TERREMOTOS NO MATAN, LOS EDIFICIOS SÍ. Su obra fue presentada en el Museo de Arte de Zapopan (MAZ), Laboratorio Arte Alameda y el Centro Cultural de España en México entre otros. Fue nominado al Premio CIFO-Ars Electronica 2022. Obtuvo el premio de poesía expandida por Contratiempo Chicago y DePaul University en 2011. Además, de haber sido artista residente en: the immesrive Assembly (a digital residency): York Mediale, British Council & Goldsmiths University, CMMAS, Maraika‐Indocumentados y en Cove Park (Escocia) residencia en el marco de SHUM: Seeing, Hearing UK Mexico, un programa de intercambio artístico de CMMAS y Cryptic, en colaboración con The Anglo Mexican Foundation - Anglo Arts y British Council Mexico. Ha sido beneficiario del programa Proyecta Producción y Proyecta traslados en 2019, Jóvenes Creadores del FONCA 2016-2017, Coinversiones del FONCA 2010-2011; PECDA 2009-2010 y 2012- 2013; CONACYT 2013-2015 y CENTRO MULTIMEDIA 2014-2015. Ha impartido el Taller de Paisaje Sonoro en el Centro de Arte Audiovisual (CAAV), Proyectos Creativos III dentro de la carrera de Audiovisuales y Comunicación (ITESO), Palabra y Sonido dentro de la carrera de Arte y Creación (ITESO) y LA ESCUELA DE LA ESCUCHA, dentro de la Escuela de Artes de la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco. Fue miembro del comité artístico de PECDA Jalisco en la categoría de Gestión Cultural. Además, ha sido Jurado y tutor de PECDA Jalisco, PECDA Nayarit, Proyecta y Ecos Sonoros del Centro Nacional de las Artes. Trabaja diseñando los programas públicos para el MAZ. En 2021, fue Coordinador de el CCEPI (Centro Cultural El Pitillal). Yairlopez.info Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Morelia, dos visiones. [ARGENTINA / FRANCIA] Diego Losa (Argentina) Méryll Ampe (Francia) 21 feb 2020 Exploración sobre una experiencia Sensorial y musical Nuestro desafío es cruzar dos universos diferentes y tan comunes a la vez para llevarnos a ahondar en sonoridades y formas utilizando elementos tales que instrumentos, osciladores , sonidos de la vida cotidiana jugando con el espacio, creando trayectorias y volúmenes virtuales entre los altavoces ubicados de manera ecléctica entre el publico y nosotros mismos. Merryll Ampe Artista sonora , compositora y artista plástica y Diego Losa compositor de música concreta, flautista, saxofonista y ambos performers los llevaremos a un paseo/experiencia, una proposición sensorial a través de un mundo interactivo donde los intercambios entre de sonidos llevaran a las transformaciones y espacializaciones mutuas para crear un área/espacio en común donde el publico será parte integrante. Para ello Meryll aportara su experiencia como artista plástica creando un espacio de sonidos a través de una instalación multicanal para diseñar una obra donde se dibujarán trayectorias sonoras, lo que provocará formas, planos, volúmenes y un modo de juego entre nosotros. En este espacio de juego arquitectónico Diego traerá a esta creación la parte poética. Creando historias sonoras, transformándolas y desplazándolas en estos Espacios imaginarios a su vez. En suma, trabajarán sobre una doble cuadrafonía mezclando los sonidos y secuencias de ambos alternando las salidas audio y fusionando sonidos concretos, electrónicos y producidos en vivo, transformándolos en tiempo real con los plug ins GRM tools. DIEGO LOSA (Argentina) Compositor y performer Nacido en Buenos Aires en 1962, realizó sus estudios musicales en la Argentina, donde estudió la flauta, el saxofón la armonía y la composición. Siguió el curso de introducción de nuevas técnicas de análisis musical y obtuvo el certificado de aptitud de la ejecución orquestal . Formó parte del LIPM (Laboratorio de Investigación y Producción Musical en Buenos Aires) donde participó del convenio entre la universidad de Stanford, San Diego y Buenos aires. Fue jefe técnico del auditorio del Centro Cultural Recoleta. Entre los años 1993 y 1996 fue Profesor de composición electroacústica en las Universidades de Córdoba, Rosario y Santa Fe. Actualmente es miembro del GRM (Groupe des recherches musicales) de Paris donde ha trabajado con compositores como Bernard Parmegiani,François Bayle,Daniel Teruggi, Jean Claude Risset. En el campo de la enseñanza esta a cargo de la cátedra de música electroacustica del conservatorio de St Etienne (Francia) y de la facultad de « La Sorbonne » Paris, en el ambito del cine es Profesor de Sound Design en la escuela de cine EICAR de Paris. MÉRYLL AMPE (Francia) Méryll Ampe desarrolla su sonido a través de grabaciones electrónicas de campo y música experimental. "Establezco vínculos entre mi práctica musical y mi práctica visual, usando técnicas directamente vinculadas a la escultura: cortar en masa, modelar y cincelar usando sonido acústico, procesamiento de sonido digital y herramientas analógicas (micrófonos, batería, K7, sintetizadores). Estos me permiten generar eco, tensiones, pausas y puntuación, a través de los cuales compongo tonos orquestados y espaciales. Me invierto en los lugares donde compongo, adaptando pistas al espacio y la situación. Y concibo la improvisación como una secuencia ininterrumpida, que revela la composición inmersiva del espacio". Ha actuado en importantes foros y festivales en Francia y en el extranjero, incluidos: Les Instants Chavirés, Présences Electronique Festival, Sonic Protest Festival Palais de Tokyo, Centre Pompidou-Paris (Francia), LUFF (CH), E-Fest (Túnez), H-ear (Holanda), Notam (Noruega), Nananjo (España) ), New Rivers (Inglaterra), 4Fakultät (Alemania), HS (Bélgica), AURAL (México), Museo Moderno (Argentina), UUU Experimentalimos (Uruguay) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Robert Normandeau / Terri Hron [CANADÁ] Creadores: Robert Normandeau / Terri Hron (Canadá) 15 feb 2013 "El compositor canadiense Robert Normandeau y la compositora y flautista Terri Hron brindarán un concierto con obras acusmáticas y mixtas. Robert Normandeu After a BMus in Composition (Electroacoustics) from the Université Laval (Québec City, 1984) Robert Normandeau moved to Montréal and completed an MMus in Composition (1988) and the first PhDMus in Electroacoustic Composition (1992), under Marcelle Deschênes and Francis Dhomont. He is a founding member of the Canadian Electroacoustic Community (CEC, 1987). From 1986 to ’93, he was an active member of the Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ), where he produced the Clair de terre concert series at the Planétarium de Montréal. In 1991, he co-founded Réseaux, an organization for the presentation of media arts events, notably the acousmatic concert series Rien à voir and Akousma. After a certain interest in instrumental and mixed works, his current endeavours are focused on acousmatic music. More specifically, his compositions employ esthetical criteria whereby he creates a ‘cinema for the ear’ in which ‘meaning’ as well as ‘sound’ become the elements that elaborate his works. Along with concert music he now writes incidental music, especially for the theatre. He is Professor in electroacoustic music composition at Université de Montréal since 1999. He received two Prix Opus from the Conseil québécois de la musique (CQM) in 1999: “Composer of the Year” and “Record of the Year — Contemporary Music” for Figures (IMED 0944). The Académie québécoise du théâtre (AQT) has given him two Masque Awards (“Best Music for Theatre”): one in 2002 for the play Malina and the second in 2005 for the play La cloche de verre. Robert Normandeau is an award winner of numerous international competitions, including Ars Electronica, Linz (Austria, 1993, Golden Nica in 1996), Bourges (France, 1986, ’88, ’93), Fribourg (Switzerland, 2002), Luigi Russolo, Varese (Italy, 1989, ’90), Métamorphoses, Brussels (Belgium, 2002, 04), Musica Nova, Prague (Czech Republic, 1994, ’95, ’98), Noroit-Léonce Petitot, Arras (France, 1991, ’93), Phonurgia-Nova, Arles (France, 1987, ’88), and Stockholm (Sweden, 1992) and Giga-Hertz (Karlsruhe, 2010). He received commissions from The Banff Centre for the Arts, BBC, CKUT-FM, Codes d’accès / Musiques & Recherches, Jacques Drouin, Les événements du neuf, Groupe de recherches musicales (GRM), Groupe de musique expérimentale de Marseille (GMEM), Terri Hron, Claire Marchand, Musée d’art contemporain de Montréal, Open Space Gallery, Arturo Parra, Société Radio-Canada, Réseaux, Sonorities Festival, Vancouver New Music Society, and Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM). He was composer in residence in Banff (Canada, 1989, ’92, ’93), Bangor (Wales, UK, 2008), Belfast (Northern Ireland, RU, 1997), Bourges (France, 1988, ’99, 2005), Mons (Belgique, 1996), Paris (France, 1990, ’94), Ohain (Belgique, 1987, 2007), and Karlsruhe (Allemagne, 2004, ’05, ’10). http://www.electrocd.com/en/bio/normandeau_ro/discog/ Terry Hron Recorder player and composer Terri Hron comfortably migrates from performance to composition, exploring acoustic and electronic sounds in both written and improvised situations. As a performer, Bird on a Wire is Terri's ongoing project to commission, perform and record new pieces for recorder and electronics. The first album was released in 2009 and the second, Flocking Patterns, involving eight composers writing in multi-channel (Daniel Blake, Jorrit Dijkstra, Jenny Olivia Johnson, Emilie LeBel, Paula Matthusen, Darren Miller, Robert Normandeau and Elliott Sharp) was premiered and recorded in 5.1 surround in 2011. Terri's compositions span the range from chamber orchestra to acousmatic pieces. Her current projects include Sharp Splinter, a cycle for instruments and electronics based on her family archive, and a new work for Spiritus Chamber Choir, Calgary. Her own experience as a performer and her interest in working on individuality has led Terri to research creative collaboration between composers and performers, especially within settings involving technology. Using her own projects as case studies, her current doctorate in composition at the Université de Montréal with Philippe Leroux and Isabelle Panneton focuses on composing for what she calls the ""idiomatic performer."" Terri is the recipient of numerous scholarships, prizes and residencies, including: the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada, le Conseil des Arts et des Lettres du Québec, the Banff Centre, the Canada Council for the Arts, the Centre for Interdisciplinary Research in Music and Media Technologies, the Atlantic Center for the Arts and the Alberta Foundation for the Arts. Recorder player and composer Terri Hron explores the range of acoustic and electronic sounds in both written and improvised situations. Bird on a Wire is Terri's ongoing project to commission, perform and record works for recorder and electronics and has yielded twenty works and two full-length albums. Meanwhile, her current composition projects include Sharp Splinter, a cycle for instruments and electronics based on her family history, and a new work for Spiritus Chamber Choir, Calgary. In her doctoral research at the Université de Montréal with Philippe Leroux and Isabelle Panneton, she investigates creative collaboration between composers and performers, especially within settings involving technology, using her own projects as case studies. Terri is the recipient of numerous awards, including: the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada, the Banff Centre, the Canada Council for the Arts and the Centre for Interdisciplinary Research in Music and Media Technologies." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Dúo Arsa - Robledo. (Virtual) [MÉXICO] Violonchelo: Elizabeth Sánchez Arriaga (México) Acordeón: Sergio Robledo Acevedo (México) 10 sept 2021 Dúo Arsa-Robledo Violonchelo y acordeón Agrupación que desde el 2017 ha estado en constante labor musical, formado por Elizabeth Sánchez Arriaga (violonchelo) y Sergio Robledo Acevedo (acordeón) ambos realizaron sus estudios profesionales en la Facultad de Música de la UNAM. Uno de sus objetivos es acercar público a la música de concierto, ya sea dentro o fuera de las salas de concierto, por este motivo durante el 2018 fueron participantes activos en el programa social Transpórtate el cual se enfoca en llevar el arte (música, danza, teatro, entre otros) a lugares donde la oferta cultural es escasa, para que tanto artistas como público disfruten, conozcan, expresen y convivan de manera sana a través del arte. Estos recintos pueden ser estaciones del Metro, albergues y comedores comunitarios de la Ciudad de México. Se han presentado en diversas salas y recintos de la Ciudad de México, como la Sala Xochipilli y la Huehuecóyotl de la Facultad de Música de la UNAM, el teatro Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, la Casa del Lago “Juan José Arreola”, el Centro Cultural Helénico, el Auditorio “Antonio Caso” de la Escuela Nacional Preparatoria no. 6 de la UNAM, entre otros. Su repertorio incluye música diversa, por ejemplo: obras contemporáneas de compositores rusos, mexicanos y obras que fusionan distintos géneros como la música contemporánea, electroacústica y jazz. Sus interpretaciones se han presentado en Radio UNAM y en Opus 94.5 del IMER. Entre sus principales intereses está la colaboración con compositores contemporáneos para generar repertorio para esta dotación y actualmente se está realizando su primera producción discográfica, que incluye seis obras originales de autores mexicanos. Por otra parte, el Dúo busca generar propuestas artísticas interdisciplinarias con música, teatro y danza. Previous Next

< Back Ir al final | go to botom Digital Technology and Orally Transmitted Music: Two Case Studies from Amazonian Shamanism - Owain Graham (EUA) Icaros are songs fundamental to the practice of traditional Amazonian medicine among indigenous and mestizo populations in the Western Amazon. The word icaro has been traced back to the Quechua word ikaray, “to blow smoke in order to heal.” This definition points to a conception of the breath as a medium that carries healing power, especially when augmented by smoke and singing. In traditional Amazonian medicine, a healer’s prestige is often tied to their ability to memorize a large number of icaros. These songs are the source of shamanic power, a means of connecting to healing and protecting spirits, and the primary structural elements of rituals that may last from a few minutes to several hours. Historically, these songs were either orally transmitted from master to apprentice or learned by direct contact with spirits during various rituals involving altered states of consciousness achieved by ingesting consciousness altering plants or through ritualized social seclusion and dietary restriction. In this presentation, I explore the benefits, pitfalls, and ethical implications of the use of digital recordings in learning, sharing, researching, and selling icaros--especially considering their status as semi-secret knowledge and the growing incentives to commodify the songs due to the increasing popularity of shamanic tourism. I also discuss the recent development of live-streamed medicine ceremonies in which icaros are used to create ritual spaces at a distance. Owain Graham is a doctoral candidate in ethnomusicology at the University of California, Riverside. His current research focuses on the songs that structure healing rituals in the Peruvian Amazon and how music, ritual, and relationality with non-human entities mediate interactions between tourists and Amazonian healers. Mr. Graham holds a B.M. from the Stetson University School of Music, where he studied classical guitar with internationally renowned artist and teacher, Stephen Robinson. He also holds a master’s degree from the University of Texas at San Antonio. Mr. Graham founded the guitar studies program at the Baptist University of the Américas in San Antonio, Texas where he also taught music theory and Mexican Rondalla Ensemble. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

< Back Ir al final | go to botom Cómo ser gestor, sin serlo. Breves ideas de gestión para no gestores - Silvia de la Cueva (México) Es vital para artistas y creadores entender cómo la gestión cultural contribuye a su trabajo y así tener conceptos básicos, metodologías o herramientas que mejoren su papel en el mundo artístico y cultural. Tanto en la gestión de las artes musicales, como en la práctica artística, los lenguajes musicales y sonoros conforman un componente categórico en las sociedades contemporáneas. Su influencia es clave en el quehacer de la gestión cultural y es importante analizar la relación que ambas disciplinas tienen entre sí. Silvia de la Cueva (México, 1980), es gestora cultural y licenciada en lengua inglesa. Es diplomada en promoción y gestión cultural por el CONACULTA, en Políticas Culturales y Promoción Cultural por la OEI y en Procuración de Fondos por la Escuela de Procuración de Fondos del Centro Filantrópico de la Universidad de Indiana. Enfoca su trabajo a la promoción y desarrollo del arte contemporáneo. Desde 2004 ha creado y coordinado proyectos con y para instituciones y organizaciones nacionales e internacionales, así como para festivales y artistas, mexicanos y extranjeros, por medio de Fundación Clinker, de la cual fue miembro co-fundador, misma que dirigió hasta diciembre del 2007; de el Conservatorio de las Rosas junto con el compositor y gestor Javier Álvarez de 2008 a 2010; de Ónix Ensamble desde 2010, del cual es Directora Ejecutiva y con el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, CMMAS de 2008 a 2020, como coordinadora de Desarrollo. Con CMMAS además coordinó distintas áreas del festival Visiones Sonoras y en el 2019 fue directora y curadora de la décimo quinta edición del Festival. De forma independiente, diseña proyectos sociales para la iniciativa privada. Entre sus principales habilidades está la procuración de fondos a través de subvenciones nacionales e internacionales, así como el diseño de programas -sociales, culturales y/o artísticos- de vinculación internacional. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Nudo Vortex (Encuentro Posible Poesía). [MÉXICO] Rocío Cerón (México), Mario del Río (México), Abraham Chavelas (México) 16 mar 2016 Nudo Vortex es una pieza escritural procesual, una construcción inestable que va concentrándose, abriéndose, apropiándose y dejando atrás lo que se anuda y desanuda del lenguaje. El público, los espectadores, testifican su construcción, destrucción y vuelta a construir. Rocío Cerón (Ciudad de México, 1972). Su obra dialoga con otros lenguajes en una apuesta de poesía, acción, video y música creando espacios de transcreación. Ha publicado Basalto (ESN-CONACULTA, México, 2002) que obtuvo el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen 2000; Soma (Eloísa Ediciones, Argentina, 2003); Imperio/Empire (Ediciones Monte Carmelo, 2008; FONCA-CONACULTA-MotínPoeta, 2009, edición interdisciplinaria y bilingüe); Tiento (UANL, México, 2010; traducciones: Verlag Hans Schiler, Alemania, 2011; Aura Latina, Suecia, 2012), El ocre de la tierra (Ediciones Liliputienses, España, 2011); Diorama (Tabasco 189-UANL, México, 2012; Amargord Ediciones, España, 2013; MacNally Jackson-Díaz Grey Editores, EUA, 2013, edición bilingüe), entre otros. Acciones poéticas suyas se han presentado nacional e internacionalmente en los Institutos Cervantes de Berlín, Londres y Estocolmo, Centro Pompidou, París, Francia; Cabaret Voltaire, Tübingen, Alemania; Museo Karen Blixen, Copenhague, Dinamarca, Southbank Centre, Londres, Reino Unido; MUCA Roma; Fonoteca Nacional, entre otras sedes. Representó a México en el Poetry Parnassus, el mayor festival de poesía realizado en el Reino Unido, en 2012. Mario Del Rio. Compositor, guitarrista y arreglista independiente. Su discografía, entre 2003 y 2014, cuenta con cuatro álbumes de estudio y un EP con cuatro diferentes proyectos y una gran variedad de colaboraciones, demos y acoplados de diversos géneros que abarcan desde el folk hasta el rock pesado. Abraham Chavelas. Promotor cultural, artista sonoro. Creación y colaboración con diferentes artistas, trasciende su participación en el colectivo “Las Hamacas”, cuya pieza fue seleccionada como parte de la muestra Shaped in Mexico, en Bargehouse/Oxo Tower, Londres (2015). Formación en supervisión musical para cine y televisión, diseño de audio, paisajes sonoros. Es fundador de la iniciativa Más Música Menos Balas que propone fomentar el arte y la cultura como medios de transformación social. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Eva Zöllner. [ALEMANIA] Eva Zöllner (Alemania) 11 nov 2016 Los compositores reflejan lo que sucede a su alrededor. Absorben el sonido y lo colocan en nuevos contextos musicales. Este programa presenta diferentes perspectivas musicales que trabajan en esta dirección. Jóvenes compositores de Latinoamérica y Alemania se combinan con el acordeón de Eva Zöllner y los sonidos del día a día crean nuevos y emocionantes sonidos del mundo. Caja de viento es una serie de talleres y conciertos que buscan promocionar el acordeón contemporáneo en México. Es apoyado como parte del Año Dual Alemania - México y toma lugar en varias ciudades de México entre Junio 2016 y Mayo 2017. Eva Zöllner tiene estudios clásicos de acordeón en Colonia y Copenhague y es una de las acordeonistas más activas de su generación. Como aclamada solista internacional, ha participado en proyectos que van desde sus presentaciones más experimentales hasta conciertos con renombrados ensambles. Una importante parte de su trabajo es la cercana cooperación que tiene con compositores de su generación. Ha debutado más de 100 nuevos trabajos para su instrumento. Tiene un particular interés en el potencial del acordeón dentro de la música electroacústica y el arte multimedia. Eva vive en Hamburgo y se considera una nómada musical, viajando por todo el mundo para explorar su instrumento en diferentes culturas y contextos. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: SitarStation. [AUSTRIA] SitarStation (Austria) 20 oct 2016 Quien crea que SitarStation tiene algo que ver con la música hindú para meditación, será confrontado con nuevos enfoques. Klaus Falschlunger, intérprete austriaco del sitar, es uno de los músicos que siempre están en la búsqueda de una coincidencia entre diferentes tradiciones y estilos musicales. Es iniciador del trío con Aleksandar Koncar, bajista electrónico quien tiene un gran interés en los nuevos estilos, y Christian Unsinn, baterista con sonidos electro. Esta extraordinaria formación de músicos ha desarrollado un sonido muy específico. Influenciados por la música hindú, el jazz, rock y pop mezclado con composición e improvisación, SitarStation logra tocar emociones con una gran musicalidad y autenticidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Música nueva para cuarteto de percusión. [MÉXICO] SAFA Ensamble de Percusiones (México) 15 mar 2018 Concierto de presentación de las tres obras ganadoras del "Primer concurso nacional de composición para cuarteto de percusiones" que convocó SAFA Ensamble de Percusiones, el CMMAS y la Sociedad Artística Sinaloense, y para completar el programa se interpretará Teguala de Juan Felipe Waller, obra para 120 piezas de cerámica y electrónicos. Safa Ensamble de Percusiones está integrado por músicos profesionales con formación clásica. Desde 2007 Safa comparte el gusto por emprender proyectos y hacer música. En sus giras por México, este grupo de cámara asentado en Culiacán, ha visitado ciudades como Álamos, Tijuana, Mexicali, Ensenada, Tepic, Guadalajara y la Ciudad de México. El 40 Festival Internacional Cervantino seleccionó en 2012 su trabajo para hacer un concierto que resultó memorable en el Templo de la Compañía. Seis ciudades de Portugal y España comprendieron el proyecto «Gira Ibérica 2012» de Safa, que recibió el apoyo del FONCA. Como ensamble solista se ha presentado en dos ocasiones con la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes bajo la dirección de José Luis Castillo y Enrique Patrón de Rueda. Colaboró con Delfos Danza Contemporánea en el Festival Cultural Mazatlán y en el 40 Festival Internacional Cervantino. Recientemente participó en el IX Festival Internacional de Cajón Peruano 2016 en Lima y días después ofreció un concierto en el Teatro Municipal de Cusco.?Han grabado un CD: Psappha Ensamble de Percusiones, el nombre que los vio nacer como grupo y que dio origen a su denominación actual. Este material discográfico fue resultado de un apoyo concedido en 2008 por el Consejo Ciudadano de Cultura de Culiacán. La vocación formadora de Safa se ha puesto de manifiesto a lo largo de su trayectoria en Sinaloa, donde sus integrantes además de impartir la cátedra de percusiones en distintas escuelas, constantemente ofrecen conciertos didácticos. En 2010, Safa obtuvo del INBA un estímulo para la realización de 20 conciertos en escuelas primarias.? Safa Ensamble de Percusiones interpreta un rico repertorio que abarca transcripciones de música de concierto, contemporánea, escénica y popular, con el único rigor del virtuosismo, la excelencia y, por encima de todo, el placer de hacer música. Previous Next